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Archivo. Repertorio Nacho Duato 90/11

Repertorio de Nacho Duato período 1990-2011

El repertorio, organizado con un orden alfabético, incluye un listado completo de las coreografías realizadas por Nacho Duato junto con una extensa relación del trabajo de otros coreógrafos invitados en nuestra compañía a lo largo de todos estos años. Este repertorio ha aportado una gran riqueza conceptual a nuestra formación y despertado al admiración de un público internacional, así como las mejores críticas de especialistas de la danza de todo el mundo.

Por Vos Muero. Nacho Duato
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    ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    NACHO DUATONació en Valencia. En 1980 Nacho Duato firmó su primer contrato profesional con el Cullberg Ballet (Estocolmo) y, un año después, de la mano de Jirí Kylián, ingresó en el Nederlands Dans Theater, compañía de la que fue nombrado Coreógrafo Estable, junto a Hans van Manen y Jiří Kylián, en 1988.

    Por sus éxitos como bailarín recibió en 1987 el VSCD Gouden Dansprijs (Premio de Oro de la Danza). Su primera coreografía, Jardí Tancat (1983), con música de María del Mar Bonet, ganó el primer premio en el Internationaler Choreographischer Wettbewerb (Concurso Coreográfico Internacional) de Colonia.

    En 1995 recibió el grado de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras que concede la Embajada de Francia en España.

    En 1998, el Consejo de Ministros le galardonó con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes.

    En abril de 2000 recibió en la Ópera de Stuttgart el Premio Benois de la Danse, en su IX edición, que otorga la International Dance Association, por Multiplicidad. Formas de Silencio y Vacío (1999). Es Premio Nacional de Danza 2003 en la modalidad de Creación. En 2010 recibe el premio del Círculo de Críticos de Arte en Chile así como la nominación a la Máscara de Oro de Moscú por Na Floresta. Ese mismo año celebra 20 años de dirección artística con la Compañía Nacional de Danza. Fue director de la Compañía Compañía Nacional de Danza de 1990 a  2010.

    Fue director del Teatro Imperial Mijailovski de St Petersburgo de 2011 a 2015. Desde 2015 dirige el Ballet de la Staats Oper de Berlin que abandonará a finales de 2018. En 2017 anuncia que a partir de 2019 creará la Fundación Nacho Duato.

    Sus ballets forman parte del repertorio de las más prestigiosas compañías de todo el mundo.

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    • Nacho Duato en AlasCoreografía: Nacho Duato
    • Dirección teatral: Tomaz Pandur
    • Concepto escenográfico: Tomaz Pandur y Nacho Duato
    • Realización: Odeón
    • Música: Pedro Alcalde / Sergio Caballero (música original); Arvo Pärt, Jules Massenet, Pawel Szymanski y Fuckhead (collage)
    • Figurines: Angelina Atlagic
    • Diseño de luces: Brad Fields
    • Proyecciones de vídeo: Zeljko Serdarevic y Dragan Mileusnic
    • Texto: Fragmentos del guión cinematográfico de la película "El cielo sobre Berlín" Der Himmel über Berlin (Win Wenders/Peter Handke); selección de Tomaz Pandur
    • Voz: Ana Wagener
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria el 28 abril de 2006.

    Alas, presentado por primera en el Palacio de Festivales de Cantabria resulta una apuesta excepcional que lleva también la firma del esloveno Tomaz Pandur como director teatral. Dos artistas de prestigio internacional unidos en una experiencia de creación inusual con un objetivo común: la búsqueda de un nuevo vocabulario a través de una verdadera fusión de disciplinas, más allá de la mera combinación de lenguajes escénicos. El resultado de este encuentro es Alas, un ballet completo que no es ni teatro-danza ni danza-teatro, sino el fruto de un “proceso de trabajo diferente que ofrece nuevas vías de exploración para el teatro del futuro”, explican sus creadores.

    La primera inspiración de Alas viene de la película "El cielo sobre Berlín", de Wim Wenders, protagonizada por un ángel que decide renunciar a su inmortalidad para vivir entre los hombres. Si bien introduce breves fragmentos del guión de Peter Handke, la coreografía no ofrece un paralelismo explícito con el argumento, aunque el tema permanece en escena: el deseo de inmortalidad del hombre, es expresado a través de la eterna lucha de gravedad entre el cielo y la tierra. “En realidad esta obra habla de la soledad –aclara Pandur–. El hombre se encuentra solo frente a la gran pregunta sobre el tiempo y la infinitud. Entre otras cosas, por eso siempre quise hacer este trabajo con Duato, al que por encima de todo considero un escultor del tiempo”.

    De esta manera los bailarines de La Compañía Nacional de Danza añaden pulso dramático a su interpretación y el propio Nacho Duato baila y recita una serie de monólogos durante su actuación. La producción cuenta con música original de Pedro Alcalde y Sergio Caballero, compositores habituales de las últimas coreografías de Duato, que en esta ocasión utiliza también música de Arvo Pärt, Jules Massenet, Pawel Szymanski y Fuckhead.

    Tomaz Pandur se dio a conocer en España con Sheherazada en 1990 y el año pasado montó Infierno con el Centro Dramático Nacional. Considerado uno de los creadores escénicos contemporáneos de mayor proyección internacional, sus obras se caracterizan por una original utilización de la técnica escenográfica al servicio de interpretaciones dramáticas irreprochables dando lugar a imágenes de impactante belleza.

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    • Alone, For A Second. Escena de mujer con cabeza tapada Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Erik Satie (Concepción, arreglos y dirección: Thomas Willbrandt)
    • Escenografía y Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por el Nederlands Dans Theater en el AT&T Danstheater de La Haya, el 9 de septiembre de 1993. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 16 de diciembre de 1994.

    Alone, for a Second tiene como fondo musical composiciones de Erik Satie arregladas por Thomas Willbrandt. En un marcado giro en su estilo personal, el coreógrafo concentra la intensidad emocional de este ballet en los aspectos estáticos del movimiento, en las imágenes, como un poeta que nos hablara tanto en los silencios como en las palabras. Una mujer, personaje central del ballet, nos conduce, en el más introspectivo trabajo de Duato, por esa fina línea que divide la consciencia de la inconsciencia.

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      • Actuación en escenaCoreografía: Nacho Duato
      • Música: Arcangelo Corelli (Concerti Grossi Op. 6) y Scarlatti (Il Primo Omicidio)
      • Escenografía: Nacho Duato
      • Figurines: Nacho Duato (con la colaboración de Ismael Aznar)
      • Diseño de luces: Brad Fields
      • Duración: 27’ 45”

    Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real de Madrid el 31 de mayo de 2000.

    Arcangelo es una reflexión sobre el paraíso y el infierno. Está basado en los maravillososConcerti Grossi del italiano Arcangelo Corelli finalizando con un aria de la ópera de Scarlatti, Il Primo Omicidio. Duato ha utilizado fundamentalmente los lentos y adagios en un orden distinto al original. El ballet nos relata la búsqueda de una liberación a través de la muerte, como vía de acceso a un paraíso que nos libere.
    Arcangelo Corelli comenzó su carrera en Bolonia como violinista en 1670, a la edad de 17 años. Fue reconocido como instrumentista de elite, al tiempo que como uno de los compositores más influyentes de su tiempo. Pasó la mayor parte de su vida en Roma, donde murió en 1713.
    El género de los concerti grossi se desarrolló simultáneamente en una diversidad de lugares durante las últimas tres décadas del siglo XVII. La producción de música escénica en aquel tiempo era de gran importancia. Con frecuencia se formaban orquestas de más de cien integrantes, tanto para música de iglesia en Bolonia como para música festiva en Roma. Para paliar la evidente falta de movilidad de un conjunto tan numeroso, los primeros ejecutantes de la sección de cuerda se segregaron, formando un grupo más flexible: el Concertino. El concerto grosso deriva de la alternancia entre ambos tipos de formaciones. Corelli muy bien podría ser definido como el creador de la forma clásica del concerto grosso.
    Lo que distingue particularmente estos concerti grossi para orquesta de cuerda es el equilibrio clásico de esta música barroca, la maravillosa claridad y simplicidad de su argumento y estructura y la completa congruencia de forma y contenido.

    Compañía Nacional de Danza - Arcangelo

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    • Actuación en escenaCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Mª del Mar Bonet
    • Escenografía: Walter Nobbe
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Edward Effron
    • Estrenado por el Nederlands Dans Theater en Muziektheater de Amsterdam, el 26 de enero de 1988. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Romea de Murcia, el 6 de octubre de 1990.

    Arenal es una coreografía de Nacho Duato inspirada en canciones de Mª del Mar Bonet. El propósito del coreógrafo con este ballet, es mostrar la desinhibida alegría del carácter mediterráneo en contraposición a la cotidiana lucha de la vida.
    Duato hace este contraste muy claro: por un lado, un grupo de hombres y mujeres bailan motivados por la pura alegría de la música. Su júbilo es reflejado con claros movimientos de los bailarines -paso a dos, paso a tres, paso a cuatro- sobre canciones griegas traducidas al catalán y mallorquinas. Por otro lado, una mujer permanece aparte y baila sola cuatro canciones cantadas a capella. Estas canciones, sin acompañamiento musical, con un contenido realista, surgen como un desgarrado grito del corazón. Sus movimientos están más cerca del suelo que los del resto de los bailarines. Ella es la expresión del influjo de la tierra.
    Color, coreografía, movimiento, todo es innegablemente mediterráneo.
    Nacho Duato había trabajado con Mª del Mar Bonet en un ballet anterior, Jardí Tancat. "Su música es una gran fuente de inspiración para mi trabajo -dice el coreógrafo. Posteriormente escuché Gavines i Dragons e inmediatamente se me ocurrió Arenal. Enseguida pensé en la posibilidad de tener con nosotros a Mª del Mar, cantando en directo sus canciones". Arenal es para Duato una extensión de su primer trabajo, Jardí Tancat, "pero más vital, más alegre, más fiel al ritmo interno de las canciones, sin dejar el mundo popular y del trabajo". 
    "Sabía que mis canciones nacen con ritmo, pero cuando lo conocí de verdad fue el día que Nacho Duato las bailó. Cuando ví la primera coreografía, Jardí Tancat, me emocioné: él les había dado otra vida, eran independientes y a la vez ligadas a mí, pero con un nuevo palpitar, un camino diferente.
    En Arenal hay una cosa que me tiene realmente fascinada, y es el tratamiento de las canciones de trabajo de Mallorca que yo canto a capella: son cantos que forman parte de nuestra tradición mallorquina más antigua, pero que ya no se cantan allí donde nacieron ni para aquello por lo que nacieron, que es el trabajo en el campo, pues éste ha cambiado mucho. Quedan pocos rincones en el campo de Mallorca donde se conserven las faenas del mundo campesino tal y como eran hace nada más cuarenta o cincuenta años. Pues bien, cuando Nacho las ha coreografiado, les ha devuelto este papel de piezas únicas, como de piedras preciosas.
    Si en Jardí Tancat había tanta vida, en Arenal he ido descubriendo una pasión interior cada vez que canto con ellos. Nunca me cansaré de decir que estas coreografías de Nacho Duato han significado uno de los regalos artísticos más importantes que me hayan hecho. Creo que son de aquellas cosas que van de la mano con las emociones más profundas, y que son tan difíciles de explicar con palabras."
    Gracias Nacho
    María del Mar Bonet

