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Residencies 17/18

    • THE COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA LAUNCHED ITS FOURTH CALL FOR CONTENDERS IN ITS CREATION RESIDENCE INITIATIVE

    • The Compañía Nacional de Danza launched its Fourth call for contenders in its Creation Residency initiative
    • This initiative aims to facilitate emerging choreographers a space in which to work and experiment while promoting their creations through the communication platforms put at their disposition.
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        • Stocos. Dancers with a projected digital image
      • dlcAos

        Manuela Barrero & la CND. Proyecto dlcAos
        Manuela Barrero & la CND. Proyecto dlcAos
        Manuela Barrero & la CND. Proyecto dlcAos
        Manuela Barrero & la CND. Proyecto dlcAos

        ' z è b r e '

        (Next translation)

        • Proyecto Residente Compañía Nacional de Danza 2018
        • Dirección / coreografía: Manuela Barrero
        • Intérpretes: Manuela Barrero / Davicarome
        • Fotografía: Jacobo Medrano

        MANUELA BARREROS dlcAos

        Licenciada en Hª del Arte (U.C.M) especialista en Arte Contemporáneo, Manuela Barrero estudia danza clásica (Real Conservatorio,Escuela Profesional de Danza de Madrid) siguiendo su formación en Berlin y Paris.

        Tras trabajar desde 2007 hasta la actualidad en la compañía LOSDEDAE en el equipo artístico, como intérprete y asistente de dirección, comienza su trayectoria como creadora independiente. Así dirige la compañía dlcAos, un proyecto en el que el encuentro de las artes plásticas, audiovisuales, literatura, danza, pensamiento, caracteriza cada creación. Con dlcAos le gustaría defender la verdad de una danza resucitada y fuerte, creada en un espacio digno que la dignifique y la haga hermosa para el espectador, no sólo en escena,sino hermosa desde su génesis.

        Qué es ' z è b r e '

        ' z è b r e ' es el término coloquial francés para 'bicho raro'. También se asocia, de una manera cariñosa e irónica, con las personas dotadas de una alta capacidad emocional, sensitiva. Yo lo asocio, además, a la incomprensión social que ésto, sorprendentemente, genera. Incomunicación emocional e intelectual que provoca en la zebra un estado de MELANCOLÍA permanente. ' z è b r e ' está inspirado en genios de la historia del arte universal, cuyas biografías y obras, son para mí síntomas externos de la 'patología' que parece que es 'ser diferente'. Leonardo, Borromini, Anivale Carraci.... Son los antepasados de nuestra zèbra contemporánea, y la propuesta es expresarlo y comunicarlo por medio del lenguaje de la danza. El proyecto es una necesidad profunda de llamada a la inspiración escurridiza. ' z è b r e ' es soledad común, es reivindicar lo diferente como la esencia desencadenante del acercamiento entre seres humanos diversos, en una cultura que impone la homogeneidad del no criterio. Es provocar un abrazo a lo desconocido. Es una reflexión sobre el concepto de ANAMORFOSIS (proyección de la forma fuera de sí misma) aplicado a la danza.

        Utilizando estos efectos en la propia fisicidad de los bailarines, querría expresar la fuerza deformadora de la mirada melancólica, su inestabilidad, e incluso inexactitud, en muchas ocasiones.

        • CND PROJECT: VIVO

        • Music In Vivo for String Quartett, II, from Raphaël Cendo - Serenade No. 10 in B flat major KV 361 “Gran Partita” from W.A. Mozart Length ca.
        • 10 minutes
        • Dancers: 2 women and 2 men.
        • Cast to be decided later.Eventual collaborators to be included later

        SYNOPSIS: Contrasting Mozart’s delicate Serenade No. 10 in B flat major KV 361 with the rough and tense In Vivo from the French composer Raphaël Cendo I wish to explore different aspects of body’s relation between 4 individuals. In this creation process I will also pursue some researches on pointe work and its range of possibilities.

          • BIOGRAPHY

          •  Martin Chaix Portrait. CND Residencies 18/19Martin Chaix was born in 1980 in Albi (France), where he began his classical ballet training in 1986. 
          • In 1993 he was accepted at the École de Danse de l'Opéra National de Paris where he studied until 1999 and directly joined the Paris Opera Ballet (dir. Brigitte Lefèvre).
          • In 2006 he was offered a soloist position at the Leipzig Ballet (dir. Paul Chalmer) experiencing a whole new repertoire and taking part in new creations. Finally,
          • in 2009 he became a member of the Ballett am Rhein Düsseldorf Duisburg (dir. Martin Schläpfer). 
          • His repertoire as a dancer included choreographies from Rudolf Nureyev, Pina Bausch, Marco Goecke, Uwe Scholz, Édouard Lock, Mats Ek, Hans van Manen, Jiří Kylián and Martin Schläpfer among others.
          • Since 2015 he is working as a freelance choreographer.
          • Martin Chaix began choreographing in 2006 for the “Danseurs Chorégraphes” evening at the Paris Opera Ballet and pursued later on with different independent projects and “Young Choreographers” evenings, most notably for the renowned Noverre-Geselschaft evening with the Stuttgart Ballet.
          • Very soon he received numerous invitation to work with different companies such as the Leipzig Ballet, the Saarland State Theatre Ballet, the Croatian national Ballet in Split and the Ballet am Rhein Düsseldorf Duisburg among others.
          • Along with different choreographic projects he is also doing some short films and photographies. One of his work has been selected for the One Minute Film Festival in Amsterdam in 2013.
          • My work presentation video

        Showcase from Martin Chaix on Vimeo.

        • Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM
          Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM
          Carla Diego & la CND. Proyecto Plangĕre
        • p l a n g ĕ r e

        • p l a n g ĕ r e from Carla on Vimeo.
        • (Next translation)
        • Coreografía y Dirección: Carla Diego Luque
        • Intérpretes: Claudia Boch Fernández, Maddi Ruiz de Loizaga Goikoetxea y Carla Diego.
        • Fotografías y Vídeos: Teaser – Marta Diego L
        • Fotografías – Elías Aguirre
        • Vestuario: Gemma Espinosa.
        • Contacto: Carla Diego Luque +34 607 63 24 63 This email address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it.
        • Estreno Formato Corto: Cuerporomo 2017
        • Este proyecto nace de un interés en la investigación del cuerpo y del movimiento así como de su expresión conjunta. Desarrollado principalmente a partir del estudio de diferentes imágenes y de una investigación teórica, busca hacer a través de la danza y su manifestación física un discurso dramático y poético del ritual del duelo centrándose en la figura de las plañideras.
        • Partiendo de distintas referencias “p l a n g ĕ r e” inicia un proceso de búsqueda para definir una fisicalidad, expresividad y estética marcada por este ritual del duelo dejando que la danza ejerza un poder transformador para que el cuerpo y la mente viajen a través de ella y hacer visible y física la manifestación de la pena.
        • “Atended, llamad a las plañideras, que vengan; buscad a las más hábiles en su oficio; que se apresuren, que vengan y hagan sobre vosotros sus lamentaciones; caiga de vuestros ojos el llanto y manen lágrimas vuestros párpados”
        •  “La comedia salvaje”, José Ovejero.
      • Le Doute. La Noche Más Larga Project

        Le Doute from EL SUSPIRO on Vimeo

        • (Next translation)
        • Dirección e interpretación: Carlos Beluga Y Elisa Forcano 
        • LA NOCHE MÁS LARGA

        • Le Doute & la CND. Proyecto La Noche Más Larga
          Le Doute & la CND. Proyecto La Noche Más Larga
          Le Doute & la CND. Proyecto La Noche Más Larga
          Le Doute & la CND. Proyecto La Noche Más Larga

        • SINOPSIS: La noche más larga surge como un vómito meditado pues necesitábamos investigar la interacción de nuestros cuerpos en movimiento de una manera dramática e inevitablemente urgió el conflicto. Un conflicto físico, agresivo y sin embargo ahogado de fragilidad.
        • FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA:
        • Intérpretes: Carlos Beluga y Elisa Forcano
        • Creación original: Carlos Beluga y Elisa Forcano
        • Música: Serch Geval
        • Iluminación: José Ramírez
        • Fotografía: Álvaro Serrano Sierra
        • Vídeo: Álvaro Serrano Sierra
        • Producción: Le Doute
        • Dirección Artística:
        • Carlos Beluga y Elisa Forcano
        • Facebook
        • Carmen Fumero. Un Poco de Nadie

        • (Next translation)
        • UN POCO DE NADIE

        • Coreografía: Miguel Ballabriga, Carmen Fumero con la colaboración de Indalecio Seura.
        • Intérpretes: Indalecio Seura, Miguel Ballabriga y Carmen Fumero
        • Música: Iván Cebrián
        • Sinopsis: Un poco de nadie cuenta la historia de alguno de nosotros. Habla de intentarlo y no lograrlo. De lo anónimo y de no ser nadie, porque un alguien era una vez un don nadie que quiso y lo hizo.
        • Dossier espectáculo
        • Un poco de nadie es una propuesta que nació con la motivación de darle importancia al hecho de no ser nadie.
        • Se trata de un punto de encuentro entre tres personajes anónimos, un paréntesis en el camino de cualquiera de nosotros, donde la búsqueda de una identidad propia y el encuentro con el fracaso, son los protagonistas.
      • Marcos y Marco. El Parque

        (Next translation)

        La Compañía Marcos Y Marco es un ensemble de artistas que encuentra en la danza contemporánea una de sus múltiples maneras de expresión. Fue formada en 2010 y con base en 
        Marsella (Francia). Su director y coreógrafo es el artista Marcos Marco (Santander), sus coreografías han participado en numerosos festivales y escenarios internacionales como Francia, España, Alemania, Italia, China, Marruecos, Australia, Suiza, Brasil. En la actualidad su investigación artística está vertebrada por varios elementos fundamentales: el riesgo, la naturalidad, el humor, la poesía, y el absurdo. 
        En los detalles toma su mayor inspiración, utilizando éstos como denominador común en sus obras, siendo a menudo su nexo. El movimiento natural es la materia prima de la composición, se encuentra en ese movimiento sin artificio y honesto el lenguaje característico del artista.

        LA COMPAÑÍA MARCOS Y MARCO PRESENTA SU NUEVO PROYECTO: EL PARQUE 

         Los parques son lugares donde se entrecruzan ideas, se intercambian las situaciones, donde las miradas pesan y la crítica a lo desconocido se torna absurda, sitios donde el azar recrea e inventa el mundo.

        En este proyecto pretendemos exponer EL PARQUE como un espacio de encuentro donde poder indagar en los comportamientos de sus adeptos mediante un viaje a la memoria.
        Encontrar un refugio en el anonimato, escapar de la monotonía, reducir las costumbres de los paseantes a simple divertimento efímero, buscar conexiones en el silencio para encontrar un lenguaje común donde los intérpretes se desplazan entre emociones y energías de ensemble. Una búsqueda de grupo donde encontrar un mensaje propio, singular y definido.

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      • Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM
        Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM
        Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM
        Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM
        Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM
        Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM

        ADM

        (Next translation) Un equipo joven, pero con gran trayectoria por separado, se une en esta ocasión para conformar la partitura de este espectáculo. No obstante, son varias las críticas tanto de público como de prensa, las que avalan el buen resultado del trabajo de esta joven pero talentosa compañía.

        Dirigida por Alejandro Molinero, ex bailarín del Ballet Nacional de España, Molinero en Compañía en su corta pero intensa trayectoria ha pisado ya los escenarios de teatros tan ilustres como el Campoamor de Oviedo y participado en festivales tan importantes como el de Jerez o el Festival Flamenco Madrid.

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      • Cristián Martín & la CND. Proyecto Ser
        Cristián Martín & la CND. Proyecto Ser
        Cristián Martín & la CND. Proyecto Ser

        SER

        • SYNOPSIS: I imagine a body subject to doubt and indecision, which coexists with the haste of those who want to arrive and with the calmness of those who know how to wait. A nonconformist, brave man, who faces fears, hits, finds and is also wrong. Free in the search for limits in his own dance, without ties, full of nuances, styles and forms. Being imaginary, being that celebrates life through dance.

        • (next translation)
        • FICHA ARTÍSTICA:
        • Idea original, coreografía e interpretación: Cristian Martín
        • Dirección artística y orientación coreográfica: Daniel Doña
        • Diseño de Iluminación: Álvaro Estrada
        • Música Original: Pablo Martin Jones
        • Músicas preexistentes:
        • Sonada De Adios ( Hommage a Paul Dukas)/  Joaquín Rodrigo
        • El Chuli y el Dr. Kelly / Tino di Geraldo
        • The Here and After/ Jun Miyake y Lisa Papineau
        • Árbakkinn/ Ólafur Arnalds y Einar Georg Einarsson
        • Fandangos de Atapuerca/ Fetén Fetén
        • Study for Player Piano(II) / Ólafur Arnalds
        • Vídeo y fotografía: Beatrix Molnar
        • Realización de vestuario:  Gabriel Besa
        • Diseño de escenografía: Daniel Doña
      • Muriel Romero & la CND. Proyecto Stocos
        Muriel Romero & la CND. Proyecto Stocos
        Muriel Romero & la CND. Proyecto Stocos

        Instituto Stocos

          • The Marriage of Heaven and Hell is a choreographic work based on the novel of the same name by William Blake that combines dance, electroacoustic composition, interactive technology and cognitive science in a scenic format.

        Description

        The central core of Blake is the restoration of the union of apparently irreconcilable opposite pairs, because, as the poet said “without opposites there is no progress”. On the one hand, there is the virtuous clarity of techno-scientific rational thinking (heaven, logos) and on the other, the perverse and overwhelming creative forces of imagination and instinct, which emerge from body energy (hell, mythos).

        “Blake’s original work defies genres by organically combining a great variety of elements: from illustrations, poems, parodies, an original mythology, a political anthem or religious manifests, to an entire theory of perception and several descents into the underworld. In our scenic vision, these elements emerge from the body of the dancers in the form of audible entities and visual imagery developed using high technology: models of artificial intelligence and sound synthesis connected in real time to the movements of the dancers.

        The coupling between the bodies on the stage and the interactive digital technology extends the body energy of the dance to other sensory modalities such as acoustics and visual imagery. The proposed work is bridging a gap between abstract techno-scientific thinking and the concrete experience of the body”, the Stocos Institute explains.

        The work analyses expressive aspects of body movement, such as energy, fluidity, symmetry or impulsivity, translating them (in real time) into audible and visual digital abstractions. The Stocos Institute transforms the scenic space into a reactive environment which springs from the body activity of the dancers. It explores the limits of choreographic imagination and creates an augmented reality of dance.

        This project uses technology designed for the development of dance in the European Project WhoLoDancE, part of the Information and Communication Technologies (ICT) programme under Horizon 2020 (H2020), of which the Stocos Institute is a beneficiary partner. 

        ABOUT INSTITUTO STOCOS

        Artificial intelligence, biology, mathematics, and experimental psychology can be danced. The expansion of the body energy of dance to other sensory modalities, thanks to technology, is the field of research of choreographer and dancer Muriel Romero and composer Pablo Palacio. Romero, who began her career with choreographers such as Forsythe or Jiří Kylián, teamed up with Pablo Palacio to found the Stocos Institute, from whence they analyse and develop the interaction between gestures, sounds, and visual imagery. They use technology to develop dance. They investigate three-dimensional movement on a stage on which bodies interact with audible and visual entities. Fruit of its own imagination, the Stocos Institute has produced a series of scenic works that act as an artistic dissemination of their research. Their work, for example Acusmatrix, Catexis, Stocos, Double Bind, Neural Narratives1: Phantom Limb, Neural Narratives2: Polytopya or Piano & Dancer speak in this new language that they have invented.

        The theoretical body that Muriel Romero and Pablo Palacio generate is studied in conservatories and universities all over the world. They have participated in pioneering European research projects such as WhoLoDancE, Metabody, and D.A.N.C.E. They have also been collaborating since 2010 in the development of Motion Composer, a technology oriented toward the interaction between body and sound for people with disabilities.

        • CREDITS

          Direction: Pablo Palacio and Muriel Romero
          Coreography: Muriel Romero
          Music: Pablo Palacio
          Starring: Fabrice Edelmann, Clyde Emmanuel Archer, Katerina Humenyuk, Arnau Pérez, Lucía Estévez Almenzar, Gabriella de Alteriis, Teresa Garzón and Aina Canela
          Interactive visual simulation: Daniel Bisig
          Software and technology: Daniel Bisig, Pablo Palacio and Infomus Casa Paganini
          Light: Juan Carlos Gallardo
          Costumes: Stocos Institute
          Production: Pablo Palacio
          Coproduction: Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, Teatro Museo Universidad de Navarra
          With the support of: Comunidad de Madrid, EU ICT H2020, Compañía Nacional de Danza, Teatros del Canal, Hebel Halle (Heidelberg, Alemania), Infomus-Casa Paganini- University de Genova (Génova, Italia) and Institute for Computer Music and Sound Technology of Zurich
          Language: Spanish and English

          Teaser video: https://vimeo.com/261298207

      • William Sánchez & la CND. Proyecto WANDERLUST
        William Sánchez & la CND. Proyecto WANDERLUST
        William Sánchez & la CND. Proyecto WANDERLUST

        WANDERLUST

         

        WANDERLUST is the third part of the trilogy KALA (Sanskrit for "time"), with which the inclusive dance company SZENE 2WEI concludes its cycle of contemporary dance pieces on various aspects of the term "time". The names of the first two pieces are TARUN (Sanskrit for "timeless") and #ATME.

        WANDERLUST presents the encounter of the human body with nature as a possibility: starting from a present, with which fast-pace, artificiality and alienation are associated, this encounter opens the way to a promising future.

        Future and nature – how do both fit together? The contemporary dance piece WANDERLUST? poses exactly this question. What does the future of nature, the nature of the future look like? The third and last part of the KALA trilogy attempts to bridge between past, present and future. Whether it is global warming, natural disasters or the problematic disposal of nuclear waste – the wish to surpass one's own limits has led humanity to create monsters that only now become visible and palpable. The elements have lost their balance. But how to deal with this? How to become one again with a nature from which we already seem to have largely alienated ourselves? WANDERLUST? plays with future predictions and produces visions. It asks questions and looks for answers. This piece is an invitation as much as it is an incitement. To face the monsters, develop ideas and first and foremost to never lose one's wanderlust.