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    Actuación en escena
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Antonio Vivaldi (Nisi Dominus RV 608; Stabat Mater RV 621; Salve Regina RV 616; Concerto RV 439 “La notte”), Karl Jenkins (Palladio)
    • Escenografía: Jaffar Chalabi 
    • Figurines: Francis Montesinos
    • Diseño de luces: Brad Fields
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria de Santander el 5 de abril de 2002.
    Hace apenas un par de siglos, los sopranos gozaban de la más alta popularidad. Cantaban ópera por toda Europa, y eran considerados héroes encima de un escenario. Su arte ha sido reconocido en todo el mundo durante cientos de años. 
    El último castrato falleció en el siglo XX, sólo hace unas décadas. La costumbre de la castración tiene su origen antes de Cristo y sus motivos eran muy diferentes. Los egipcios aplicaban la castración como método de castigo, los árabes por motivos religiosos y los turcos para conseguir hombres sin estímulo sexual como guardianes de sus harenes. 
    Pero en Italia, la castración fue utilizada de un modo completamente distinto. En el siglo I cuando el apóstol San Pablo escribió "Mulier tacet in ecclesia" ("las mujeres permanecerán en silencio cuando se hallen en la Iglesia ") no podía imaginar las consecuencias que provocarían sus palabras siglos más tarde. Los coros sin voces femeninas compuestos de contratenores y niños cantores antes de la pubertad fueron funcionales durante algún tiempo. Sin embargo, según el arte de la composición musical demandaba un rango vocal más extenso, se tornó necesario contar con hombres con voces femeninas, es decir, castrados. De modo que, a mediados del siglo XVI, la práctica de la castración viajó desde Oriente hasta Europa. 
    A comienzos del siglo XVII una nueva forma musical, la ópera, eclosionaba en Italia. Para los castrati ofrecía muchas oportunidades por una sencilla razón: las mujeres no podían participar. De modo que, desde que en 1637 se inauguró el primer teatro público en Venecia y hasta mediados del siglo XVIII, los castrati dominaron la ópera y se convirtieron en insustituibles. La castración facilitaba una capacidad vocal extraordinaria y un peculiar color en la voz, lo que se tradujo en una gran demanda de castrati que además estaban muy bien pagados. 
    Por toda Italia proliferaban Escuelas de Canto dedicadas a llevar el arte del belcanto a su más alta cota. La educación de un castrato significaba la estancia del orden de seis a ocho años en tales escuelas. A parte de las escuelas también existían los tutores privados. 
    Castrati – (Ital. Castrato) Cantantes masculinos castrados antes de la pubertad con el fin de preservar su voz de soprano o contralto. Así, se mantiene el timbre infantil intacto, permitiendo, gracias al desarrollo normal de los pulmones, emitir una voz de soprano de forma inusitada. Eran mucho más comunes dentro de las instituciones eclesiásticas, donde las mujeres tenían prohibido cantar o en los teatros durante los siglos XVI, XVII y XVIII. Gozaban de gran prestigio en su época.
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    • Cautiva. Nacho Duato Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Alberto Iglesias (Cautiva) 
    • Escenografía y vestuario: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)

    Estrenado por la Compañía  Nacional de Danza en el Teatro Madrid, el 12 de abril de 1993.

    Cautiva es un trabajo original para esta Compañía del Director Artístico, Nacho Duato, sobre música del compositor donostiarra Alberto Iglesias. La apasionada música de Iglesias inspira y da título a un ballet que, en un lenguaje claramente onírico, relata con una narración de imágenes superpuestas las dudas de la protagonista, Cautiva, que se debate en un mundo de fantasía entre el amor y la muerte.

    “Compuse Cautiva bajo la sensación de que la idea principal era una idea emotiva, irracional, que se derivaba en múltiples significados. 

    Los textos de Joyce y Pound que utilicé enfrentados, como si se hablaran, son un escenario para esas emociones, un escenario amoroso, no dos protagonistas que cuentan una historia. Y se deslizan entre la música perdiéndose y encontrándose. 

    En la música, la potencia de la sinrazón, de la razón oscura, es primordial. Quizás es por ahí, donde la danza y la música se unen y nos estremecen.” 

    Alberto Iglesias

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    Cero sobre Cero. Nacho Duato
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Alberto Iglesias
    • Escenografía y Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria de Santander, el 16 de noviembre de 1995.
    "En Cero sobre Cero he querido deshacerme de la pesada carga de la lógica, adentrándome en un mundo donde el sentido común y lo absurdo están separados por una frágil y delicada línea. La ironía debe aceptarse como expresión de profunda seriedad. Al mismo tiempo es importante distanciarse de uno mismo y no tomarse en serio. He querido volar con mi imaginación y aventurarme en un mundo intuitivo donde lo real se da la mano de lo onírico. Este laberinto de sentimientos puede en un primer momento desorientarnos como creadores, aunque es muy enriquecedor a la hora de valorar nuestro trabajo, permitiéndonos la revelación de un nuevo vocabulario coreográfico".
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    • Cobalto. Nacho Duato. Bailarinas: Mª Luisa Arias y Tereza GonzagaCoreografía: Nacho Duato 
    • Música: Pedro Alcalde / Sergio Caballero (organista: Juan de la Rubia; órgano Blancafort de la Iglesia de Collbató)
    • Escenografía: Nacho Duato 
    • Figurines: Lydia Delgado
    • Diseño de luces: Brad Fields
    • Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela el 20 de marzo de 2009.

    Cobalto es una reflexión sobre el erotismo. Duato aborda el tema desde un punto de vista onírico, sumergiéndose en el mundo de los sueños eróticos. La pieza está creada  para diez bailarines. Una vez más, Duato concede a la música una importancia primordial en sus creaciones y en Cobalto, vuelve a contar con sus compositores habituales, Pedro Alcalde y Sergio Caballero. Cobalto es una pieza compuesta para un solo instrumento, el órgano. La música fuegrabada en la iglesia de Collbató con un órgano Blancafort, por el organista Juan de la Rubia.  

    Duato también cuenta en el equipo artístico con el diseñador de luces Brad Fields, director de iluminación del American Ballet Theater y fiel colaborador en todos sus estrenos desde hace años. Destaca la firma, por vez primera, en el diseño de vestuarios de la diseñadora de moda Lydia Delgado. 

    "Es, como color (el azul) una energía, pero pertenece al lado negativo y en su pureza suprema es, como quien dice, una preciosa nada. Su efecto es una mezcla de excitación y serenidad"

    Goethe. "Teoría de los colores"

    El azul es santo y pornográfico, recatado y obsceno. Su término en inglés blue, entendido como triste, lo es también como "verde" para nuestro lenguaje, es decir, erótico u obsceno. El azul cobalto es el ejemplo máximo de esa bipolaridad. Bello, arrogante y celeste, oculta su procedencia mineral conocida como "flor de cobalto", una mezcla de arseniuros de cobalto y níquel que se forman en cristal al contacto con el aire. Tóxico y venenoso por su arsénico fue bautizado como azul de los duendes que atormentaban a los mineros con el nombre alemán por el que lo conocemos: kobelt. El azul cobalto es, de todos los colores, el de la historia del inconsciente.

    PEDRO ALCALDE

    Compositor

    Nacido en Barcelona, estudió en su ciudad natal piano, flauta, violín, composición, además de licenciarse en Filosofía en la Universidad de Barcelona. Realizó estudios de dirección de orquesta en la Columbia University de Nueva York, donde obtuvo el título de Master of Arts. En 1984 ganó el premio del concurso internacional de directores de orquesta celebrado en Bad-Wiessee, Alemania. Ese mismo año dirigió la Historia de un soldado de Stravinsky en el Horace Mann Auditorium de Nueva York. En 1988 se doctoró en Musicología y en Filosofía en la Freie Universität de Berlín. Estudió dirección después en la Hochschule für Musik de Viena con el profesor Karl Österreicher. Ha trabajado como segundo director en la Opera de Viena. En 1990 fue director asistente de la Filarmónica de Viena y de 1991 a 1996 de la Filarmónica de Berlín con Claudio Abbado.

    Pedro Alcalde ha dirigido numerosas orquestas como las de Madrid, Barcelona, Bolonia, Ferrara, Roma, Nueva York, Berlín, Frankfurt, Leipzig, Osaka, etc. En 1996 inició una serie de grabaciones experimentales en la Radio de Berlín (SFB) con las últimas sonatas para piano de Beethoven y las últimas composiciones para piano de Gyorgy Kurtág. Ha interpretado obras de destacados compositores actuales como Sotelo, Goyette, Kurtág, Rihm o Nono. De Alberto Iglesias ha dirigido, además de su ballet Self con la coreografía de Nacho Duato, la música de la película de John Malkovich, The Dancer Upstairs.

    Desde 1998 colabora regularmente como director con Duato y la Compañía Nacional de Danza, como compositor ha compuesto junto con Sergio Caballero la música de las coreografías de Herrumbre (2004), Diecisiete (2005), Alas (2006) y Hevel (2007).

    SERGIO CABALLERO

    Compositor

    Nacido en Barcelona, en 1985 crea con Marcel.lí Antúnez y Pau Nubiola el grupo Los Rinos, con el cual realiza acciones, performances y teatro bajo un denominador común: el humor provocativo y salvaje de historias imposibles. Músico y artista multidisciplinar, funda en 1987 el grupo musical Jumo con Enric Les Palau, con el que compone piezas para danza y teatro. En 1989 realiza la exposición Sergio Caballero famoso en el mundo entero, una reflexión con humor y escepticismo sobre la autoría de la obra de arte.

    Desde 1994 es codirector del Festival Internacional de Músicas Avanzadas y Arte Multimedia Sónar.

    LYDIA DELGADO

    Diseñadora de vestuario

    Nace en Barcelona. Sus primeros contactos con el mundo del arte se remontan a sus años de juventud como bailarina del Gran Teatro de Opera del Liceu. Entra en el mundo de la moda a través de un encuentro casual con el diseñador Antonio Miró con quien colabora durante un tiempo en su taller creativo antes de iniciar su propia carrera. En 1989 la diseñadora abre su propio atelier en la céntrica calle Minerva, un entorno íntimo con personalidad propia y reminiscencias de la alta costura. Poco tiempo después inaugura su tienda de Barcelona coincidiendo con su presentación en 1991 en la Pasarela Gaudí. 

    Sus primeras colecciones son creaciones de couture trabajadas con paciencia y emoción y en las que se aprecia una búsqueda continua por la expresión artística..

    En 1997 Lydia Delgado lanza al mercado su línea pret a porter como una propuesta más asequible pero sin renunciar a su compromiso por el trabajo cuidado y perfeccionista. Son prendas que sugieren combinaciones osadas no exentas de ironía que buscan provocar una mirada diferente sobre uno mismo y la realidad. 

    En 2000 Lydia presenta en el Palacio Real de Pedralbes su colección de novias. Una propuesta vanguardista y sorprendente. Un año después, Pronovias, firma con Lydia Delgado un contrato de licencia para la distribución mundial de las colecciones Lydia Delgado Novias. En 2004 Lydia Delgado inaugura su tienda de Madrid en el céntrico barrio de Salamanca.

    Lydia Delgado es hoy una figura consagrada en el panorama de la moda nacional. Su mundo exclusivo tiene una identidad propia y diferenciada fruto de una tenacidad personal por preservar a lo largo del los años los valores originarios: la pasión por la calidad, la creatividad artística, la fuerza visual, la debilidad por los detalles y la elegancia sin ostentación.

    • Premios y reconocimientos:
    • Marie Claire Prix de la mode 2007
    • Medalla de Oro Antonio Gaudi2003
    • Premio Ciudadano Europeo2003
    • T de Telva a la mejor diseñadora española 2000
    • Premio a la mujer Empresaria (FIDEM) 1999
    • T de Telva Plata 1998
    • BRAD FIELDS 

    • Diseñador de Iluminación

    • Nacido en Carolina del Norte (EEUU), Brad Fields es colaborador habitual de Nacho Duato. Para la Compañía Nacional de Danza ha realizado los diseños de iluminación de Alas, Arcangelo, Multiplicidad: Formas de Silencio y Vacío, Diecisiete, Sueños de Éter, Gilded Goldbergs, Herrumbre, Ofrenda de Sombras, Remanso, Without Words y Hevel.
    • Es el director de iluminación delAmerican Ballet Theater para el que ha creado, entre otros, los diseños de luces de Coppelia, La Fille Mal Gardée, Glow-Stop y Within You Without You: a tribute to George Harrison.
    • Otros de sus diseños han sido el Don Quixote de Balanchine para el Ballet Nacional de Canadá y Suzanne Farrel Ballet, Follia de Nicolo Fonte y Rite of Spring para el Göteborg Opera Ballet y la Bayadére de Natalia Makarovapara el Australian Ballet. Ha diseñado para el Ballet Argentina, Boston Ballet, Houston Ballet, Les Grands Ballets Canadiens, Lewitzky Dance Company, Ballet de la Ópera de Lyon, Netherlands Dance Theatre, North Carolina Dance Theatre, San Francisco Ballet, Royal Ballet y Royal Danish Ballet.
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    • Coming Together. Nacho Duato. Bailarina: Catherine AllardCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Frederic Rzewski (Coming Together) 
    • Escenografía y figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Lírico Nacional La Zarzuela de Madrid, el 23 de diciembre de 1991.
    • La turbulenta repetición de estructuras musicales y texto recitado de la frenética composición de Frederic Rzewski proporcionan el acompañamiento y el contrapunto a un trabajo abstracto de Nacho Duato quien, igual que se sirve de su efervescencia para acercarnos al delirio furioso y a la histeria, la emplea como contraste en la creación de atmósferas y matices de carácter onírico. La aparición de ambos fenómenos no es sólo alternante, sino simultánea, como podría ocurrir en una gran ciudad con los ritmos y las sensaciones que en ella se desarrollan.