        • Pedagogic & Artistic director: Timo Gmeiner
        • Choreographer & Artistic director: William Sánchez H.
        • Dance: Anne-Hélène Kotoujansky, Eiji Takeda, Fuuko Shimazaki, Jörg Beese, Matthieu Bergmiller, Mukdanin Phongpachith  Ricarda Noetzel
        • Music & Composition: Tim Bücher
        • Costume, Scenography & Light: Clément Debras
        • Workshops: Anne-Hélène Kotoujansky, Jörg Beese, Mukdanin Phongpachith
        • Editorial work: Kristina van Kempen
        • Video & Photo: Paul Meuth
        • Graphic Design: Pavlina Boneva
        • Assistant: Didier Vergel
        • Stage management: Mercè Mayor
        • Pictures: Paul Meuth
      • Fabián Thomé & la CND. Proyecto Y Ö Y
        Fabián Thomé & la CND. Proyecto Y Ö Y
        Fabián Thomé & la CND. Proyecto Y Ö Y

        (Next Translation)

        Y ö Y

          • Dirección y coreografía: Fabián Thomé
          • Música original: Park Woojae
          • Idea original: Fabián Thomé % Ignacio Urrutia
          • Danza: Pau Aran, Carlos Fernández, Fabián Thomé
          • Dramaturgia, Fotografía, Vídeo: Ignacio Urrutia
          • Vestuario: Germán Cabrera
          • Luces: Víctor Colmenero
          • Producción: Alexei Issacovitch
          • Duración: 20 min.
          • Estreno absoluto el 15 de noviembre de 2018, en el Teatro De Warande, en Turnhout (Bélgica).

        Tres criaturas interrelacionadas entre sí habitan un espacio común donde la vibración y el sonido transforman el paisaje. Explorando las conexiones con la naturaleza, el misticismo de un árbol interroga al hombre en su propio camino hacia adelante. En idioma amazónico, “YöY” hace referencia al bosque donde tienen lugar lo sueños.

        • Creación para 3 bailarines y 1 músico, YöY se encuadra en una trilogía con “umbra” y “entre sombras”, en la que Fabián Thomé explora las relaciones contradictorias entre el ser humano y la madre tierra.

        • Colaboran: De Warande Theater, Turnhout (Bélgica); Fundición, Bilbao; Compañía Nacional de Danza, Madrid.

        • FABIÁN THOMÉ DUTEN
        • CARLOS FERNÁNDEZ 
        • PARK WOOJAE 
        • IGNACIO URRUTIA
        • PAU ARAN

        Fabián Thomé & la CND. Proyecto Y Ö Y
        Fabián Thomé & la CND. Proyecto Y Ö Y
        Fabián Thomé & la CND. Proyecto Y Ö Y

        YöY Work in Progress from Ignacio Urrutia on Vimeo



  • Contact Information:
  • Telf.: (+34) 91 05 05 108
    E-mail: Artistic and Educational Project Coordination
  • This email address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it.

In Residence 18/19

THE COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA LAUNCHED ITS FIFTH CALL FOR CONTENDERS IN ITS CREATION RESIDENCE INITIATIVE

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    • AI Do Project. Invisible Beauty
  • PROYECTO CÍA. LA COLÉ

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    Colectiva-Colegio-Colega-Colección-Colectar-Colegial-Colegir-Coleto-Colear-Cólera

    La Colé. CD Canal julio. 2019


    La Compañía de danza La Colé es un proyecto de investigación artística de carácter formativo-recreativo, bajo la coordinación de Laura Kumin de Paso a 2 y Juan Manuel Ramírez de Territorio Social.  Funciona como una plataforma de creación escénica que conecta a jóvenes de entre 16 y 25 años, con curiosidad por lo escénico, con coreógrafas/os emergentes del panorama nacional y con la propia escena teatral madrileña.

    Tiene como precedente más que positivo y satisfactorio el proyecto artístico-pedagógico Esto no es un Selfie!, que introduce la creación escénica y la danza a la educación formal. ENEUS ya por su 5ª edición, y ambas asociaciones vuelven a unir esfuerzos en esta nueva aventura que también se enmarca bajo el binomio danza-educación, o más bien, danza-aprendizaje.

    Partimos de:

    Foto Lucia Marote de Soledad & Nella intención de Territorio Social de participar en la introducción del proceso creativo desde la danza y el movimiento como herramienta de crecimiento personal tanto en la educación formal como informal, como ocio de calidad, y como artefacto de cohesión social, con especial interés en la adolescencia y la juventud y de la intención de Pasoa2 de servir como agente de dinamización cultural en el apoyo a artistas emergentes y en consolidación y la formación de nuevos públicos y por la propia intención de los jóvenes que han ido participando en nuestros proyectos, que nos muestran como hay mucho talento que desea descubrirse, entrenarse, conducirse, encontrarse, probarse, y que al final no llega a ser desarrollado por causas tan cotidianas como la falta de mirada, la falta de oportunidades y medios, prejuicios sociales y de género, la falta de apertura a nuevas experiencias, entre otras no menos importantes. 

    Acaso ¿el tener un cuerpo que se mueve no debería ser razón suficiente para danzar? ¿Acaso las y los jóvenes no están llenas/os de energía, de ganas de hacer, a la espera de una oportunidad que les permita probarse?

    En este sentido, nos vemos con la oportunidad de impulsar una joven compañía de danza que colabore en la difusión y democratización de las artes. Buscamos una danza por y para adolescentes, que consiga expresar los intereses de las y los jóvenes, que se arme de contenido y use el cuerpo como principal medio de representación, reflexión y comunicación. Se trata de una propuesta de ocio participativo y formativo.

    Nuestra intención es proponer desde nuestro campo de acción, la danza y la creación escénica activa un espacio de crecimiento no sólo a nivel a nivel artístico, sino que también sintonice con una práctica artística para el desarrollo de las personas. Que sirva de entrenamiento en capacidades y habilidades intrínsecas, la danza y la creación escena, cada vez más necesarias en los procesos que van surgiendo a lo largo de la vida: la aceptación de nuevos retos, la pertenencia, el trabajo colectivo,  el compromiso, el esfuerzo, la diversión, el pensamiento crítico, entre muchos otros. 

    ¿Qué podría hacer la danza con/por las/os jóvenes?  y ¿Qué podrían hacer las/os jóvenes con/por la danza?

    LOGO Paso

  • NO TIME TO RAGE

    • cnd-residencias-eduardo-vallejo-pinto-1
    • cnd-residencias-eduardo-vallejo-pinto-2
    • cnd-residencias-eduardo-vallejo-pinto-3
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    • cnd-residencias-eduardo-vallejo-pinto-5
    • cnd-residencias-eduardo-vallejo-pinto

    (Next translation)

    “No time to rage” expone símbolos de distintos arquetipos que interactúan entre ellos de una manera destructiva. Ilustra una sociedad fagocitaria donde el diferente es automáticamente castigado. Una obra compleja y profunda que muestra la soledad de aquellos capaces de ver la realidad con más dimensiones que el resto de las personas.

    Situado en un espacio y tiempo pseudo futurista, los personajes conviven indistintamente, combinando su tiempo presente y su pasado, para mostrar cómo han llegado a convertirse en verdugos cuando una vez fueron víctimas, repitiendo patrones tóxicos .El arco de acción comprende desde la violencia moral hasta los cambios que puede sufrir la naturaleza de un individuo enfrentado a su entorno, pasando de la condena de unos al arrepentimiento de otros, representando entre medias como cada uno de los personajes de la obra ha llegado a ser quien  es.

    Esta narrativa pretende llevar al espectador la idea de que la identidad debe ser completamente liberada de juicios morales impulsados por la sociedad, sobre cualquier condición del individuo, retomando la idea filosófica del libre albedrío en contraposición a la convivencia a la que un ser social debe someterse.

    • Director: Eduardo Vallejo Pinto.
    • Production: Batbox Productions.
    • Executive producer: Diego Cavia
    • Producer: Coqui Nieto
    • Choreographer: Eduardo Vallejo Pinto
    • Performers: Yaiza Caro, Delaney Conwey, Michela Lanteri, Mai Matsuki, Javier Monzon, Valentina Pedica, Eduardo Vallejo Pinto.
    • Coaching: Fran Arraez.
    • Soundtrack design: Ivan Solano.
    • Ligthing design: Kira Argounova.
    • Photographer: Alba Muriel.
    • Film directed: Belén Herrera de la Osa.
    • Graphic design: Lorena Domínguez
    • Teatro del Bosque, October 31, 2019.
  • Dan Lourenço Dance. State

     

    STATE 

    Synopsis: In a State controlled by power, money and fear, citizens believe they enjoy a freedom that they do not really possess. The way they move, cry, smile and wait does not belong to them anymore. Emotion does not exist, there is no place for it. Two people perform their show, twice a day, seven days a week, 365 days a year. Their movements are robotic, mechanical, there is nothing they can control because they control nothing: they have become automatons. The only thing that seems to be able to release them are the memories in which human emotion seems to be discovered through the traditional dance of previous generations that have already left.

    • Choreography: Daniel Navarro Lorenzo
    • Dancers: Daniel Navarro Lorenzo & Laura García Aguilera.
    • Music: Motoc by Loscil, Hubble by Actress 
    • Tour, a fragile geography:
    • - 28 June, 2019 Anatomy 20 in Summerhall Edinburgh
    • -10 August, 2019  Festival Fringe in Dance Base, Edimburgo
    • -6  September, 2019 Hospital Queen Elisabeth, Glasgow
    • -19 October, 2019 Dance Live Festival, Aberdeen
    • Ensayo en la sede de la CND. Dan Laourenço Dance
      Ensayo en la sede de la CND. Dan Laourenço Dance 1
      Ensayo en la sede de la CND. Dan Laourenço Dance 2
      Ensayo en la sede de la CND. Dan Laourenço Dance 3

    DANIEL NAVARRO BIOGRAPHY

    Daniel Navarro Lorenzo was born in Barcelona. After graduating from the professional Conservatoire of Dance of Barcelona, Institut del Teatre in 2010,  He has danced with companies such as Frontier Danceland (Singapore), Y-Space (Hong Kong), Nunzio Impellizzeri Dance Company (Switzerland), Simba Dance Ensamble (Norway), Phoenix Dance Theatre (UK), White & Givan (UK), Polish Dance Theatre (Poland), Dantzaz Konpainia (Spain), Compagnie Ballet Junior Epsedanse (France) among others.Daniel Navarro Lorenzo was born in Barcelona. After graduating from the professional Conservatoire of Dance of Barcelona, Institut del Teatre in 2010,  He has danced with companies such as Frontier Danceland (Singapore), Y-Space (Hong Kong), Nunzio Impellizzeri Dance Company (Switzerland), Simba Dance Ensamble (Norway), Phoenix Dance Theatre (UK), White & Givan (UK), Polish Dance Theatre (Poland), Dantzaz Konpainia (Spain), Compagnie Ballet Junior Epsedanse (France) among others.
    Daniel has worked with choreographers such as Ohad Naharin, Itzik Galili, Jo Strømgren, Lukáš Timulak, Eric Gauthier, Claude Brumachon, Gustavo Ramirez, Shahar Binyamini, Thierry Malandine, Patricia Lent, Errol White, Gabrielle Nankivell, Luke Smiles and others.
     
    Choreographic Awards:
    -2011, L'Estruch award, LAVA award and finalist of the 10th Choreographic Competition of Burgos- New York. 
    -2010, 1st award in the I Delmar Choreographic Award of María Carbonell in Valencia, Spain.

  • Arnau Pérez. Young Blood

    • (Next translation)
    • YOUNG BLOOD

    • Concepto y coreografía: Arnau Pérez de la Fuente
    • Interpretación: Maddi Ruiz De Loizaga, Adrián Manzano y Arnau Pérez
    • Iluminación: Álvaro Estrada
    • Vestuario: Gemma Espinosa
    • Fotografía y vídeo: Diego Pérez
    • Apoyo de: Compañía nacional de Danza, Centro de Danza Canal, Centro de Danza Zaragoza, Estruch Fábrica de Creación y Pasoa2
    • Sinopsis:

    Propuesta dancística desarrollada e interpretada por tres bailarines. La propuesta se basa en el término Young Blood y mediante la generación cinética de los cuerpos en escena se desarrolla el concepto con cierto aire innovador a favor de las nuevas generaciones. Usando como pilar la danza contemporánea, se disponen en escena dinámicas y estructuras espaciales en relación a las danzas urbanas debido al símil reivindicativo con la cultura hip hop.

    • Fecha y lugar de estreno
    • 23 de Noviembre, 2019 Teatro del Estruch Fábrica de Creació (Sabadell)
    • Blood. Arnau Pérez
      Blood. Arnau Pérez
      Blood. Arnau Pérez
  • Xian Martínez. Tacto(Next translation)

    Tacto 

    Se plantea como un nuevo proyecto de creación de danza contemporánea de carácter multidisciplinar, en el que se conjuga el lenguaje de la fotografía junto con el de la danza. En un primer lugar el proyecto de danza tiene cuatro vertientes posibles que se complementan posteriormente con el proyecto fotográfico, por lo que en este dossier se desarrollará primero la línea de danza.

    La Idea de –Tacto parte del contacto entre seres humanos. En él se realizará un estudio del contacto físico entre personas, de cómo funciona este y de qué significado tiene. Desde diferentes pautas se desarrollará un material coreográfico que finalmente será cerrado y estructurado generando una pieza que plasme como las diferentes formas de contacto entre el ser humano aportan una información u otra, se estudiará cómo cada emoción se dibuja en el movimiento y se realizará un viaje desde el amor más profundo hasta el odio más extremo, pasando por todos los puntos intermedios, tanto a nivel emocional como de movimiento.

    +INFORMACIÓN

  • CND In residence 18/19. Creepy Crawly

    CREEPY CRAWLY

    Creepy Crawly outlines a cast of characters who consciously conceal aspects of themselves from those around them. They hide truths of who they are, where they come from and whom they love. They fear shame, rejection, gossip and embarrassment. They whisper stories but never want the story to be about them.

    The control in the expression of emotions is one of the first lessons the child must learn. Man must suppress crying, he can not give excessive signs of affection in public, he has to be dominant and, sometimes, even derogatory. Definitely, he must be strong not to resemble the other, who is supposed to be fragile and is the object of derision and contempt.

    Thus, an alternative masculinity to the traditional one emerges, which on this occasion is shown not only in the bodies of the people portrayed, who look at the spectator in the eyes without imposture, but also in the point of view as a spectator who, without limiting himself to being a mere voyeur, appears as an active participant in this intimacy.

    The piece reflects on the journey towards the acceptance of one self, despite that the common in the society is to change to be part of a group.

    Premiered 24 March,  2018 en el Centro Cultural Eduardo Urculo of Madrid.

      • Choreography and project direction: Jon López
      • Collaboration in the direction: Martxel Rodriguez 
      • Performers: Martxel Rodriguez, Eduardo Ramirez and Marcos Martincano
      • Sound space: Anne James Chaton, Mica Levy, M. Ostermeier and  Jon López
      • Lighting designer: David Naranjo
      • Costume designer: Lola García "Lalola" / Iñaki Cobos

    Creepy Crawly Trailer from Led Silhouette on Vimeo.

  • INVISIBLE BEAUTY

    Residencias Cnd 2019. Ai Do Project 1
    Residencias Cnd 2019.  Ai Do Project
    Flyer Residencias Cnd 19 Ai Do Project
    Flyer Residencias Cnd 19 Ai Do Project

    SOCIAL PROJECT FOCUSED ON PERSONS WITH ALZHEIMER DISEASE

    A sample and approach to the Schubert creative project, with the participation of the music students MUSIKENE and the pianist Mari Tere Balerdi. Movement Workshop (Dantza eta Mugimendua) in AFEGI by the Dance Company Ai Do Project - Iker Arrue.

    The project is composed of a series of CREATIVE SEMINARS and CULTURAL ACTIVITIES:- The creative seminars utilise contemporary dance to stimulate cognitive responses and memory recognition in people with Alzheimer´s disease. The seminars include a pedagogical program for music and dance students.- The cultural activities are aimed at a general audience to raise awareness, normalize and give visibility toboth the disease and the project itself.AI DŌ PROJECT integrates short dance performances in the seminars adequate for the attendees. During the creative residency at the CND, AI DŌ PROJECT developed some of the pieces which have been performed in the seminars throughout the year.On May 24th, AI DŌ PROJECT will premiere its latest production, SCHUBERT, at the Victoria Eugenia Theater, in San Sebastián. The pieces created 'in residency' at the CND have been integrated to this new production.

    SCHUBERT PROMO from AI DŌ PROJECT,Iker Arrue on Vimeo.


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  • Raquel Salamanca. Ai Do Project
    Raquel Salamanca. Ai Do Project
    Marina Minguelez.  Ai Do Project
    Marina Minguelez. Ai Do Project

    VERSUS

    • Based based on the play Julius Caesar by William Shakespeare
    • Direction and Choreography: Marina Miguélez
    • Interpretation: Raquel Salamanca Santaella, Marina Miguélez
    • Music and Sound: Selenite

    SINOPSIS: VERSUS thoroughly studies the dramatic text by Shakespeare Julius Caesar, extracting the essence of its two main characters: only by observing the particularities of Brutus and Marc Antony, understanding their emotional and mental mechanisms, we can narrate the story of the conspiration against the roman emperor. The contemporary dance piece, performed in this case by two women, is eager to observe and pay tribute some of the cultural aspects of Ancient Rome, bringing to our days the antique vision of values that live trough time, such as friendship, patriotism, ambition or loyalty. The piece develops a deep movement and dramaturgy research work, and starts off the perspective of physical theater, mixing in its process movement, expression and text. Brutus: " If then they demand why Brutus rose against Caesar, this is my answer: Not that I loved Caesar less, but that I loved Rome more."

    DATE AND PLACE OF THE WORK PROCESS EXHIBITION:
    On April 6, in the midst of the creative process (the residency ends on April 12), a small exhibition will be held at Bastardo Hostel (Madrid) with a commentary on the project.