      El resultado, de evidente corte contemporáneo, induce al espectador a concentrar su atención en los múltiples cambios del proceso coreográfico y en el sistema y la estructura de los pasos, en lugar de en los habituales elementos descriptivos o narrativos.

      La pieza titulada Coming Together, creada para un narrador e instrumentos por Frederic Rzewski, y pensada inicialmente para ser interpretada en dos partes, tiene una importancia crucial en la historia de la música repetitiva. En esta obra las técnicas repetitivas y estructurales no son el propósito final, sino los medios para crear un mundo dramático y musical coherente.

      Rzewski combina en esta obra el significado político e ideológico del texto con la estructura musical dentro de un contexto basado en una original idea minimal que combina elementos dramáticos y estructurales en una perfecta simbiosis.

      Ocho frases sacadas de una carta de Sam Melville (un prisionero político muerto en 1971 durante un motín en la prisión de Attica) son narradas, primero en progresión aditiva y posteriormente deductiva, a lo largo de la obra. El título de la composición es una referencia a una frase de la carta y a la técnica de improvisación musical.

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    Concierto Madrigal. Nacho Duato
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Joaquín Rodrigo
    • Escenografía:  Walter Nobbe
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Edward Effron
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Romea de Murcia, el 6 de octubre de 1990.

    La música de este ballet es el Concierto Madrigal para dos guitarras y orquesta del compositor español Joaquín Rodrigo. Esta composición inspiró a Duato para ilustrar coreográficamente ocho de los diez breves movimientos del concierto. De hecho, Duato ha seguido la directriz musical del concierto para reflejar con ocho parejas de bailarines -distribuidos en paso a dos, paso a tres, solo, paso a seis...- una sucesión de escenas lúdicas dentro de un contexto intimista. La atmósfera preponderante de la coreografía sugiere cuadros y paisajes netamente españoles.

    Joaquín Rodrigo, a su vez, se basó en un madrigal anónimo español del Renacimiento, Felices Ojos Míos. El compositor ha dicho de su obra: “Este concierto se libera de las clásicas arquitecturas melódicas, y a pesar del diálogo establecido y del estilo concertante adoptado  en su composición, tiende hacia la suite, aunque el elemento que los sostiene es la variación. Cada una de las variaciones o episodios vienen indicados por su título, que da una pista sobre el ambiente o escenario de la obra. Un delicado esbozo poético caracteriza toda la partitura. A veces, a causa del origen del tema, los episodios poseen un carácter modal o arcaico; otras veces, la melodía, que actúa como filamento a través de la obra, es inundada por un sentimiento más popular”.

    El interés y la tendencia de Nacho Duato en utilizar sus raíces es una constante en su trabajo: la música, el sentir de la gente, el color de la tierra, son valores que el coreógrafo utiliza para establecer, con su estilo propio, una interrelación entre todos los elementos donde el movimiento se funde con el entorno creado.

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    • Cor Perdut. Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Jerónimo Maesso, María del Mar Bonet, Peter Griggs, Lissa Gerrard, 
    • Brendan Perry, Juan A. Arteche, Javier Paxariño
    • Escenografía: Nacho Duato
    • Figurines: Luis Devota y Modesto Lomba
    • Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Principal de Valencia, el 10 de julio de 1992. Con el patrocinio de Mediterránia, La Comunidad Valenciana, Generalitat Valenciana. ITVA
    • Habitualmente, una música me inspira a hacer un ballet. En esta ocasión el mar y su luz, el fuego y su significado en nuestra cultura , y la fertilidad de la tierra, han sido mis puntos de inspiración a la hora de crear esta coreografía dedicada a la Comunidad Valenciana.
    • Con este trabajo me gustaría reflejar unas sensaciones e imágenes personales de carácter íntimo: la vigencia de unas raíces cuya esencia, pese al prolongado alejamiento en la distancia y la influencia de otras culturas, siempre sentí en el flujo de mis venas. 
    • Para ello, he evitado ingredientes folklóricos, alusiones históricas, anécdotas o referencias a personajes, esperando transmitir, a través del movimiento, la sensualidad del paisaje, la sensibilidad de sus habitantes y el desenfadado culto a lo efímero característicos de esta Comunidad.
    • Alejarse del estereotipo ha significado prescindir del artificio en la música, el vestuario o la escenografía hasta llegar a una simplificación que puede resultar aparentemente fría  frente a la exuberancia cotidiana en la vida de nuestras gentes; pero sí espero comunicar esa vitalidad en el movimiento.
    • He recurrido para ello a sonidos de percusión y viento, siempre envueltos por el constante batir de las aguas, no sólo porque identifiquen la cultura valenciana, sino por haberme ayudado a descubrir movimientos cercanos a la tierra, de fuerza telúrica, y así contrastar mejor los movimientos más delicados, como los correspondientes a los pasos a dos de El Azahar o de El Mar. 
    • Simplemente, he querido profundizar en mis raíces y las de mis antepasados; he tratado de pelar la naranja hasta llegar a la pulpa: el espíritu lúdico y sensual de esta tierra eternamente bañada por el mar.
    • Dedico este ballet a todos aquellos que, como yo, se sientan cómplices con el Mediterráneo.
    • Nacho Duato
  • ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    Diecisiete. Bailarina: Tamako Akiyama
    • Coreografía: Nacho Duato 
    • Música: Pedro Alcalde / Sergio Caballero (Diecisiete)
    • Escenografía y Figurines: Nacho Duato 
    • Diseño de luces: Brad Fields
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 27 de enero de 2005.

    • El título de la más reciente creación de Nacho Duato para la Compañía Nacional de Danza hace referencia al número de sílabas de los haikus japoneses. La música ha sido originalmente compuesta para la pieza por Pedro Alcalde y Sergio Caballero, los cuales ya colaboraron con Duato anteriormente en Herrumbre. El haiku es probablemente la estructura poética más breve tanto de Oriente como de Occidente. La mayoría de las palabras en japonés son polisilábicas, de modo que el número de las exigidas por un haiku es llamativamente pequeño: de cinco a ocho o nueve, en total. Los haikus no riman. Su única regla formal es que tengan 17 sílabas. 
      Aunque en un buen haiku puede haber más de una frase, siempre contiene una sola imagen poética. El haiku prentende decir algo sin decirlo. Lo no dicho comunica más que las palabras, pero no puede hacerlo sin ellas. La poesía del haiku se propaga en infinitos significados porque alcanza con frecuencia esa perfecta sencillez que persiguen la filosofía, la religión, la literatura, el arte y por supuesto, la danza.
    • BOKUSUI 
    • ¿Una palabra de despedida? 
    • La nieve que se derrite
    • no huele. ()
    • BASHO 
    • Nada indica
    • en el canto de la cigarra 
    • que pronto estará muerta.
    • JOSEKI 
    • Hoy debe ser 
    • El día de mi nacimiento allí
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    Duende. Nacho Duato. Bailarines: Catherine Allard y Nacho Duato
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Claude Debussy (Pastorale y Finale de la Sonata para Flauta, Viola y Arpa (1916); Syrinx (1912/1913), Danse Sacrée et Danse Profane (1904)
    • Escenografía: Walter Nobbe
    • Figurines: Susan Unger
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por el Nederlands Dans Theater en el AT&T Danstheater de La Haya, el 21 de noviembre de 1991. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, el 11 de diciembre de 1992.
    • Las ideas de Duato a la hora de crear una coreografía van prácticamente precedidas por su elección de la música, lo cual caracteriza su método de trabajo. En Duende esto se aplica quizás con más fuerza que nunca, porque la música ha sido la única fuente de inspiración para este ballet. Duato se enamoró de la música de Debussy hace mucho tiempo, especialmente de la manera que tiene el compositor de convertir el sonido de la naturaleza en música. Cuando escucha su música, Duato visualiza formas, no personas, relaciones o acontecimientos. Por este motivo él considera Duende como una obra casi escultoral: un cuerpo, un movimiento en armonía con la melodía.

      De forma lúdica, el ballet también investiga en los medios de expresión de los distintos significados de la palabra que le da nombre: tener duende podría tomarse por tener encanto personal, o magia en el arte flamenco; y los duendes, según se encontraran en cuentos infantiles o en la imaginación de gentes supersticiosas, tendrían carácter bien distinto.

      A principio del siglo XX Debussy era un compositor nuevo, y el público se encontraba a sí mismo escuchando sonidos sorprendentemente diferentes.

      Extraños, bellos y mágicos como deben haber sido,  estos sonidos han hecho identificables sus complejas raíces culturales. La música de Debussy revela antecedentes clásicos y románticos - así como conexiones con la música laica, el folklore, las culturas árabes, orientales, eslavas e incluso el jazz.

      De la misma manera que el Clasicismo puede ser explicado simplemente como una entrega (dedicación) a la forma, lo que normalmente define el término Romanticismo es la expresión de la emoción. Sin embargo, la relación de Debussy con estos dos conceptos no es siempre tan sencilla. Forma y emoción están siempre presentes en su música, pero más por un proceso de insinuación que de definición. En una de sus reglas para compositores, Debussy escribió: "La disciplina debe de ser buscada en libertad"; este podría ser considerado como su primer mandamiento.

      A menudo se identifica a Debussy con el movimiento artístico impresionista: mientras que pintores como Monet concedían gran importancia a la luz, Debussy estaba principalmente interesado en la calidad y efecto del sonido. El comentario de Debussy respecto a que Stravinsky estaba "ampliando" las barreras de lo permitido en el imperio del sonido", podría aplicarse igualmente a su propia obra.

    • CND- Duende, Nacho Duato
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    • Ecos. Nacho Duato. Bailarín: Clyde ArcherCoreografía: Nacho Duato
      Música: Stephan Micus
      Escenografía: Walter Nobbe
      Figurines: Nacho Duato
      Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)

      Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, el 17 de diciembre de 1994.

    Durante mucho tiempo Stephan Micus se ha dejado llevar por su fascinación por instrumentos atípicos de otras culturas. No es tanto por la creación de exóticos efectos tímbricos, sino más bien por el reto de descubrir nuevos sonidos y nuevos contextos sonoros. El proceso de obtención de música de los enormes bloques de granito del escultor Elmar Daucher, en combinación con la utilización de música vocal y de flautas, representa una experiencia totalmente innovadora. No sólo ya por la propia composición de los instrumentos, sino porque, al no estar afinados como instrumentos “normales”, producen los más inusuales intervalos tonales.
    Sobre esta música se construye Ecos, que juega con distintos valores simbólicos de este curioso material sonoro: por una parte, los grandes monumentos, que fueron construidos para inmortalizar a sus creadores, también pusieron de manifiesto la insignificancia de estos, la fugacidad y fragilidad de sus existencia; aquellas piedras asentadas hacia las alturas para estar más cerca de Dios, resultaron ser lo más apegado a la tierra, y en muchos casos, acabaron cubiertas por ella. 
    También hace referencia a los poderes o energías de algunos elementos megalíticos venerados por cultos remotos o actuales: el hombre dirige sus oraciones a una materia inerte que así se convierte en génesis de vida espiritual. Perecedero/atemporal, inane/grandioso, inerte/vivo, materia/espíritu...estos binomios dialécticos son la materia que inspira el espíritu de Ecos.

  • ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    Empty. Nacho Duato Coreografía: Nacho Duato
    Música: Izumi Kobayashi, Philip Glass, Jimi Hendrix, Peter Sculthorpe, Ravi Shankar, Istvan Marta, Camille Saint-Saëns
    Escenografía: Nacho Duato
    Figurines: Nacho Duato con la colaboración de Ismael Aznar
    Diseño de luces: Edward Effron

    Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Albéniz de Madrid, el 5 de abril de 1991.

    Empty es un vacío lleno de formas. Sobre un collage musical muy variado las imágenes se suceden sin una relación argumental. Para ello los recursos dancísticos se emplean entremezclados, de forma ecléctica, con el sólo propósito de crear sensaciones. El vacío se va llenando así de imágenes y formas, igual que una tapia va cubriéndose de graffitis. En este ballet el impacto de las imágenes llega, de forma espontánea, por vía de la sensualidad, sin que llegue a adivinarse el porqué de las cosas.