    • - Next Functions -
    • 6 April MADRID - Bastardo Hostel: Versus (Work in project)
    • 20 April ALMERÍA - Carboneras: Within + No se baila en la cocina
    • 6 May SEVILLA - Mairena del Alcor: No se baila en la cocina (children)
    • 8 May ALMERÍA - El Ejido: No se baila en la cocina (children)
    • 9 May ALMERIÍA - Adra: No se baila en la cocina (children)
    • 15 May MÁLAGA - Marbella: Packed with love... o lo de Escarlata and Vito (premiere)
    • 16 November 2019 HUELVA - Cortegana: Within + No se baila en la cocina
    • 21 November 2019 GRANADA - Albolote: No se baila en la cocina (children)
  • Tarjeta

    ORIMEL

    (Next translation)

    Sinopsis: 

    Orimel es una pieza de danza española en la que se quiere mostrar y transmitir, principalmente, la belleza, estética y carácter de la Escuela Bolera a través de diferentes imágenes que crean Debussy y Chapí con sus músicas. Será la figura de: presentadora, la que dará vida a estas imágenes, ofreciendolas al público mientras forma parte de ellas. Con esta pieza, se pretende revitalizar el lenguaje de la Escuela Bolera coreográfica e interpretativamente. Mientras recuerda su lado más tradicional nos mantiene en la actualidad. Orimel es una apuesta para exprimir y seguir dejando crecer este lenguaje tan característico, pero olvidado, de la danza española.


    • Dibujo Cristina CazorlaFICHA ARTÍSTICA

    • Título: Orimel
    • Coreografía: Cristina Cazorla
    • Estreno: 30 Marzo de 2019, Certamen Coreográfico Distrito de Tetuán 2019 celebrado en Centro Cultural Eduardo Úrculo de Madrid
    • Intérpretes: Cristina Cazorla, Elena Ciruelos, Paula García, Mario García y Sergio Valverde
    • Duración: 13’ 30’’
    • Música: Claude Debussy y Ruperto Chapí
    • Edición Musical: Cristina Cazorla
    • Iluminación: David Naranjo
    • Figurines: José Rabasco
    • Realización de Vestuario: Carmen Sánchez “La Gerana”
    • Link vídeo completo: https://vimeo.com/316403098
  • Columpiant La Dansa. Covered head with plastic


    Residencias 18/19. Columpiant La Dansa.  Imagen blur de bailarina inclinada
    Residencias 18/19. Columpiant La Dansa.  Imagen blur de bailarina alzada
    Residencias 18/19. Columpiant La Dansa. Imagen blur de bailarina arrodillada
  • Eva Alonso

    (Next translation)

    Eva Alonso pertenece a la Compañía Tercer Piso Danza, aquella donde desarrolla su labor como co-creadora e intérprete. Al mismo tiempo también participa en otros proyectos artísticos, siendo muy habitual su trabajo como intérprete-bailarina en las piezas del coreógrafo Jesús Rubio Gamo. No obstante, a continuación se aclara la primera, ya que es La Compañía Tercer Piso Danza es una joven compañía con base en Madrid formada por Eva Alonso, Adán Coronado y Leonardo Robayo.

    El trabajo coreográfico del colectivo parte del encuentro de posibilidades, de formas de ver e interpretar la danza y el arte escénico en general, en donde priman las búsquedas particulares de cada coreógrafo en cada pieza. En este sentido, el trabajo se alterna entre el rol de bailarín y coreógrafo-director. De esta manera, los resultados de las piezas de danza son fruto de diferentes perspectivas, ideas personales y formas particulares de entender el arte, pero guardan en común que todas provienen del cuestionamiento de la realidad y el intercambio de saberes, precursores de mundos posibles que nacen de vivencias e imaginarios.

    DOSSIER PDF


    Eva Alonso. Tercer Piso
    Eva Alonso. Tercer Piso
    Eva Alonso. Tercer Piso

  • Contact Information:
  • Telephone: (+34) 91 05 05 101
    More information: Artistic and Educational Project Coordination
  • This email address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it.

CND Residencies 2020

NEW CHOREOGRAPHIC PROJECTS FROM YOUNG TALENT

Aimed at fostering choreographic creation among young artists, the Compañía Nacional de Danza (CND) holds its “Creative Residencies” every year, targeting emerging choreographers and/or companies. The initiative was launched in 2014 and this year’s is the 6th Edition. “Creative Residencies” is enabling young talent to create new choreographic projects. The CND collaborates closely with the initiative, placing its resources at the disposition of young talent to facilitate their development.

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    • Pilar Villanueva

  • Lettre D'Amour

    Pau Aran Gimeno Cortada

    Lettre d’amour is a one hour solo about desire, the appetite for what's missing; a piece that brings dancer Pau Aran Gimen and actress Consuelo Trujillo together on stage with the texts of Peruvian poet César Moro, with the dramaturgy of Alberto Conejero.

  • Des Tresses


  • Contact Information:
  • Telf.: (+34) 91 05 05 101
  • E-mail: Artistic and Educationto Project Coordination
  • This email address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it.

CND Residencies 16/17

THE COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA LAUNCHED ITS THIRD CALL FOR CONTENDERS IN ITS CREATION RESIDENCY INITIATIVE (RESIDENCIAS DE CREACIÓN).

This initiative aims to facilitate emerging choreographers a space in which to work and experiment while promoting their creations through the communication platforms put at their disposition.

  

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    • La Phrármaco

  • Nocturno

    • Ensayo de la coreografía Nocturno. Paso a dos
      Ensayo de la coreografía Nocturno. Paso a dos
    • Choreography: Vitali Safronkine
    • Music: F.Chopin
    • Dancers: Christina Casa y Iker Murillo
    • Sinopsis: Después de 6 años creando para Covent Garden Dance Company, Vitali llevará una pieza única, inspirada en la belleza de los jardines Ingleses. En la creación de este año, la brisa que fluye a través de las rosas y las notas de Nocturne de Chopin, guiarán los cuerpos en movimiento hacia el anochecer.

    IKER MURILLO

    Iker Murillo Portrait. CND Residencies 2016/17

    Dancer and Artistic Director at Uniqart Dance Company. Mr. Murillo was born in San Sebastian, Spain and at fifteen years old he moved to Madrid in search of competitive dance training.He entered the distinguished “John Cranko Ballet School” in Stuttgart, Germany from which he later graduated.

    His professional dance career launched in 1997 as a “Soloist” with the “Saarländischen Staatstheater”, and in a quest to expand his repertoire he later joins the “Heinz Spöerli’s Zürich Ballet” in 2001 where he performed various breathtaking roles alongside world-renowned choreographers.

    His journey led him to the “Richard Wherlock’s Basel Ballet” until 2012. Since then, he has been touring and performing on famous stages worldwide with “The Béjart Ballet Lausanne”.

    Mr. Murillo’s unique trajectory of 17 years has merited him several mentions in the acclaimed “Ballettanz Magazine”: 2002 “Young Dancer to watch”, 2008 “Outstanding Dancer”, and “Dancer of the Year” in 2010.

    He received the “Dance Revelation” award in 2008 by “The Professional Dance Association of Gipuzkoa”.

    In 2012 he performed for the president of the Basque country. 

    VITALE SAFRONKINE 

    Vitali Safronkine Portrait. CND Residencies 2016/17Resident choreographer at Uniqart Dance Company.

    Mr. Safronkine was born in Samara Russia and began his dance training at the “Rudolf Nureyev Ballet School“ and at the age of 15 he left his native country to advance his training at the “Swiss Professional Ballet School“ (SBBS) in Zürich.

    He is a recipient of “The Nureyev Foundation“ scholarship and achieved a finalist position in the world-renowned ballet competition “Prix de Lausanne“ in 2002.

    That same year he won the “International Kiev Ballet Competition“ in Ukraine.

    His professional career launched in 2004 with the “Heinz Spoerli’s Zürich Ballet“ where he reached the rank of “Soloist“ until 2010.

    Eager to evolve and grow in his neo-classical repertoire, Vitali joined the “Richard Wherlock’s Basel Ballet“ in 2011.

    In 2012 he continued his career at the “Béjart Ballet Lausanne“ where he not only expanded his repertory with various challenging roles, but also premiered as a choreographer by staging his timeless ballet “Reflejos” in June 2013.

    Since 2008, Vitali has produced over 14 original choreographies for established ballet companies, while fulfilling his obligations as a dancer.

    His breathtaking works have been performed in International Ballet Galas as well as in professional ballet competitions. Additionally, he has shared his passion for creating ballets with several ballet schools in Europe.

    As a 2013 nominee of “A New Name to Watch“ by Dance Europe Magazine, this unique entrepreneur is continuously looking to expand his horizons as a dancer and choreographer.

    In 2016 Finalist of the Emergent Choreographic Competition in Biarritz, organized by the Malandain Ballet and Bordeaux National Opera.

    Iker Murillo Director Artístico Uniqart Dance Company

     

    "Nocturne" rehearsal from Vitali Safronkine

  • LUCIO BAGLIVO

    With his experience as actor, dancer, dance teacher and artistic director, the objective of Lucio Baglivo’s dances is to transmit emotions and connect with the spectator by enhancing the stage’s entire range through dance, acrobatics and theatre. Each project seeks its own language of movement and a uniquely staged poetry.


  • Residencias 16/17. Alejandro Moya
    Residencias 16/17.  Alejandro Moya
    • Lucero de la Mañana

    • Choreographer and Dancer: Alejandro Moya
    • Choreographic Assistant: Miguel Ballabriga
    • Photography: Miguel Ballabriga
    • Musical Montage: Juan Crespo
    • Video: Victor Pajares
    • Lighting Design: Beatriz Francos

    INTRODUCTION

    Alejandro Moya. Lucero de la MañanaA dance solo inspired by both the Spanish copla song form and bullfighting; a homage to Antonio Molina and the toreros.

    The dancer develops his sentiment and expression through the musical drama. The performance is punctuated with silences. There, within those silences, the language undergoes variations and the dance strolls through different physical phases. Everything combines to compliment the fundamental idea of expression; yet it is also made more distant. The piece works on different poetic words from the copla, emphasising and transmitting them in highly pronounced expressions.

    The piece is a ceremony where the dancer, in torero tradition, calls upon the morning star—the “Lucero de la mañana”—to shine good luck down on him. 

    Entering the stage, fragile but protected by his cape, he prepares the way for the first scene: a dream; a fantasy. The dream is “La Rosa del Penal”, a milonga dance of 1957, composed by Arroyo Benito and sung by Antonio Molina.

    On waking, he is disorientated; he wants to ask his morning star for luck but he cannot find it among the confusion of other lights. He enters into spirals that sway back and forth throughout the stage space until his cape finally stops his feet. Thwarted and sad, he slowly starts trying to escape his internal dilemma. It is then that the morning star starts to shine on him and he is able to finish his ceremony.

    This final scene is performed with the words from “Lucero de la Mañana”-­ Tientos de Perelló y Montorio.

    The piece includes the same words of Ángela Molina that helped inspire it. Those words, taken from an interview on the programme Cantares, are about Spanish popular song:

    “It is one of the most authentic forms of expression that we have. It’s a song form that’s with us in our bad times and our good times. It has always been a part of us; of our origins.

    “As a song form, it is a weapon and a reward at the same time and with which we plead fairness, with which we offer our love, with which we get closer to each other; it is a part of us.

    “I think we owe it to ourselves to be constantly aware of our roots and to value them and treasure them. To feel our connection with them has its place; it has a meaning; a raison d'être.” 

  • Otra Danza. Pélvico. Grupo de cuatro mujeres mirando a la izquierda

    Otra Danza. Pélvico

    Otra Danza. Pélvico. Grupo de cuatro mujeres en vista general con zapatos de tacón fino.

    Otra Danza. Pélvico 2

    Pélvico (Pelvic)

    Pélvico (Pelvic) is a contemporary dance piece which, far from avoiding stating the obvious, highlights it. It is a work conceived, choreographed and danced by women. It is not about woman but is born of woman. The body, its structure and its movement are the premise; a body of that sex exploring its properties as a gender.

    • Artistic director and choreographer: Asun Noales
    • Dancers: Saray Huertas, Diana Huertas, Carmela García, Asun Noales
    • Lighting design: Asun Noales / Richard Cano
    • Archives: Francisco Sarabia Marchirán
    • Wardrobe design: OD
    • Music: Various Composers
    • Photography and video: Germán Antón
    • Graphic design: Los Machos
    • Musical advisors:  Germán Antón y Francisco Sarabia Marchirán
    • Sound: Eurotrack Estudio
    • Technical director: Richard Cano
    • Communications: Francisco Sarabia Marchirán
    • Executive production and distribution: Amadeo Vañó – Cámara Blanca
    • Residency: CCCE L'Escorxador
    • Download pdf
  • FESTEN (EN VENTA)

    Tangen Benzal. Festen (En Venta)
      • Idea, choreography and dancer: Jesús Benzal y Ole Kristian Tangen
      • Date and venue of premier: 28 April 2017 in Dansens Hus, Oslo – Norwegian National Theatre of Contemporary Dance
      • Wardrobe: Trude Amalie Leirpoll
      • Collaboration: Camille Balcaen, Clàudia Bosch, Irene Rubio
      • Duration: 15-25 min. 
    • SYNOPSIS: The action takes place in a lonely bar along an old road, now by-passed and practically in disuse. The  strange sedentary regulars somehow keep the inn going, precariously breathing thin life into the place. We see how each customer is living on the brink of oblivion; an existence where nothing lasts. All is ephemeral, even the repeated anecdotes and tales. All can be won and then lost in an instant. In this small community, each person’s routine loneliness is confronted with the unwanted arrival of the predictable; and it is from here that the piece unfolds.

  • DISPLACED

    Residencias 16/17. Plataforma Displaced. Escena con una pareja en blanco y negro
    Residencias 16/17. Plataforma Displaced. Escena con una pareja en blanco y negro

    • A choreographic platform created by two dancers: Joana Brito and Wody Santana
    • Artistic director: Wody Santana
    • Choreography: Wody Santana / Joana Brito / Valentina Pedica
    • Dancers: Wody Santana / Valentina Pedica / Joana Brito
    • Lighting design: Israel G. López –Torrecilla Santana

    Displaced was an almost spontaneous creation, born of the strong artistic and personal connection between its creators; two people displaced by circumstance from their home country. Each feels a burning need to transmit a language of their own and tell their own story in that language. Their creative process sprouts strongly from their Portuguese-Brazilian roots. Special attention is paid to the sophistication of movement; a contagious process which develops into meticulous care paid to the slightest detail throughout the cast. To a large degree their working method is based on collaborations with artists from home and abroad from different artistic branches. That enables DISPLACED to generate versatile, creative and powerful works of art.

    Within the context of the CND residency, DISPLACED will continue working with the piece “Nuvem Congelada”. It has already participated in different festivals, contests and other events with this piece, which now forms part of its 2017 agenda. In parallel, DISPLACED will start a creative process with a new project: “Rapsodia”. The platform already has performances scheduled for this piece, which is also likely to form part of a project between Portugal  and Spain.

    RAPSODIA

    Plataforma Displaced

    (Rhapsodies existed in ancient Greece when a rhapsode took a part of a Homer poem, reciting it and leaving the rest of the verses aside. In music, a rhapsody comprises freely joining different rhythms and themes that have no clear connection with each other). 
    Rhapsody is the joining of fragments of different ideas. We stepped out to take on a creative process that, at its base, has the idea of the inspirational or motivational void that the artist faces on taking on the process to create; and we transfer this idea to explore what it means in our daily lives. What is this search for motivation and what is it for?  What are we expecting? What inspires us? Why do we need inspiration? As a reference, we turn to the works “Waiting for Godot” by Samuel Beckett, “El Exilio de Gardel” by Fernando “Pino” Solanas and “Six Characters in Search of an Author” by Luigi Pirandello. All of those works represent that ‘absurd’ void. We have conceived the creation for three or four dancers in a hotel on New Year’s Eve. Because of the times, a forced partying atmosphere prevails, rather than one of spontaneity. And as the night unfolds the characters reflect on the year that is about to end and they excitedly guess on what the coming year has in store. With minimalistic artistry and theatrical farce, the dancers develop and embody the existentialist and pathetic discourse on their fears and frustrations, their “lack of life”, their nostalgia for when they dreamed of adventure.  

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  • La Phármaco. Miserere. Fotografía de escena con cuatro mujeres
    La Phármaco. Miserere. Escena con cuatro mujeres y un personaje vestido de blanco

    • Miserere

    • La Phármaco. Miserere SceneArtistic director: Luz Arcas
    • Distribution and production: Julia Sueiro

    Since its birth in 2009 La Phármaco has aimed to revive the classical concept of scenic ceremony, in which expressive elements are brought together in the same tone and committed to the same message, all focussed on the human experience. La Phármaco believes that dance is not restricted to matters of either genders or style. Rather it believes its duty is to make visible all that was shrouded in darkness and to celebrate scenic ceremony as a necessary social and humanistic mechanism capable of conversing with the fundamental voices of our culture and our history.

    Miserere. “Cuando la noche llegue se cubrirán con ella” (“When night comes it will bring cover”) is a piece for five dancers with live music, specifically piano, wind instruments and voice and with an innovative use of stage space and video.

    • Choreography: Luz Arcas
    • Dramaturgy: Abraham Gragera
    • Artistic director: Luz Arcas
    • Distibution and production: Julia Sueiro, Sofía Manrique, La phármaco
    • Dancers: Raquel Sánchez, Begoñóa Quiñones, Ana Catalina Román, Nadia Vigueras, Elena González-Aurioles
    • Musical composition, piano and positif organ: Calos González
    • Voice: Laura Fernández
    • Wind instruments: Cristian Buades
    • Photography and video: Virginia Rota
    • Graphic design: María Peinado Florido
    • Wardrobe design: Heridadegato
    • Lighting: Jorge Colomer
    • Download pdf
    • www.lapharmaco.com
  • PUJANZA

    Alejandro Lara. Pujanza

     SYNOPSIS: PUJANZA is a Spanish dance project displaying Spanish dance pure and simple; no thrills or spills, just its different accents, its brio movements and its art.

    This project aims to take advantage of the few opportunities that young people who have trained in Spanish dance have to show their technical and artistic talent.

    Premier date: The creation PUJANZA will be premiered in full on Saturday 27 May 2017

    Acknowledgements and thanks to: Each of the dancers forming part of this project.