  • ARCHIVO CND. REPERTORIO 90/11

    Gavines i Dragons. Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    Música: María del Mar Bonet
    Escenografía: Walter Nobbe (Arenal) Nacho Duato (Jardí Tancat)
    Figurines: Nacho Duato
    Diseño de luces: Edward Effron (Arenal) Nicolás Fischtel (A.A.I.) (Jardí Tancat)

    Arenal fue estrenado por el Nederlands Dans Theater en Muziektheater de Amsterdam, el 26 de enero de 1988, y por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Romea de Murcia, el 6 de octubre de 1990. Jardí Tancat fue estrenado por el Nederlands Dans Theater 2 en Hoorn, el 19 de diciembre de 1983, y por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Albéniz de Madrid, el 3 de abril de 1992. Gavines i Dragons fue estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Festival de Vaison Le Romaine, el 16 de julio de 1998

    Gavines i Dragons es el producto de la unión entre dos de los ballets más emblemáticos de los orígenes creativos de Nacho Duato.
    Nacho Duato explica cómo la música de Bonet supuso en su momento una gran fuente de inspiración para su trabajo. Primero con Jardí Tancat y posteriormente, tras escuchar Gavines i Dragons, con Arenal. Color, coreografía, movimiento, todo en ambas piezas es innegablemente mediterráneo. 
    Jardí Tancat, primer trabajo coreográfico de Duato, se coreografía sobre cantos de faena de la tierra y la mar en los que la voz cantante pregona tanto la dureza de su trabajo como sus cuitas amorosas. Arenal es según su creador una extensión de Jardí, "pero más vital, más alegre, más fiel al ritmo interno de las canciones, sin dejar el mundo popular y del trabajo".
    "Sabía que mis canciones nacen con ritmo, pero cuando lo conocí de verdad fue el día que Nacho Duato las bailó. Cuando ví la primera coreografía, Jardí Tancat, me emocioné: él les había dado otra vida, eran independientes y a la vez ligadas a mí, pero con un nuevo palpitar, un camino diferente. 
    En Arenal hay una cosa que me tiene realmente fascinada, y es el tratamiento de las canciones de trabajo de Mallorca que yo canto a capella: son cantos que forman parte de nuestra tradición mallorquina más antigua, pero que ya no se cantan allí donde nacieron ni para aquello por lo que nacieron, que es el trabajo en el campo, pues éste ha cambiado mucho. Quedan pocos rincones en el campo de Mallorca donde se conserven las faenas del mundo campesino tal y como eran hace nada más cuarenta o cincuenta años. Pues bien, cuando Nacho las ha coreografiado, les ha devuelto este papel de piezas únicas, como de piedras preciosas. 
    Si en Jardí Tancat había tanta vida, en Arenal he ido descubriendo una pasión interior cada vez que canto con ellos. Nunca me cansaré de decir que estas coreografías de Nacho Duato han significado uno de los regalos artísticos más importantes que me hayan hecho. Creo que son de aquellas cosas que van de la mano con las emociones más profundas, y que son tan difíciles de explicar con palabras." 
    Gracias Nacho
    María del Mar Bonet

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    Gilded Golbergs. Bailarines: Tereza Gonzaga e Isaac MontllorCoreografía: Nacho Duato
    Música: Robin Holloway (para dos pianos basado en la BWV 988 de Johann Sebastian Bach; interpretado por Jennifer Micallef y Glen Inanga)
    Escenografía y Vestuario: Nacho Duato
    Diseño de Iluminación: Brad Fields

    Estreno por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela, el 15 de noviembre de 2006.

    “El hecho de descubrir la transcripción que Robin Holloway hace de la maravillosa obra de las Variaciones Goldberg, me permitió despojar a la obra original de Bach del carácter intocable que yo mismo le había atribuido. De esta forma, he osado por fin aproximarme a la partitura y trabajar con ella para montar esta coreografía. En cualquier caso, y como pongo de manifiesto en mi pieza, el versionar una obra maestra como es ésta puede ser sinónimo de su asesinato, pero también podría serlo de su renacimiento. La obra cobra una nueva vida y una nueva dimensión. Lo que hace Holloway demuestra valentía y coloca la libertad creadora por encima del peso de la historia. ”
    Duato utiliza la trepidante música de Robin Holloway para desarrollar un discurso imaginativo y creativo apoyado en su asombrosa musicalidad y en una elegante interpretación de los bailarines de la Compañía Nacional de Danza.
    Robin Holloway escribe sobre su versión de las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach: “Parece raro y algo tonto tomar uno de los hitos más conocidos de la música occidental y recomponerlo. Mis disculpas son, primero, que el mismo Bach era un fiero transcriptor y transformador de las músicas de otros autores de las que él pudiera aprender; y, segundo, que su propia música ha encajado generosamente todo tipo de adaptaciones a lo largo de los tiempos. Casi no podríamos dejar de nombrar a ningún compositor posterior a Bach que no haya imitado, arreglado, orquestado, parodiado o rendido un homenaje a su obra. Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Wagner, Bruckner, Schumann, Liszt, Brahms, Shönberg, Webern, Elgar, Respighi, Stravinsky, Kurtag, y un largo etcétera.”
    Su propia “aventura Goldberg”, como Holloway la llama, comenzó con un objetivo más modesto. Frustrado como pianista por su incapacidad de interpretar la compleja partitura de alguna de las variaciones –originalmente escritas para clave de dos teclados- comenzó a transcribirlas para dos pianos. Durante los siguientes cinco años la tarea le absorbió completamente y terminó con otras 30 variaciones Goldberg completamente nuevas.
    Nacido en Leamington Spa, el 19 de octubre de 1943 el compositor británico Robin Holloway, estudió con Goehr (desde 1960) y en Cambridge, donde en 1974 fue nombrado profesor. Su amplia producción cubre diversos géneros (incluyendo numerosas canciones) y demuestra un notable dominio de distintos estilos. Algunas de sus obras reinterpretan piezas del Romanticismo (Escenas de Schumann para orquesta, 1970); otras son decididamente modernistas (The Rivers of Hell para conjunto de cámara, 1977). Su primera ópera, Clarissa, un estudio sobre la violación, fue interpretada en Londres por la English National Orchestra en 1990.

  • ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    • Gnawa. Nacho Duato. Bailarina: Tereza GonzagaCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Hassan Hakmoun/Adam Rudolph (Gift of the Gnawa, “Ma’Bud Allah”); Juan Alberto Arteche y Javier Paxariño (Finis Africae, “Carauari”); Rabih Abou-Khalil, Velez, Kusur y Sarkissian (Nafas, “Window”).
    • Figurines: Luis Devota y Modesto Lomba
    • Diseño de luces: Nicolás 
    • Estrenado por la Hubbard Street Dance Chicago en el Joan W. and Irving B. Harris Theater for Music and Dance en marzo de 2005. Estreno por la Compañía Nacional de Danza en el Euskalduna de Bilbao, Festival Dantzaldia, el 4 de noviembre de 2007.
    • En 1992 Nacho Duato estrenó en Valencia, su ciudad natal, Mediterrania, profundizando en sus raíces y la de sus antepasados, en su complicidad con el mar Mediterráneo.

      En Gnawa, estrenado por la Hubbard Street Dance Chicago en 2005, el coreógrafo continúa con la línea iniciada en Mediterrania, intentando transmitir, a través del movimiento, la sensualidad del paisaje, la sensibilidad de sus habitantes… Con una sugerente música repleta de sonidos españoles y norteafricanos, Gnawa cautiva con su fulminante poder y su sensual elegancia, combinando la espiritualidad y el ritmo orgánico del Mediterráneo.

      * Los Gnawa de Marruecos son los descendientes de los esclavos negros deportados de los países de África occidental subsahariana (Mauritania, Senegal, Mali, Nigeria, Guinea). Practican una compleja liturgia coréutico-musical (lila, derdebà), que reactualiza el sacrificio primordial y la génesis del universo a través de la evocación de las siete principales manifestaciones de la actividad demiúrgico divina, los siete mlùk, representados por siete colores, descomposición prismática de la luz-energía originaria.

  • ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    • Herrumbre. Bailarina: Tereza GonzagaCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Pedro Alcalde / Sergio Caballero (Herrumbre);
    • David Darling (Dark Wood. Serie de solos para chelo electrónico)
    • Escenografía: Jaffar Chalabi 
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Brad Fields
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Liceu (Forum Barcelona 2004) el 2 de agosto de 2004.
    • El hierro que fue eje, los aceros
    • que integraron las bielas,
    • el cobre que condujo la energía
    • y todos los metales
    • que, bajo formas agrias y angulosas, 
    • dieron cuerpo a las piezas de la máquina,
    • que giraron
    • con ritmo exacto y actitud sumisa,
    • con ciega fuerza y fe no menos ciega
    • en provecho del hombre y su esperanza,
    • yacen aquí, confusos, desvaídos,
    • sumidos en idéntico desprecio,
    • disueltos en orín y sal, dejados
    • de la mano que un día los creara. 
    • Podría salvarse algo todavía, 
    • aún es posible la llegada
    • de una segunda mano que, piadosa,
    • restañe las heridas de la herrumbre,
    • despliegue la caricia del aceite
    • sobre la piel roída del acero;
    • mas todo, en general, está perdido.
    • El fuego
    • igualará las ruedas y los vástagos,
    • confundirá los muelles y los émbolos,
    • devolverá las tuercas desgastadas
    • a la inercia y la nada minerales,
    • a la materia original
    • de donde 
    • surgirán otras formas limpias, puras,
    • libres acaso para siempre
    • del estigma fatal de la chatarra.
    • CHATARRA
    • Ángel González

    "Para los puristas de la danza clásica, Nacho Duato y consecuentemente la Compañía Nacional de Danza […] -escribe Carmen del Val- representan un claro exponente de danza contemporánea por la expresión y las formas con que están creadas las coreografías que integran el repertorio de la Compañía". Ya desde un principio, en Nacho Duato el compromiso del creador con su obra tuvo el alcance de la concepción global, es decir, el coreógrafo no se limitaba a componer los movimientos y los gestos del espectáculo, sino que se imponía una activa participación en el concepto de la obra, el espacio escénico, el vestuario y la iluminación. Nacho Duato no es simplemente un brillantísimo coreógrafo innovador y un extraordinario bailarín, sino sobre todo un artista intensamente comprometido con su obra. Lo demostrará una vez más en su nueva creación, "Herrumbre", inspirada en la tortura, que ha concebido en ocasión del Forum de las Culturas de Barcelona. 

    En cuanto a Herrumbre el coreógrafo trata sobre la tortura, sobre los extremos denigrantes a los que puede llegar un ser humano, hasta perder totalmente la dignidad. Compara al hombre con el hierro, cuando se oxida, cuando el alma se convierte en herrumbre. “Es llamativo cómo nos hemos acostumbrado a vivir con el problema de la tortura, como pasamos por las páginas de los periódicos que reflejan estos actos intolerables con absoluta pasividad, sin detenernos a reflexionar, sin ánimo de lucha. Recuerdo el día en que encontré una fotografía en un diario que me produjo una intensa tristeza. Se trataba de una imagen de Guantánamo en la que se podía observar a un grupo de presidiarios agarrados a una alambrada metálica con las miradas perdidas, sin ninguna intención en sus rostros, absolutamente alienados. Seres humanos convertidos prácticamente en alimañas, como método de protección hacia torturas físicas y psicológicas de todo tipo. La imagen no era especialmente agresiva. Pero sí absolutamente desoladora. Junto a imágenes como ésta podemos encontrar fácilmente anuncios de agencias de viajes donde se nos proponen vacaciones en lujosos hoteles cercanos a los lugares donde se están produciendo estas vejaciones. Es repugnante que hayamos llegado a esto. 

    Reconozco que el tema de la tortura no puede estar más de Newsletteraunque es algo que me venía persiguiendo desde hace tiempo como posibilidad para tratar en una de mis creaciones. Las barbaries que se cometen todos los días contra los más elementales derechos humanos no pueden seguir siendo ignoradas por más tiempo. Es un tema hiriente y desagradable, que incomoda a todo aquel que se enfrenta a él. No debemos, sin embargo, volver la vista e ignorar, sino más bien al contrario. Hay que encarar el problema de frente, denunciando a los culpables, ayudando a las víctimas, asumiendo nuestra responsabilidad.

    Voy a contar con dos de mis colaboradores más fieles. Uno es Jaffar Chalabi, el arquitecto vienés de origen iraquí que viene colaborando conmigo desde Multiplicidad, habiendo diseñado también para la CND Ofrenda de Sombras, Txalaparta y Castrati. Nos compenetramos estupendamente. Es una persona muy sensible que entiende perfectamente lo que quiero y que lo traduce a escenografías austeras, elegantes, que no distraen la atención de la danza. Lo mismo me ocurre con Brad Fields, el responsable de iluminación del American Ballet Theater. También ha diseñado las luces de una buena parte de mis últimos ballets. Se ciñe a lo que necesito y resuelve mis propuestas con una efectividad y creatividad notables. 