    The Compañía Nacional de Danza, the `Mariemma´ Royal Professional Dance Conservatory and and Rafael Aguilar’s Ballet Teatro.

  • POINT OF CLARITY

    Picture Point of Clarity. Iratxe Ansa

    CONCEPT: Our point of departure will be pure physicality, building on the choreographic material developed during our travels this past year to ten different countries around the world, collaborating with an array of dancers and artists. We wish to remain open, without restrictions or barriers, to discover where our creativity will lead us.

    Web Iratxe Ansa

    Metamorphosis Web

  • Ensayo de Anatomía y Estrategia, tres mujeres arrodilladas
    Ensayo de Anatomía y Estrategia, dos mujeres estiran de la camiseta de una tercera

    ANATOMY AND STRATEGY

    “Anatomía y Estrategia” is the title of Natalia Fernandes’ solo, which won the Me, Myself and I category award in  29th Choreography Contest of Madrid (Certamen Coreográfico de Madrid).

    The solo suggests a close and vehemently critical look at the relationship humans have with their environment. It reflects, in a non-too-obvious way on the strategies our bodies build to tackle the boundaries between reality and human rationality.

    What is the relation between our bodies and the lines of reason drawn by our century? Where does the nature of our bodies begin and end? How do we control the defining lines? When do we lose control?

    ANATOMY-DESNATURE STUDIES

    As the result of an artistic collaboration between Natalia Fernandes and two resident artists in Madrid—Isabela Rossi and Dakota Comín—the project “Estudios para la Anatomía–La Mujer” (Studies of the Anatomy—Woman)marksa first step towards trying to access our contemporary thought, with all our questionings and behaviours, through the muscles, bones and organs.
    “The body is thought and so therefore body movement is the movement of thought.” That reasoning is the base and motor of Natalia’s physical work in this investigation, with thought and motion being a source of reciprocal action. n this first study, focused on the subject of woman and her anatomy, the dancers explore feminine thought and doubts and desires through the possibilities and limits marked by her anatomy. 

    • Natalia Fernandes. Rehearsal CND Residencies 2017
    • Creation by Natalia Fernandes
    • Dancers: Dakota Comin and Isabela Rossi (Estudios para Anatomia – La Mujer), Natalia Fernandes (Anatomia y Estrategia)
    • Music: Rodrigo Ramos
    • Lighting: Pablo Seoane
    • Images and Video: Agustína Arán
    • Projected Text: Poema from ´Livro da Dança´ (‘Book of Dance’), by Gonçalo M Tavares
    • Teaser: Marlene González, Jonatan Doblado, Yaina Llano
    • With the collaboration of: Jeronimo Bittencourt, Clarissa Sachelli, Barbara Faustino, Gonçalo M Tavares, Isabela Rossi, Dakota Comin, Natalia Mendonça, Goncalo Marcelo
    • Research consulting: Bruno Dahia (Ph.D in International Law)

    Acknowledgement and thanks to: 29th Choreography Contest of Madrid (Certamen Coreográfico de Madrid), Pasoa2, Musibéria, Rua das Gaivotas, Teatros Canal/Centro de Danza Canal, Compañía Nacional de Danza, Choreographers en Comunidad-Conde Duque and Valdo.

    BIOGRAPHY

    Natalia Fernandes is a Brazilian dancer and choreographer who has been living between Madrid and New York since 2015. She studied dance at the Campinas State University in Brazil. Her career includes, mainly, work as a dancer for a number of companies and choreographers in Brazil, Europe and USA. As a choreographer herself, she has worked since 2014 in different countries and has been researching different cultures across Germany, Brazil, Jordan, Spain, Portugal and Morocco. Her project 'The Oldest Thing in the World´  received the support both of the American Language Center in Tangiers and of the American Legation Museum in Tangiers.

    This project includes a fragment of the solo ´This is Not Mine´. This solo has been performed at various different festivals and theatres across Europe, Africa and the Americas since 2015. Natalia was invited as choreographer by Madrid’s Laboratorio 180 company to work on the project 'Anatomía y Estrategia I ´.

    In 2016, Natalia was an award winner in the 29th Choreography Contest of Madrid (Certamen Coreográfico de Madrid) within the Me, Myself and I category, for her solo version of 'Anatomia y Estrategia ' and recieved the support of the Pasoa2 team to carry out the creative work on that solo.

    Natalia is also the project director for the ongoing development of the piece ‘Estudios para Anatomia – La Mujer´, working with other artists in Madrid. She is a teacher of contemporary dance in Carmen Senra’s BambuDanza school. Additionally, she is carrying out a project of body awareness and contemporary dance for refugees together with the Spanish Commission for Refugee Aid (CAER) in Madrid. 

  • Cia Carmen Fumero. Eran Casi las Dos. Picture: Miguel Berrocal Gomez.jpg

    • EL PASILLO SIN NÚMERO

    • Directors and choreographers: Miguel Ballabriga and Carmen Fumero
    • Dancers: Miguel Ballabriga and Carmen Fumero
    • Lighting design: Sergio García
    • Lighting technician: Beatriz Francos
    • Music: This Day In
    • SYNOPSIS: A woman, in a hurry, returning from a place she’d rather not talk about and on her way somewhere to meet somebody. She carries a feeling about her related to what has happened. The path ahead is long, almost interminable, and is like an extensive corridor lit by old lamps.
    • “If memory could be canned, I would prefer it didn’t have a use-by date”
    • “Chungking Express” by Wong Kar-Wai
    • Premier: Cuadernos Escénicos Festival, Garachico-Tenerife, July 2017.
    • Links to videos and previous work:

    ...ERAN CASI LAS DOS. Teaser. Carmen Fumero y Miguel Ballabriga.

  • Cia Carmen Fumero. Eran Casi las Dos. Picture: Miguel Berrocal Gomez.jpg

    • EL PASILLO SIN NÚMERO

    • Directors and choreographers: Miguel Ballabriga and Carmen Fumero
    • Dancers: Miguel Ballabriga and Carmen Fumero
    • Lighting design: Sergio García
    • Lighting technician: Beatriz Francos
    • Music: This Day In
    • SYNOPSIS: A woman, in a hurry, returning from a place she’d rather not talk about and on her way somewhere to meet somebody. She carries a feeling about her related to what has happened. The path ahead is long, almost interminable, and is like an extensive corridor lit by old lamps.
    • “If memory could be canned, I would prefer it didn’t have a use-by date”
    • “Chungking Express” by Wong Kar-Wai
    • Premier: Cuadernos Escénicos Festival, Garachico-Tenerife, July 2017.
    • Links to videos and previous work:

    ...ERAN CASI LAS DOS. Teaser. Carmen Fumero y Miguel Ballabriga.

  • The Marriage of Heaven and Hell

    Logotype Stocos

     

    The Marriage of Heaven and Hell. Muriel Romero

    SYNOPSIS: The Marriage of Heaven and Hell is a choreographic piece based on the book of the same name by Willian Blake. The piece combines dance, electro-acoustic composition, interactive technology and cognitive sciences.

    The central core of Blake’s original work is the joining together of two apparently irreconcilable opposites. Specifically, there is the virtuous clarity of rational techno-scientific thought (heaven, logos) and its opposite; the possessed and relentless creative forces of both imagination and instinct that arise from bodily energy (hell, mythos).

    The joining of these two opposite and seemingly opposing poles takes place on stage with the coupling between bodily activity and technological abstraction as two complementary aspects of the same multidimensional interactive reality.  The piece explores and analyses the different qualities inherent in body movement, such as energy, fluidity, symmetry and impulsiveness. Those qualities are translated, in real time, into abstract digital sounds and visual effects, enhancing the reality of the dance and turning the stage space into a reactive setting emanating the body expressions of the dancers.

    One of the objectives of this exploration is to use interactive technology as a means to amplify body awareness and to renegotiate the limits of physicality. Here, the dancers’ and chorographer’s  activity takes on a cognitive function, using metaphor together with sculpted visuals that are somatosensory and tactile and engage cerebral-motor reaction while generating new forms of movement. This cognitive model of the body directly connects with Blake’s Marriage of Heaven and Hell; a visionary piece of work that breaks through the barriers between artistic imagination and rational thought, body and psyche, metaphor and concept.

    • Choreography: Muriel Romero
    • Music: Pablo Palacio
    • Dancers: 5 dancers. Casting still to be determined
    • Software and Interactive Technology: Daniel Bisig, Pablo Palacio and Infomus Casa Paganini
    • Lighting: Juan Antonio Casado
    • Wardrobe: Nicholás & Atienza
    • Production: Instituto Stocos
    • Supporters: University of Navarre, Compañía Nacional de Danza, Teatros del Canal,  EU ICT H2020, Hebel Halle (Heidelberg, Germany), Infomus-Casa Paganini- University of Genoa (Genoa, Italy) and Institute for Computer Music and Sound Technology of Zurich (Zurich, Switzerland)
    • The Marriage of Heaven and Hell (teaser video) from Pablo Palacio on Vimeo.

    Web Stocos


  • Contact Information:
  • Telf.: (+34) 91 05 05 108
    E-mail: Artistic and Educational Project Coordination
  • This email address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it.