    En cuanto a la música, parto de una composición para chelo electrónico de David Darling, de su obra Dark Wood. Para contrarrestar esta música, que es muy lírica, como un adagio sin fin, encargué una composición a Pedro Alcalde y Sergio Caballero, director del Festival Sónar en Barcelona. Les pedí que hicieran algo con ruidos metálicos, ambiente de cárceles, golpes, etc… Creo que el resultado es impresionante, es una música que incomoda, que crea una atmósfera de opresión, violenta en ocasiones y en otras suspendiéndose encima de los bailarines en lo que podría interpretarse como esperas de seres aterrorizados”.

    Nacho Duato

     

    CNDanza- Herrumbre Nacho Duato

  • ARCHIVO CND. REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    Hevel. Nacho Duato. Bailarines: Tamako Akiyama y Joel ToledoCoreografía: Nacho Duato
    Música: Pedro Alcalde / Sergio Caballero (música original)
    Escenografía: Jaffar Chalabi 
    Figurines: Nacho Duato
    Diseño de luces: Brad Fields

    Estreno por la Compañía Nacional de Danza en el Teatre-Auditori Sant Cugat (Barcelona), el 30 de noviembre de 2007.

    En la antigua poesía hebrea, la palabra “hevel” formaba parte del repertorio de imágenes, que como “agua”, “sombra” o “humo”, servían para describir la fragilidad y el carácter efímero de la condición humana. Su uso quizá más destacado se encuentra en el arranque del libro de la Biblia, habitualmente llamado Eclesiastés(Qohelet I, 2). “Hevel” quedó fijado en la versión de la Vulgata como “vanitas”, y de ahí “vanidad”. Hevel Hevelym … hakol Hevel: Vanitas vanitatum, omnia vanitas. En traducciones modernas del texto encontramos propuestas como “vacío”, “vapor” o incluso “desperdicio” (Erri De Luca: “sprecco”). Desde la tradición hebrea, la Biblia de Ferrara (1553) traduce concisa: “nada de nadas, el todo nada”. Así mismo Hevel (Abel), es el segundo hijo de Adán y Eva, asesinado por su hermano Caín. De acuerdo a la historia bíblica, la suya fue la primera muerte de un ser humano. El significado de la palabra resuena de forma simbólica pero clara en su nombre.
    Es en su uso como vanitas, como nada, lapso o vacío, donde “hevel” tiene su sentido aquí.

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    Jardí Tancat. nacho Duato
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: María del Mar Bonet
    • Escenografía y figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.) (según el diseño original de Joop Caboort)
    • Estrenado por el Nederlands Dans Theater 2 en Hoorn, el 19 de diciembre de 1983.
      Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Albéniz de Madrid, el 3 de abril de 1992.
    • Jardí Tancat significa jardín cerrado en catalán. Los textos son cantados en el mismo idioma por la cantante Mª del Mar Bonet. Se trata de textos populares centenarios a los que la cantante ha puesto música. Son cantos de faena de la tierra y la mar en los que la voz cantante pregona tanto la dureza de su trabajo como sus cuitas amorosas.
      A nuestros oídos esta música nos suena triste y melancólica. Sin embargo, ésta no es siempre la intención, como tampoco corresponde en todos los casos con el contenido de los poemas.
      El reparto de tres dúos ofrece al coreógrafo suficientes posibilidades para expresar disposiciones de ánimo, sea por el conjunto de bailarines, sea por dúos o individualmente. El ballet adquiere un carácter atávico, como si fueran la lluvia y el viento quienes determinaran el movimiento.
      "Sabía que mis canciones nacen con ritmo, pero cuando lo conocí de verdad fue el día que Nacho Duato las bailó. Cuando ví la primera coreografía, Jardí Tancat, me emocioné: él les había dado otra vida, eran independientes y a la vez ligadas a mí, pero con un nuevo palpitar, un camino diferente. 
      En Jardí Tancat hay una cosa que me tiene realmente fascinada, y  es el tratamiento de las canciones de trabajo de Mallorca que yo canto a capella: son cantos que forman parte de nuestra tradición mallorquina más antigua, pero que ya no se cantan allí donde nacieron ni para aquello por lo que nacieron, que es el trabajo en el campo, pues este ha cambiado mucho. Quedan pocos rincones en en campo de Mallorca donde se conserven las faenas del mundo campesino tal y como eran hace nada más cuarenta o cincuenta años. Pues bien, cuando Nacho las ha coreografiado, les ha devuelto este papel de piezas únicas, como de piedras preciosas. 
      Nunca me cansaré de decir que estas coreografías de Nacho Duato han significado uno de los regalos artísticos más importantes que me hayan hecho. Creo que son de aquellas cosas cosas que van de la mano con las emociones más profundas, y que son tan difíciles de explicar con palabras." 
      Gracias, Nacho 
      María del Mar Bonet 
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    • Jardín Infinito. Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    • Música (*): Pedro Alcalde, Sergio Caballero 
    • (música original) Alfred Schnitke y
    • Piotr Ilich Chaikovski (fragmento)
    • Escenografía: Jaffar Chalabi
    • Diseño de Luces: Brad Fields
    • Figurines: Carral Asociados
    • Realización de Escenografía: Odeón Decorados
    • Realización de Vestuario: Sastrería de la CND
    • Dedicado a Chéjov en el 150 aniversario de su nacimiento.
    • En colaboración con el Festival Internacional de Teatro Antón Chéjov de Moscú, con el apoyo del Gobierno de Rusia y del Gobierno de Moscú
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real el 17 de febrero de 2010.

    “Jardín Infinito es un homenaje a Antón P. Chéjov. He tratado de impregnarme de la personalidad de este gran escritor, de cómo vivía y de lo que sentía por sus semejantes y por el mundo que le rodeaba. Jardín Infinito no está basado en ninguna de las obras de Chéjov en concreto. No quería que situaciones, alusiones o anécdotas relacionadas con ellas constituyeran la base de mi trabajo, definitivamente abstracto. Me he inspirado en su mundo, en su personalidad y en su obra para extraer una visión particular y personal de todo ello.

    Para la música seleccioné en primer lugar los cuatro himnos de Alfred Schnitke tanto por su belleza intrínseca como por considerarlos afinados en el mismo tono de Chéjov. Pedí al mismo tiempo a Pedro Alcalde y a Sergio Caballero que crearan una música original que arropara estos himnos y que los situase en una arquitectura sonora que englobara el conjunto del ballet. Para ello han realizado un trabajo con palabras y textos extraídos del Cuaderno de Notas de Chéjov acompañado de microcomposiciones no rítmicas para diferentes instrumentos de percusión. La coreografía no utiliza las palabras y los textos de forma literal pero si considerando siempre su extremado valor musical. En su trabajo de estructuración del total han añadido un Himno Sacro de Schnitke para coro a capella, un fragmento de Chaikovski como referencia al compositor que tanto admiraba Chéjov y un pequeño fragmento con sonidos de la naturaleza pero abstraído de todo valor referencial.

    El decorado, diseñado por Jaffar Chalabi, puede trasladarnos a un sinfín de escenarios muy diferentes. Podemos estar viendo el skyline moscovita o el paisaje de la estepa. Podemos imaginar tejados de casas o también una montaña. Cuando la estructura se coloca a nivel del suelo, nos permite recortar el espacio y sugerir ambientes más íntimos, como la habitación donde escribía Chéjov o incluso una callejuela de alguno de sus cuentos. Cuando la estructura se eleva y se coloca suspendida a cierta altura, podemos visionar espacios abiertos en la naturaleza, paisajes y bosques. Y sin embargo mantiene siempre el carácter abstracto que siempre ha perseguido esta creación.

    Otro médico y escritor, Arthur Schnitzler, (coetaneo de Chéjov) definió el alma humana como una “tierra amplia”. Es esa tierra amplia a la que Chéjov dedicó su vida entera a observar, describir y cultivar con el esmero con el que se cuida un jardín. Su clara visión de la fragilidad y la complejidad de las relaciones humanas ha llegado hasta nosotros gracias a su obra. El título, Jardín Infinito, hace alusión a ello. Además de que considero que la obra de todo gran espíritu es infinita, nunca se acaba y nunca morirá.”

    Nacho Duato

    Palabras y textos utilizados en Jardín infinito

    Cuando empezamos a trabajar con la música para la coreografía dedicada a Antón Chéjov, pensamos en la palabra y la percusión como principales ejes de la paleta sonora que utilizaríamos para componer. Necesitábamos que esa palabra no fuese una historia o una obra teatral, para evitar en todo momento la tentación de la narratividad.

    Por eso utilizamos textos y palabras extraídos de su Cuaderno de notas, que, sin caer en la dramaturgia de una obra acabada, nos sumergían en un mundo más personal de Chéjov: el de su cantera.

    Era la sonoridad de la palabra lo que nos interesaba: apuntes, esbozos, pinceladas donde el texto es todavía material en bruto. Desde ese mismo lugar la voz tarareará el estribillo de una popular romanza o podrá enumerar los elementos de la taiga rusa.

    El ballet empieza con un listado de títulos de las obras de Chéjov. La parte central la componen pequeñas frases o párrafos que el escritor iba anotando, para utilizarlos ocasionalmente en alguna de sus obras y la parte final son palabras sueltas del Cuaderno. 

    • Algunos ejemplos:
    • Alerce
    • Serbal

    Una fábrica, 1000 obreros. De noche. El sereno golpetea su pequeña tabla. Tanto trabajo, tantos sufrimientos y todo por esos inútiles y despreciables dueños de la fábrica. Una madre estúpida, una gobernanta, una chica… La hija cae enferma, llaman a un profesor de Moscú, pero no viene, envía a un discípulo. El discípulo, de noche, escucha los golpes del sereno y medita. Le hacen pensar en alguien que clava pilotes en la tierra. “¿Pero será posible que toda mi vida tenga que trabajar como estos obreros para personas tan nulas, caprichosas, groseras, holgazanas, estúpidas?”

    • Cuanto más uno se cultiva, más infeliz se vuelve.
    • El pulgón roe las plantas; la herrumbre, el metal; la mentira, el alma.
    • Los médicos no son dioses.
    • Un hombre honesto llega a sentir vergüenza, a veces, delante de un perro.
    • ¡Oh si la vida pudiese ser de tal forma que todo se volviese más joven y más bello!
    • Suba, suba usted esa escalera que llaman la Civilización, el Progreso, la Cultura; ascienda, sí, se lo aconsejo sinceramente. ¿Qué adónde sube? no tengo la menor idea.
    • Este cuaderno pertenece a A. P. Chéjov
    • Pedro Alcalde y Sergio Caballero
  • ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    • Kaburias. Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Leo Brouwer (Elogio de la Danza)
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Festival Internacional de Danza de Itálica en Sevilla, el 22 de junio de 1991.
    • Kaburías es un solo inspirado en la música de guitarra de Leo Brouwer. El coreógrafo rememora el embrujo del flamenco utilizando el enfrentamiento entre dos mundos: el del Kabuki y el del Flamenco (bulerías).

      Este solo se estructura en dos partes: en la primera, los movimientos del bailarín nos recuerdan al mundo del Kabuki. Y, en la segunda, se puede ver la influencia del arte Flamenco acentuada por el vestuario  (faldas y volantes). 

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    Kol Nidre. Nacho Duato
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: John Tavener, Arvo Pärt y John Zorn
    • Escenografía y Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Joop Caboort
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza 2 en el Teatro de Madrid, el 22 de enero de 2009. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Gran Teatro Falla de Cádiz, el 30 de octubre de 2009

    Kol Nidre es el nombre de la declaración recitada en la sinagoga, previa al comienzo del servicio vespertino del Yom Kipur. Su nombre está tomado de las palabras iniciales de la declaración y es un tiempo para reflexionar y perdonar.
    Sobre esta base Duato construyó su segunda creación original para la Compañía Nacional de Danza 2 y a partir de octubre de 2009 se incorpora también al repertorio de la CND. Un trabajo más introspectivo y espiritual que reflexiona sobre la situación de los más jóvenes en los conflictos bélicos. Los llamados “niños de la guerra”.

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    L'Homme. Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    Música: György Kurtág (Játékok, volumen I a VIII) Átiratok Machaut-tól J. S. Bach) (interpretada al piano por György y Marta Kurtág y Pedro Alcalde)
    Escenografía: Nacho Duato
    Figurines: Nacho Duato (con la colaboración de Ismael Aznar)
    Diseño de Luces: Joop Caboort

    Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real de Madrid, el 30 de abril de 2003.