CND Residencies 15/16

SECOND EDITION

In order to impulse choreographic creations the Compañía Nacional de Danza (CND) summoned its annual edition of "choreographers in residence” which intended to be a frame work for emerging choreographers and/or companies. This initiative allows the creation of new choreographic projects by young talents with the CND collaboration, which provides resources to develop its progress. A large number of applications were selected this season.

 

    • Use the drop-down menu icon to view all options in this section.
    • Alba Fernández

  • ESTACIONES DE ISADORA

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    • Intérprete: Beatriz Argüello
    • Dirección: Beatriz Argüello y Hugo Pérez de la Pica
    • Texto: Hugo Pérez de la Pica
    • Coreografía: Helena Berrozpe (con la colaboración de Daniel Abreu)
    • Escenografía: Alicia Blas
    • Vestuario: Rosa García Andújar
    • Iluminación: Miguel Pérez Muñoz
    • Ayte. de dirección: Fran Guinot
    • Selección musical: Mikhail Studyenov / Emilio Conti
    • Dirección de producción: Rosa Fernández Cruz (Coart+e)
    • Ayudante de producción: Juan Carlos Muñoz (Coart+e)
    • Colaboran: Centro de Danza Canal y Compañía Nacional de Danza

     

    Coarte Producciones

    www.coarteproducciones.com

  • Venere. Dos mujeres en plano medio con la cara decorada
    Venere. Una pareja de hombres de espalda entre las sombras

    VENERE

    (Next translation)

    SINOPSIS: Creación coreográfica para 6 intérpretes que viaja al amor y sus desordenes. La dureza en el ritmo, el ataque y su necesidad. Los estados y las contradicciones del afecto. VENERE (léase con acento en la primera “E”) es una palabra italiana que significa Venus, y abarca no sólo la idea de la diosa, sino la del planeta, jugado con esa idea que va desde el símbolo a la materia. Cómo uno ama y se ama a través de los demás. Hablar del afecto desde todas las ideas de la materia. La contradicción muscular y de cada símbolo. Y sobretodo se trata de responder de forma metafórica a la pregunta de ¿qué he hecho yo para pertenecer, para ser?
    • FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA:
    • Dirección, coreografía y espacio: Daniel Abreu
    • Ayudante de dirección e iluminación: Irene Cantero
    • Intérpretes: Dácil González, Janet Novas, Pilar de Andrés, Janet Novas, Maxi Sandford y Daniel Abreu
    • Música: Collage
    • Textos: Daniel Abreu
    • Técnicos de sonido e iluminación: Irene Cantero y David Benito
    • Asistencia de producción: Dácil González
    • Distribución: Elena Santonja – Esmanagement
    • Subvencionado por la Comunidad de Madrid
    • Colabora: Centro de Danza Canal, Coreógrafos en Comunidad y Compañía Nacional de Danza

    Agradecimientos a: Mónica Runde, Virginia Rota, Alba González, Daniel Rodríguez, Jara Blanco, Tano Astiaso, Victor Colmenero, Francesco de Laurentiis, David Benito, Cristina Libertad, Roberto Baldinelli y Mar Rodríguez. Y a los bailarines que dieron y darán vida a la magia. 

    Venere. Daniel Abreu

  • (Next translation)

    TEJIDO CONECTIVO

    Tejido conectivo es una plataforma que nace en 2010 bajo la dirección de Miguel Ángel Punzano y está dedicada a la investigación del movimiento, a la formación y a la difusión de la danza y las artes escénicas. Esta labor se desarrolla bajo un marco de colaboración impulsando y promocionando el intercambio entre artistas, docentes, disciplinas y culturas, orientado a la creación de redes, basadas en la cooperación y la colaboración entre personas y colectivos.

    HORIZONTES

    Horizontes es un proyecto de investigación destinado a explorar el movimiento del centro entre esos dos lugares, entre el suelo y el cielo. Una exploración del movimiento y desplazamiento del centro en el espacio, en horizontal y en vertical, experimentando el movimiento desde la caída, utilizando la fuerza de gravedad para generar inercia y desplazamiento, tanto al bajar como al subir. La idea es abordar el trabajo desde el manejo del centro que se hace en las artes marciales o en determinados deportes, profundizar en las maneras de entrar y salir del suelo, de proyectar y volar el centro en el espacio y de transportarlo hacia nuevos horizontes.

    Horizontes es la continuación de un proceso de investigación llamado “Traveling” realizado a lo largo del año 2015, que sigue en marcha y que va a tener continuidad durante el mes de agosto con una residencia que tendrá lugar en Cáceres.

  • Grupo de enmascarados vestido de gris en torno a 4 sillas
    Grupo de enmascarados vestido de gris en torno a 4 sillas

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    Es una compañía creada por cuatro jóvenes artistas: Giuseppe Dagostino, Antonio de Rosa, Diego Tortelli y Mattia Russo. Kor’sia nace de la necesidad de comunicarse, de hacerse visibles como creadores e intérpretes. Existe en ellos la urgencia de utilizar un lenguaje, el del cuerpo, que la palabra no puede expresar. Y la primacía del riesgo como activo en la escena contemporánea dancística, que incorpora el cine, la fotografía, la literatura y la escultura como referencias para sus nuevas formas de expresión. Dentro de una realidad de la que somos conscientes de manera fragmentada, subdividida en compases de mutismo y sonido, movimiento y quietud, el silencio de la vida es lo que mueve el camino de los cuatro componentes de Kor’sia y el intercambio profesional es lo que les une. Kor’sia ha surgido tras un camino iniciado en 2012, con excelentes resultados, que les ha llevado al punto de profundizar en un hondo compromiso profesional: la creación de una compañía propia.

  • Amaya Galeote. Tres hombres tumbados vestidos con chandal en vista aérea
    Amaya Galeote. Mujer tumbada en el suelo en blanco y negro

  • (Next translation)

    Entintamientos

    Serafín Mesa. Entintamientos. Grafismo en tinta china
    Serafín Mesa. Entintamientos. Grafismo en tinta china 1
    Serafín Mesa. Entintamientos. Grafismo en tinta china 2

    Módulos y estructuras entre la animación y la danza, ambas tienen en  común ser representadas por el mismo autor. La tinta es el medio para representar tanto forma como energía.El bucle como sistema facilita que la narrativa de la coreografía generativa integre materiales gráficos y físicos en una sesión de vídeo jockey.

    Más información
  • Archipiélago

    Archipiélago. Una figura horizontal sobre una mesa vertical y luces de fondo
    Archipiélago. Una figura de frente en plano medio, parece querer levantarse de una silla

    (Next translation)

    Artistas Inflamables es una agrupación de artistas de varios países y procedentes de diversas áreas escénicas. En ‘Archipiélago’ participan tres intérpretes que, mediante el uso del movimiento, la palabra y la música, siguen los pasos del caminante de “Winterrreise” (Viaje de Invierno), poema de Wilhelm Müller.

    En palabras del propio Müller: "Desde los tiempos de Homero todo es viaje (La Odisea) o todo es guerra (La Ilíada) – nada pareciera poder escapar a esta regla de oro. Desde entonces contemplamos la vida como viaje y como guerra. De manera alternada o fusionada, el camino de nuestra existencia se construye sobre estos dos modelos. Como un extraño llegué y como un extraño me voy… Para mi viaje no puedo elegir el momento, debo hallar mi senda en la oscuridad".

    ALBUM ARCHIPIÉLAGO

  • LA LENGUA DE LAS BESTIAS

    La Lengua de las Bestias

    (next translation)

    ‘La lengua de las Bestias’ es un trabajo en el que ha colaborado la Compañía Nacional de Danza, Centro Danza Canal y Paso a2. ‘La Lengua de las Bestias’ fue seleccionada en la 28º edición del Certamen Coreográfico de Madrid dentro del proyecto de Me, Myself & I, ‘solos en estado de germen’ con el objetivo de continuar con su desarrollo. Esta propuesta además se presentó durante la última edición del certamen en diciembre de 2015, en calidad de compañía invitada junto a Las Hedonistas.

    ME Myself & I Alba Fernández "La lengua de las bestias"

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  • Entre Mareas

    Entre Mareas. Dimo Kirilov

    (Next Translation)

    Ensayos para la reposición de la coreografía Entre Mareas con Dimo Kirilov y Tamako Akiyama.  

    El proyecto es una reflexión sobre las relaciones humanas y los patrones de comportamiento a pequeña escala, como en las parejas que han estado juntos durante mucho tiempo. Es sobre la evolución, transformación, desaparición y también la aparición de nuevos sentimientos. Sobre la interdependencia, la sensación de ser casi… uno, con sus aspectos tanto negativos como positivos.

    Es sobre el grado de honestidad, los pequeños secretos y mentiras dentro de la pareja y también en cada uno. Sobre como uno quería ser y como es ahora, sobre el deseo de volver a hacerlo todo de otra forma o repetir lo que fue…
    Sobre la vejez y la muerte, el miedo de quedarse solo o el deseo de irse juntos…. Sobre un tipo de relación de por vida, que fue una norma durante tanto tiempo y que es cada vez mas rara en la actualidad. Sobre la necesidad o la obligación...

     

    Entre Mareas (Teaser on youtube)
 


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    Confirm Dates. Dancer, a part of her face is hidden by a hat

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    ©COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

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    • Project Coordination: Maite Villanueva (CND)
    • Texts: CND