    La coreografía utiliza una selección de las obras para piano a dos y cuatro manos de György Kurtág contenidas en los volúmenes I a VIII de su serie Játékok y tres de sus transcripciones de J. S. Bach para piano a cuatro manos del volumen Átiratok Machaut- tól J. S. Bach.
    L´Homme comienza con una obra epigramática en el catálogo del compositor: “Virág az ember...” (Játékok VIII/I,3A: “Flowers we are, Mere Flowerers...”). El título proviene de un fragmento del escritor húngaro del siglo XVI, Péter Bornemisza, al que Kurtág dedicó uno de sus más importantes ciclos vocales (op. 7). Tanto la “flor musical” que la compone, como su texto, suponen una de las piedras angulares sobre el que se construye el mundo sonoro del compositor. Y es precisamente esta composición en la que Duato se inspira originalmente para hablarnos en su coreografía sobre el carácter efímero de la existencia, sobre la fragilidad humana tan similar en su condición perecedera y en su brevedad a la que pudiéramos encontrar en el ciclo vital de una flor.
    A continuación, las tres transcripciones para piano a cuatro manos de obras de J. S. Bach enmarcan a modo de pilares las breves composiciones de Játékok, siguiendo el modelo de interrelación propuesto por el mismo compositor y su esposa Márta en numerosos recitales y en su grabación para el sello alemán: ECM.

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    • Lamento. Nacho Duato. Música: Henryk M. Górecki Sinfonía Nº 3Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Henryk M. Górecki Sinfonía Nº 3
    • Escenografía: Walter Nobbe
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Edward Effron
    • Estrenado por el Nederlands Dans Theater II en el AT&T Danstheater de La Haya , el 24 de mayo de 1990. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real de Madrid, el 13 de septiembre de 2000.

    Para Nacho Duato la necesidad tanto de experimentar como de expresar el movimiento de un modo intenso siempre fue fundamental en su carrera como bailarín. Desde que comenzó a desarrollar su faceta coreográfica, amplió deliberadamente su gama de movimientos de modo que dispusiera de suficiente material a la hora de confeccionar sus creaciones. Esa necesidad de expresar danza es especialmente evidente en su ballet Lamento. Fue su último trabajo como coreógrafo estable en el Nederlands Dans  Theater y supuso un giro en su carrera. Con este ballet Nacho Duato  se propuso crear una pieza intensamente personal. Surgió de una idea básica a partir de la cual trabajó en el estudio con un selecto grupo de bailarines de la prestigiosa compañía dirigida por Jiri Kylián. El ballet trata de multitud de temas, pero el coreógrafo se ha inspirado no sólo en laSinfonía de los Desamparados, de Górecki, sino también en imágenes de seres atormentados y oprimidos que pueblan la obra de Goya o Käthe Kollwitz. En algunas de sus obras, estos artistas retratan el sufrimiento humano. Un lugar donde todo aquello pudiera tener lugar fue el punto de partida para la creación del escenógrafo Walter Nobbe, cuya  colaboración con Duato ha sido larga y fructífera. Duato evoca imágenes dramáticas por medio de movimientos violentos. Las imágenes son claras en cuanto a su carga emocional, no así en cuanto a un significado preciso, al igual que los papeles de los bailarines no son fijos: cualquiera puede convertirse en una víctima, pero también en un verdugo. El ballet muestra cíclicamente como esto puede suceder una y otra vez. De acuerdo con el coreógrafo, esta violencia no puede realmente llegar a comprenderse, pero debe ser contemplada, para dar paso a la reflexión. 

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    • Meditarrania. Nacho Duato. Bailarines: Thoman Klein a Isaac MontllorCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Jerónimo Maesso, María del Mar Bonet, Peter Griggs, Lissa Gerrard
    • Brendan Perry, Juan A. Arteche, Javier Paxariño
    • Escenografía: Nacho Duato
    • Figurines: Luis Devota y Modesto Lomba
    • Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Principal de Valencia, el 10 de julio de 1992. Con el patrocinio de Mediterránia, La Comunidad Valenciana, Generalitat Valenciana. ITVA.

    Habitualmente, una música me inspira a hacer un ballet. En esta ocasión el mar y su luz, el fuego y su significado en nuestra cultura , y la fertilidad de la tierra, han sido mis puntos de inspiración a la hora de crear esta coreografía dedicada a la Comunidad Valenciana. Con este trabajo me gustaría reflejar unas sensaciones e imágenes personales de carácter íntimo: la vigencia de unas raíces cuya esencia, pese al prolongado alejamiento en la distancia y la influencia de otras culturas, siempre sentí en el flujo de mis venas. Para ello, he evitado ingredientes folklóricos, alusiones históricas, anécdotas o referencias a personajes, esperando transmitir, a través del movimiento, la sensualidad del paisaje, la sensibilidad de sus habitantes y el desenfadado culto a lo efímero característicos de esta Comunidad.
    Alejarse del estereotipo ha significado prescindir del artificio en la música, el vestuario o la escenografía hasta llegar a una simplificación que puede resultar aparentemente fría frente a la exuberancia cotidiana en la vida de nuestras gentes; pero sí espero comunicar esa vitalidad en el movimiento. He recurrido para ello a sonidos de percusión y viento, siempre envueltos por el constante batir de las aguas, no sólo porque identifiquen la cultura valenciana, sino por haberme ayudado a descubrir movimientos cercanos a la tierra, de fuerza telúrica, y así contrastar mejor los movimientos más delicados, como los correspondientes a los pasos a dos de El Azahar o de El Mar. 
    Simplemente, he querido profundizar en mis raíces y las de mis antepasados; he tratado de pelar la naranja hasta llegar a la pulpa: el espíritu lúdico y sensual de esta tierra eternamente bañada por el mar. Dedico este ballet a todos aquellos que, como yo, se sientan cómplices con el Mediterráneo. 
    Nacho Duato

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    • Multiplicidad, Formas de Silencio y Vacío - Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Johann Sebastian Bach (collage)
    • Escenografía: Jaffar Chalabi (sobre una idea de Nacho Duato)
    • Figurines: Nacho Duato (con la colaboración de Ismael Aznar)
    • Diseño de Luces: Brad Fields
    • En coproducción con Weimar 99, Capital Cultural Europea.

    • Estreno Mundial en Weimar, en el Viehauktionshalle, el 23 de abril de 1999.
      Pre-estreno en España  en el Teatro Calderón de Valladolid, el 9 de abril de 1999.

    • Multiplicidad, Formas de Silencio y Vacío, es fruto de la coproducción  entre la ciudad de Weimar -capital cultural de Europa en 1999-  y la CND. En junio de 1997, durante la última presencia en el Festival de Weimar de La Compañía Nacional de Danza, la dirección del mismo encargó a Nacho Duato un ballet que de alguna manera tuviera algún lazo con dicha ciudad. Para Duato la respuesta sólo podía ser una: Bach.  El ballet de Duato se inspira pues en la música y la vida de Johan Sebastian Bach y se compone de dos partes.

      La primera, Multiplicidad, es una reflexión coreográfica partiendo fundamentalmente de la maravillosa música del genial compositor. Se caracteriza esta primera parte por una variedad y diversidad coreográficas que concuerdan con los extractos encadenados de distintas piezas musicales de Bach. Constantes cambios de vestuario y escenografía, realzan visualmente este collage musical.

      La segunda parte, Formas de Silencio y Vacío, es de tono más introspectivo, más místico, más espiritual, reflexionando en torno al tema de la muerte, tan presente en la obra de Bach. Musicalmente se apoya fundamentalmente en el Arte de la Fuga.


    CND - Multiplicidad. Formas de Silencio y Vacío, Nacho Duato 

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    • Na Floresta. Nacho Duato. Bailarina: Marina JiménezCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Heitor Villa-Lobos/Wagner Tisso
    • Escenografía: Walter Nobbe
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por el Netherlands Dans Theater 2 en el AT&T Danstheater de La Haya, el 15 de febrero de 1990. Estrenado por la Compañía  Nacional de Danza en los Jardines del Generalife, en Granada, el 24 de junio 1993.

    Na Floresta, es un tríptico musical que recrea la belleza de las selvas amazónicas, recogiendo directamente del folklore la esencia misma de su esplendor. Una energía apasionada recorre este trabajo, creado a través de secuencias plenas de contenido y fluidez. No transmite un mensaje específico sino que, más bien, sirve de pretexto para crear movimiento a partir de la música. Sin embargo, comunica un sentimiento de íntima relación con la naturaleza.

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    • O Domina Nostra de Nacho Duato. Bailarines: Dimo Kirilov y Tereza GonzagaCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Henryk Górecki (O Domina Nostra, opus 55 (1982-1985/90); Sarah Leonard, soprano; Christopher Bowers-Broadbent, órgano)
    • Escenografía: Nacho Duato y Odeon
    • Figurines: Francis Montesinos
    • Diseño de Luces: Joop Caboort
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en Les Nuits de Fourvière, Lyon, el 21 de julio de 2008.

    Nacho Duato aborda esta pieza desde su inspiración estrechamente ligada a la partitura de Górecki del mismo nombre. O Domina Nostra fue concebida por el compositor polaco en 1982, como celebración del 600 aniversario de la Virgen Negra de Jasnogora, un símbolo sagrado de la independencia polaca, a quien, en tiempos de crisis, se encomiendan las oraciones de los creyentes católicos de ese país. La pieza fue revisada por Górecki en 1985 y en 1990. Está escrita para órgano y voz (soprano). Es la figura de la madre de Jesucristo, como enlace entre lo divino y eterno y el hombre y lo telúrico, lo que Duato subraya con este ballet compuesto para diez hombres y una mujer.

    • ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    • Ofrenda de Sombras. Nacho Duato. Bailarín: Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Música Antigua Española - siglos XV y XVI- (Cançons de la Catalunya mil-lenària - El Mestre, popular catalana interpretada por La Capella Reial de Catalunya, Jordi Savall director; Canciones y Danzas de España, y España, Antología de la Música Española )
    • Escenografía: Nacho Duato
    • Figurines: Nacho Duato (con la colaboración de Ismael Aznar)
    • Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.) 
    • Texto: Garcilaso de la Vega
    • Voz: Miguel Bosé
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de Madrid, el 11 de Abril de 1996.

    Duato se ha inspirado en música española de los siglos de oro que junto con los bellísimos versos de Garcilaso de la Vega sirven al coreógrafo como hilo conductor entre la lógica contemporaneidad de la danza en Por Vos Muero y su referencia histórica. En los siglos XV y XVI las danzas formaban parte de la expresión del pueblo, en todos sus estratos, lo cual  redundaba en que supusieran realmente el reflejo de la cultura de su tiempo. Por Vos Muero quiere ser un homenaje a ese papel fundamental que la danza ocupaba entonces en nuestra sociedad.

  • ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    • Por Vos Muero de Nacho Duato. Bailarines: Dimo Kirilov y Tereza GonzagaCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Música Antigua Española - siglos XV y XVI- (Cançons de la Catalunya mil-lenària - El Mestre, popular catalana interpretada por La Capella Reial de Catalunya, Jordi Savall director; Canciones y Danzas de España, y España, Antología de la Música Española )
    • Escenografía: Nacho Duato
    • Figurines: Nacho Duato (con la colaboración de Ismael Aznar)
    • Diseño de iluminación: Nicolás Fischtel (A.A.I.) 
    • Texto: Garcilaso de la Vega
    • Voz: Miguel Bosé
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de Madrid, el 11 de Abril de 1996.

    Duato se ha inspirado en música española de los siglos de oro que junto con los bellísimos versos de Garcilaso de la Vega sirven al coreógrafo como hilo conductor entre la lógica contemporaneidad de la danza en Por Vos Muero y su referencia histórica. En los siglos XV y XVI las danzas formaban parte de la expresión del pueblo, en todos sus estratos, lo cual  redundaba en que supusieran realmente el reflejo de la cultura de su tiempo. Por Vos Muero quiere ser un homenaje a ese papel fundamental que la danza ocupaba entonces en nuestra sociedad.


    • (Next translation) Alternativa textual al vídeo:
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    • RÓTULO CND FILMS PRESENTA
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    • Una mujer con el rostro oculto por una máscara que cubre con su mano izquierda.
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    • Descubre su rostro bajando la máscara a la altura del pecho en vista frontal.
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    • Aparece un bailarín girando tres vueltas con un botafumeiro, la toma es en primer plano abierto.
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    • Una bailarina de perfil, aparece en la zona izquierda de la pantalla y se dirige hacia un bailarín que se muestra de espaldas en la parte derecha y le susurra algo al oído y se gira subiendo el brazo sobre la cabeza. Plano medio.
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    • Una nueva pareja entra por el lado lateral izquierdo de la escena, él evoluciona agachado y ella avanza extendiendo los brazos hacia delante. Los intérpretes son Kayoko Everhart e Isaac Montllor.
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    • La pareja, vestida con mallas ceñidas de color crema, está enlazada por la cintura y muestra un giro hacia la izquierda desde el centro de la pantalla, mientras ella va extendiendo un brazo para crear una diagonal con el brazo extendido de él.
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    • La misma pareja, esta vez vestida de época renacentista, con trajes cortesanos en negro y azul oscuro, aparece en el lado derecho de la pantalla en plano medio abierto. Ella muestra las espalda con los brazos de él que la sujetan para levantarla y llevarla a la parte izquierda de la pantalla.
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    • Nuevamente la misma pareja con mallas ceñidas evoluciona en la pantalla con un giro en que él la mantiene a ella en alto extendida en diagonal.
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    • Hasta el minuto 0:46.1 se da una alternancia de imágenes en la que contrastan los trajes de época con los contemporáneos. Pasos y giros de esta pareja, van creando bellas armonías, en plano medios, sobre el espacio negro sin anécdotas.
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    • Finalmente aparece sola la bailarina que con los brazos en cruz alza dos máscaras blancas hacia los alto y las dirige a cubrir su rostro unidas una con la otra de modo que parece que solo hay una.
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    • Con esta imagen centrada y mirando al frente, va a apareciendo el título: Por Vos Muero Nacho Duato sobre ella.
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    • Un nuevo fundido a negro nos lleva a los créditos finales: Compañía Nacional de Danza. Teatro de la Zarzuela del 27 de mayo al 10 de Junio. Redes de la CND, anagrama del Inaem.
  • ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/11

    • Raptus de Nacho Duato. Bailarines: Nacho Duato y Tamako AkiyamaCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Richard Wagner Wesendonklieder 
    • Escenografía: Walter Nobbe
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Joop Caboort
    • Estrenado por el Nederlands Dans Theater en el AT&T Danstheater, la Haya, el 20 de octubre de 1988.
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela, Madrid, el 22 de noviembre de 1996.
    • Raptus, cuya característica principal radica en  sus apasionados movimientos, está montado sobre las románticas y emotivas canciones Wesendonklieder de Richard Wagner. La muy intensa relación, aunque sin esperanza y por tanto destinada a la ruptura, entre  Wagner y María Wesendonk, constituyó la inspiración de estas canciones. Aunque el coreógrafo no retrata literalmente este conflicto, las imágenes y la atmósfera que crea transmiten indudablemente una emoción evocadora. La escenografía de  Walter Nobbe  juega aquí un importante papel. Consiste en dos grandes  y  gruesos paneles movibles una de cuyas caras está cubierta con material reflectante y la otra con imágenes del hombro y la cabeza de un hombre y de una mujer.

      La impresión global de Raptus es sobrecogedora, con pasiones incontroladas que llevan a la destrucción. Es un ballet de enorme intensidad, en movimiento, emoción y escenificación.

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    Rassemblement - Nacho Duato. Pareja
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Toto Bissainthe (Rasanbléman)
    • Escenografía: Walter Nobbe
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.), según del diseño original de Dick Limdsctröm
    •  
    • Estrenado por el Cullberg Ballet en el Hjalmar Bergman Theatre de Örebro, el 27 de febrero de 1990. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Lírico Nacional La Zarzuela de Madrid, el 13 de diciembre de 1991.

    En esta ocasión Duato ha virado su rumbo hacia las tierras de Haití y la cadenciosa música de Toto Bissainthe, que le brindan la inspiración en una suite en el estilo nítido y trepidante de Jardí Tancat. Cuatro parejas en descoloridos trajes de faena inician el ballet lentamente, hasta llegar a un sobrecogedor final, con la palabra "liberté" coreada repetidamente en la canción.

    Pese a la aparente sencillez de los medios utilizados, Rassemblement es una creación que, gradualmente, a través de los poderes liberalizadores de la música y la danza, demuestra ser un impresionante y conmovedor llamamiento a la conciencia del público sobre los derechos humanos.

    Peter Bohlin, de la revista Ballet International. Rassemblement se enmarca dentro de un grupo de canciones que la compositora y cantante Toto Bissainthe dedica a su tierra, Haití.

    Son canciones de esclavos atraídos por el culto Vudú. En ellas hablan de su vida cotidiana, del sufrimiento del exilio y del anhelo de Africa, no como lugar geográfico, mas como tierra mítica de libertad. Expresan su resistencia al colonizador, el rechazo a su política, religión, cultura y lengua. Gracias a los vínculos establecidos entre ellos en este nuevo mundo, los esclavos han podido conquistar su independencia.

     El Capital, al desarrollarse en Haití, ha transformado el sentido del Vudú. El Vudú, que era para los campesinos pobres y explotados una celebración de las raíces africanas, ha llegado a ser una religión , uno de los aparatos de poder. El nacimiento del Vudú en una tierra de exilio, primera lengua común de todos los esclavos de razas diferentes, fue un momento vital, creador, una unificación cultural que iba a transformar el mundo: una apertura de límites.

    Este es el momento al que se refieren las canciones de Toto Bissainthe: cantar a todos los hombres, a través de las palabras de Haití y de su música tradicional, reuniendo otras formas musicales y abriéndose a una música contemporánea sin fronteras.

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    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Enrique Granados
    • Escenografía y Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (según versión de Nacho Duato y Brad Fields)
    • Estrenado por el American Ballet Theater, en el City Center de Nueva York el 5 de noviembre de 1997. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de Madrid, el 5 de junio de 1998.

    Remansos, sobre los Valses Poéticos de Granados, estrenado en Nueva York por el American Ballet Theater en noviembre de 1997, recibió los mayores elogios por parte de la crítica especializada. Fuerza expresiva, geometría de líneas, utilización dinámica del espacio y las formas, fueron algunos de los comentarios suscitados por el trabajo de Duato. A partir de aquella primera versión, el coreógrafo ha alargado la obra para La Compañía Nacional de Danza, coreografiando en esta ocasión tres de las hermosísimas danzas populares del compositor y dando lugar a este Remansos. Montado sobre música de piano de Enrique Granados, e inspirado en el mundo de Lorca, Remansos derrocha ingenio, ofreciendo contínuos guiños al espectador basados en la perspicacia de su movimiento. Enrique Granados nació en Lérida, el 27 de julio de 1867. Estudió piano en Barcelona y París. A lo largo de su vida fue compositor, profesor e intérprete solista. Su obra comprende fundamentalmente trabajos para piano y música vocal. Incluso sus más tempranas creaciones reflejan una nueva dirección en la música española. Inclinado hacia gustos populares, toda su música es de una calidad excepcional y un original estilo. Granados murió joven: el barco en el que viajaba fue alcanzado por un torpedo de un submarino alemán y naufragó. Aunque logró alcanzar un bote salvavidas, vió a su mujer ahogándose y se lanzó de nuevo al mar: ambos perecieron.

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    • Romeo y Julieta. Nacho Duato. Bailarina: Luisa María AriasCoreografía: Nacho Duato Música: Sergei Prokofiev 
    • Escenografía: Carles Pujol y Pau Rueda
    • Idea original de Figurines, Escenografía y Diseño de Luces: Nacho Duato
    • Figurines: Lourdes Frías
    • Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I) –sobre un primer trabajo de Miguel Ángel Camacho
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria el 8 de enero de 1998.

    Romeo y Julieta es una de las obras más populares de William Shakesperare. Su densidad emotiva es, probablemente, la causa de la fascinación que ha ejercido a lo largo de todos los tiempos. La coexistencia en ella de elementos líricos y trágicos anuncia un nuevo estadio de la evolución dramática de su autor. Cuatro conceptos son determinantes en Romeo y Julieta: el destino, los presagios que preludian un fin trágico; la acción, propiciada por la enemistad de las dos familias y la precipitación en las decisiones; el amor, en continuo contraste con el odio; y la muerte como única forma de perpetuar un amor que tan sólo encuentra obstáculos a su paso.
    De entre todas las obras de Shakespeare la que se ha visto transportada más veces a ballet ha sido Romeo y Julieta. Para dar con la primera escenificación del ballet hay que retroceder hasta 1785, en que la estrenó un tal Eusebio Luzzi en Venecia. Sin embargo, la mayoría de estas obras han sido creadas durante los últimos treinta años. El responsable de esto no es Shakespeare sino Prokofiev. La partitura -que él compuso antes de la guerra y que el Kirov estrenó en Leningrado, con coreografía de Leonid Lavrovsky - es un auténtico prodigio de música escrita para ballet del siglo XX.
    Siguiendo la más genuina tradición del país, la vinculación de los primeros compositores rusos con la danza ha sido permanente. Resulta extremadamente difícil que algún compositor ruso no nos haya dejado inolvidables partituras de ballet.

    Mi Romeo y Julieta
    El 8 de enero de 1998 estrené en Santander, con la Compañía Nacional de Danza, Romeo y Julieta, ballet sobre música de Sergei Prokofiev en versión de dos actos. Mi objetivo fue que la coreografía se ciñera fielmente al drama de Shakespeare, pero, sobre todo, intenté montarla respetando al máximo la partitura de Prokoviev.
    El concepto general de la obra en cuanto a escenografía, vestuario e iluminación parte de mi idea original, si bien tuve la enorme suerte de contar para su realización con maravillosos colaboradores como son: Lourdes Frías para el diseño de vestuario, Pablo Rueda y Carles Pujol, del equipo de Talleres del Centre Cultural Sant Cugat, para el diseño y realización de la escenografía y Nicolás Fischtel para el diseño de luces, sobre un primer trabajo de Miguel Ángel Camacho. 
    Romeo y Julieta supuso sin duda un reto para mí como coreógrafo, así como para todos los implicados en su realización. Mar Baudesson e Ivano Rossetti encabezaron el reparto como Julieta y Romeo. La idea de realizar un ballet sobre el drama de Shakespeare me había perseguido durante muchos años. Pero fue en aquel momento, después de haber estrenado más de cuarenta coreografías y contando con un elenco de bailarines dentro de La Compañía Nacional de Danza en perfecta sintonía con mi línea artística, cuando me decidí a dar ese importante paso en mi carrera. 
    El tema de Romeo y Julieta ha sido tratado por numerosos coreógrafos, incluso al margen de la música de Prokoviev. En mi caso he querido dar un enfoque más humanista a la historia de los amantes de Verona, acercándola de alguna manera -siempre a través del movimiento- al hombre contemporáneo. Mi trabajo se centra en la expresión del drama de Shakespeare a través de la danza en sí misma, intentando despojar la obra de todo lo superfluo que pudiera relegar a un plano secundario lo que siempre ha sido mi prioridad: la expresión a través del movimiento. Intento producir un lenguaje directo y humano, de modo que la historia conmueva rápidamente, desarrollándose con creciente interés hasta su trágico final. 
    Este Romeo y Julieta no quiere quedarse en la anécdota particular de aquellos dos amantes, sino que quiere hablar al espectador de algo más univesal, que siempre estuvo en el drama de Shakespeare: la historia que nos cuenta cómo la pasión y el amor pueden vencer terribles obstáculos, superando muros de odio e incomprensión que se alzan a menudo entre los seres humanos. Pretende ser pues una coreografía que, aunque inspirada en una historia del pasado, hable al hombre contemporáneo de su propia realidad. 
    Nacho Duato

    CND - Romeo y Julieta, Nacho Duato

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    Self. Nacho Duato
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Alberto Iglesias
    • Escenografía y Figurines: Nacho Duato
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria, Santander, el 17 de Abril, 1997. En colaboración con el Thêatre de Saint-Quentin-En-Yvelinesde París.
    • ¿Quién es esa persona que se aloja en el interior de cada ser humano? ¿Llegamos a conocernos realmente como somos? ¿Llegamos a conocer a la persona que se encierra en los demás seres humanos con los que convivimos? En todo caso, la persona es única y distinta en cada hombre y en cada mujer. En un mundo donde lo material parece apoderarse de nuestras vidas, la persona en sí misma se está viendo devaluada. Parece pues un momento oportuno para reflexionar sobre su esencia, como algo que trasciende ese mundo material, como algo que mantiene su valor a pesar de todos los factores ajenos que ejercen presión sobre su univocidad desde el exterior. Esa persona que nos acompaña durante toda nuestra existencia, puede llegar a significar  un sólido apoyo, pues constituye la verdadera realidad en cada uno de nosotros.

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    Sinfonía India. Nacho Duato
    • Coreografía: Nacho Duato
    • Música: Carlos Chávez (Sifonía India, 1936)
    • Escenografía: Walter Nobbe
    • Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por el Nederlands Dans Theater en el Circus Theater de Scheveningen, el 7 de junio de 1984. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la  Zarzuela de Madrid, el 8 de octubre de 1987.
    • Sinfonía India está compuesto sobre la obra del mismo título del músico mexicano Carlos Chávez, que la había estrenado al frente de la Columbia Broadcasting Symphony Orchestra, en Nueva York, el año 1936. Aunque Chávez, fallecido en 1978 a los 79 años, fue un músico de la escuela nacionalista, raramente utilizó elementos folklóricos mexicanos en sus composiciones. Sinfonía India, sin embargo, muestra un excepcional despliegue de sonoricades autóctonas, sobre todo en el ámbito de la percusión, escrita originalmente por Chávez para un grupo de instrumentos indios primitivos: tambor yaqui, sonaja de barro, sonaja yaqui de metal, raspador yaqui, calabaza de agua, tenabari (collar de capullos de mariposa), teponaxtle (especie de xilofón), grijutian (collar de pezuñas de ciervo) y tlapanhuehuetl (gran bombo).

      El coreógrafo ha respetado los orígenes folklóricos que inspiran la partitura y los ha vertido también en su ballet, no en la estructura ni el movimiento, sino en la idea generadora, que resuena con los ecos míticos del México precolombino y de manera más evidente, en la escenografía y el vesturario.

      “El ballet contiene una referencia a una danza ritual de los indios mexicanos, -dice Duato- en la que una persona era sacrificada y su corazón ofrecido al Sol. Esta referencia aparece, en el ballet, como algo simbólico, abstracto, ya que aunque los movimientos tienen un aire arcaico, el estilo es totalmente contemporáneo.”

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    • Sueños de Éter. Nacho Duato. Bailarina: Luisa María AriasCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Marcel Landowski (Concerte pour ondes Martenot, 1954)
    • Escenografía: Nacho Duato
    • Figurines: Lourdes Frías 
    • Diseño de luces: Brad Fields
    • Estrenado por la Nederlands Dans Theater en el Lucent Dans Theater de la Haya el 11 de septiembre de 1986. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria de Santander el 5 de abril de 2002.

    Sueños de Éter fue originalmente creado por el Director Artístico de La Compañía Nacional de Danza para el prestigioso Nederlands Dans Theater. El ballet nos sitúa en un mundo onírico, donde ocho mujeres danzan sus sueños/pesadillas en una atmósfera cargada de opresión y sufrimiento. La música de Landowski evoca un mundo donde todo se traduce en un discurso metafísico a través del cual la vida se entiende a través de los sonidos. La alegría, la meditación, la pena, la frustración, el deseo, todos las emociones que desarrollan las ocho intérpretes de este ballet tienen de algún modo su origen en el Concierto para ondas Martenot para percusión y orquesta de cuerdas del maravilloso compositor francés. El vestuario que lleva a cabo Lourdes Frías y el diseño de luces firmado por Brad Fields suponen para este estreno por la Compañía Nacional de Danza una realización de lujo.

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    • Synaphai. Nacho Duato. Bailarina: Catherine AllardCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Iannis Xenakis (Synaphai, concierto para piano y orquesta)
    • Vangelis (Heaven and Hell)
    • Escenografía y figurines: Walter Nobbe
    • Diseño de luces: Edward Effron
    • Estrenado por el Nederlands Dans Theater en el Circustheater de Scheveningen, el 16 de enero de 1986. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en en el Lensoviet Palace de Leningrado, el 22 de noviembre de 1990.

    Synaphai, concierto para piano y orquesta del compositor Iannis Xenakis, motivó a Nacho Duato para expresar plásticamente la idea coreográfica central de este ballet: opresión, amenaza, incomunicación, son algunas imágenes en las que se ha inspirado el coreógrafo.

    Duato ha querido resaltar aquí el sentimiento humano desde un punto de vista esencialmente individual. El ballet está estructurado en tres partes: en la primera un grupo de ocho bailarines se mueve en bloque, bajo una extraña confusión que, en siete lenguas diferentes, narran al unísono un texto escrito por el propio Duato acerca de la supervivencia, la muerte, la soledad. Los movimientos, con pinceladas hieráticas, recuerdan los dibujos de los monumentos funerarios egipcios.

    La música de Xenakis se oye en la segunda parte, durante la cual el conjunto se desintegra, desarrollándose una serie de solos, dúos, tríos,... con movimientos bruscos y desesperados. Los bailarines sienten una constante atracción del suelo, como una fuerza que se apoderara de ellos. Quieren liberarse, luchan contra el muro sin conseguirlo.

    En el último paso a dos, con música de Vangelis (Heaven and Hell), se abre un camino esperanzador. Es la calma después de la tempestad. El ballet no nos ofrece una solución definitiva a la tensión y a la angustia humana; sólo una respuesta individual podría llevarnos a una conclusión.

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    • Tabulae de Nacho Duato. Bailarina: Luisa María AriasCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Alberto Iglesias
    • Figurines: Nacho Duato, con la colaboración de Ismael Aznar
    • Escenografía : Nacho Duato
    • Diseño de luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Madrid, el 14 de abril de 1994. 
    • “There were ghosts that returned to earth to hear his phrases,
    • “Hubo espíritus que retornaron a la tierra para escuchar sus frases, 
    • As he sat there reading, aloud, the great blue tabulae.
    • Mientras él, sentado, leía en voz alta la gran tabla azul. 
    • They were those from the wilderness of stars that had expected more
    • Eran aquéllos que provenían de lo más desierto de las estrellas, los que habían anhelado más” 
    • “There it was, word for word,
    • “Allí estaba, palabra tras palabra, 
    • The poem that took the place of a mountain”
    • El poema que ocupó el lugar de una montaña” 
    • Wallace Stevens, Collected Poems Wallace Stevens, Antología Poética

    Aunque estos fragmentos poéticos fueran un punto de arranque para este nuevo ballet, algo que nos pusiera en el mismo tono, también es cierto que la experiencia anterior de Cautiva nos había dejado en ese lugar suspendido que permite llamar a algunas cosas con el mismo nombre.

    Esas claridades trazaron la doble naturaleza del primer compás y su evaporación en el movimiento. Después cuidamos el juego misterioso de las alternancias, que fijan lo poético tanto en la danza como en la música. Y ya, desde ahí, cada uno inventó a su manera y mientras uno llamaba a lo suyo ’impulsar’ el otro lo llamaba ’acrecentar’; y si uno decía ’rotar’, el otro prefería decir ’colgarse de un punto’. Y así tan cruzados podían estar los sentidos que en un cuadro de ambivalencias ’abrir’ sería ’olvidarse’, ’cerrar’ es ’repetir’ y ’nada’ es ’nada’. ’Obsesión’ es ’obsesión’ y ’fuente de seda’ es ’algo que no se ve pero que adquiere un dominio’.

    Esos y otros han sido nuestros términos pero que quedan escondidos/sumergidos, al igual que la ciudad olvida su construcción y ofrece sus calles o sus esquinas como si hubieran sido hechas hace mucho tiempo.

    Nacho Duato y Alberto Iglesias
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    • Txalaparta. Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Kepa Junquera y Oreka Tx
    • Figurines: Nacho Duato
    • Escenografía: Jaffar Al Chalabi
    • Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
    • Duración: 27’ 50”
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real de Madrid, el 18 de mayo de 2001.
    • La Txalaparta es un instrumento de percusión tradicional del País Vasco. Está formado por uno o dos tablones de madera colocados sobre dos soportes cubiertos de un material aislante. La madera vibra libremente cuando la golpean dos personas (txalapartaris) ataviados con palos. Así nace un sonido maravilloso. Único e irrepetible. Su origen parte de las ceremonias de la elaboración de la sidra, del momento en el que el artesano golpeaba la manzana con palos para extraer su jugo.

      Este instrumento, su sonido, sus formas, su textura, ha inspirado tanto a Nacho Duato para crear Txalaparta como a Jaffar Al Chalabi para crear su escenografía.

    • “Hace años empece a soñar con hacer un proyecto sobre la txalaparta, una sensación que venia de dentro, una llamada interna, un movimiento que sugería energía. Fue después cuando trabajando con Igor y Harkaitz surgió la oportunidad de crear el Quercus Endorphina. Sin lugar a dudas, es el trabajo más sugerente en el que he estado involucrado hasta el momento, además tiene ese poder curativo y comunicativo con en el que he ahondado en la amistad con Oreka. Por si fuera poco, tenemos la ocasión de ver como la danza, maderas, metales, piedras se van a unir y van a provocar que el público haga suyo un sonido y unos movimientos que desconocían pero que existían en su interior.

      Eskerrik asko a Igor, Harkaitz y a Nacho por hacerme vibrar, por hacerme sentir la palpitación de la Txalaparta”.

      Kepa Junkera.  Bilbao 4 de mayo de 2001

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    • White Darkness de Nacho Duato. Escenografía: Jaffar ChalabiCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Karl Jenkins (Adiemus Variations –Adiemus-Songs of Sanctuary-, String Quartet nº 2)
    • Escenografía: Jaffar Chalabi
    • Figurines:  Lourdes Frías
    • Diseño de luces: Joop Caboort
    • Duración: 24’ 50”
    • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 16 de noviembre de 2001.

    Esta creación de Nacho Duato para la Compañía Nacional de Danza se inscribe en el desarrollo de su línea creativa de los últimos años. El coreógrafo investiga, a través del movimiento y de un profundo conocimiento de la música, fórmulas que amplían su vocabulario, partiendo siempre de la potencial  expresividad de sus bailarines. En cuanto a su inspiración, se trata de una reflexión abierta sobre el mundo de las drogas y el efecto que éstas pueden ejercer en nuestro comportamiento social, en nuestra capacidad de comunicación con los demás y en definitiva en nuestras vidas. La mirada del coreógrafo es, una vez más, puramente testimonial. No existe un juicio de valores sino más bien una invitación a la reflexión sobre un tema hiriente y polémico.
    Kart Jenkins inicia sus estudios de piano de la mano de su padre, maestro de coro y organista. Más tarde, a los once años, comienza a tocar el oboe y a trabajar en la National Youth Orchestra de Gales. También realiza  estudios de composición en la Universidad de Gales, Cardiff, completando su formación en la Royal Academy of Music en Londres, donde se especializa en tocar el saxofón. Recibió premios por sus interpretaciones de oboe para jazz y como multi-instrumentista. Jenkins trabajó con Ronnie Scott (entre otros) y fundó Nucleus que ganó el primer premio del Festival de Jazz de Montreal, en 1972. Más tarde, se une a Soft Machine. Este grupo de los setenta presentaba una amplia gama de estilos (jazz, clásico, rock, incluso minimalismo). En abril de 1995 Jenkins edita Adiemus – Songs of Sanctuary, una extensa obra escrita para voz, percusión y cuerda, que obtuvo un éxito sin precedentes en Europa y Japón.


    Compañía Nacional de Danza, White Darkness

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    • Without Word de Nacho DuatoCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Franz Schubert
    • Escenografía y Figurines: Nacho Duato
    • Diseño de luces: Brad Fields (sobre una idea original de Nacho Duato)
    • Estrenado por el American Ballet Theater en el City Center de Nueva York el 29 de octubre de 1998. Estrenado por  la Compañía  Nacional de Danza en el Teatro Arriaga de Bilbao, el 9 de diciembre de 1998.

    Without Words es el segundo trabajo original de Nacho Duato para la prestigiosa compañía American Ballet Theater. El título hace referencia a la partitura de las canciones de Schubert, que  se desarrollan como música instrumental, sin palabras. Mischa Malsky transcribió para chelo la voz de las composiciones en una grabación donde también participaba la pianista Daria Hovora. Al igual que en las canciones, el coreógrafo despoja a la danza de toda aura romántica manifiesta. El amor y la muerte aparecen como temas centrales derivados de la propia música, pero a través de Duato la obra se nos presenta con una aportación contemporánea a aquella obsesión decimonónica tan presente en la creación de Schubert. Un mundo nuevo, con todas sus debilidades, se nos revela en un oscuro espacio escenográfico existencial propio del siglo XX. Duato expone un ciclo vital universal en toda su naturalidad, libre de alienación y de ornamentos innecesarios.

 
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