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Alas. Nacho Duato 2006

ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/10

  • Nacho Duato en AlasCoreografía: Nacho Duato
  • Dirección teatral: Tomaz Pandur
  • Concepto escenográfico: Tomaz Pandur y Nacho Duato
  • Realización: Odeón
  • Música: Pedro Alcalde / Sergio Caballero (música original); Arvo Pärt, Jules Massenet, Pawel Szymanski y Fuckhead (collage)
  • Figurines: Angelina Atlagic
  • Diseño de luces: Brad Fields
  • Proyecciones de vídeo: Zeljko Serdarevic y Dragan Mileusnic
  • Texto: Fragmentos del guión cinematográfico de la película "El cielo sobre Berlín" Der Himmel über Berlin (Win Wenders/Peter Handke); selección de Tomaz Pandur
  • Voz: Ana Wagener
  • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria el 28 abril de 2006.

Alas, presentado por primera en el Palacio de Festivales de Cantabria resulta una apuesta excepcional que lleva también la firma del esloveno Tomaz Pandur como director teatral. Dos artistas de prestigio internacional unidos en una experiencia de creación inusual con un objetivo común: la búsqueda de un nuevo vocabulario a través de una verdadera fusión de disciplinas, más allá de la mera combinación de lenguajes escénicos. El resultado de este encuentro es Alas, un ballet completo que no es ni teatro-danza ni danza-teatro, sino el fruto de un “proceso de trabajo diferente que ofrece nuevas vías de exploración para el teatro del futuro”, explican sus creadores.

La primera inspiración de Alas viene de la película "El cielo sobre Berlín", de Wim Wenders, protagonizada por un ángel que decide renunciar a su inmortalidad para vivir entre los hombres. Si bien introduce breves fragmentos del guión de Peter Handke, la coreografía no ofrece un paralelismo explícito con el argumento, aunque el tema permanece en escena: el deseo de inmortalidad del hombre, es expresado a través de la eterna lucha de gravedad entre el cielo y la tierra. “En realidad esta obra habla de la soledad –aclara Pandur–. El hombre se encuentra solo frente a la gran pregunta sobre el tiempo y la infinitud. Entre otras cosas, por eso siempre quise hacer este trabajo con Duato, al que por encima de todo considero un escultor del tiempo”.

De esta manera los bailarines de La Compañía Nacional de Danza añaden pulso dramático a su interpretación y el propio Nacho Duato baila y recita una serie de monólogos durante su actuación. La producción cuenta con música original de Pedro Alcalde y Sergio Caballero, compositores habituales de las últimas coreografías de Duato, que en esta ocasión utiliza también música de Arvo Pärt, Jules Massenet, Pawel Szymanski y Fuckhead.

Tomaz Pandur se dio a conocer en España con Sheherazada en 1990 y el año pasado montó Infierno con el Centro Dramático Nacional. Considerado uno de los creadores escénicos contemporáneos de mayor proyección internacional, sus obras se caracterizan por una original utilización de la técnica escenográfica al servicio de interpretaciones dramáticas irreprochables dando lugar a imágenes de impactante belleza.

Arcangelo. Nacho Duato 2000

ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/10

    • Actuación en escenaCoreografía: Nacho Duato
    • Música: Arcangelo Corelli (Concerti Grossi Op. 6) y Scarlatti (Il Primo Omicidio)
    • Escenografía: Nacho Duato
    • Figurines: Nacho Duato (con la colaboración de Ismael Aznar)
    • Diseño de luces: Brad Fields
    • Duración: 27’ 45”

Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Real de Madrid el 31 de mayo de 2000.

Arcangelo es una reflexión sobre el paraíso y el infierno. Está basado en los maravillososConcerti Grossi del italiano Arcangelo Corelli finalizando con un aria de la ópera de Scarlatti, Il Primo Omicidio. Duato ha utilizado fundamentalmente los lentos y adagios en un orden distinto al original. El ballet nos relata la búsqueda de una liberación a través de la muerte, como vía de acceso a un paraíso que nos libere.
Arcangelo Corelli comenzó su carrera en Bolonia como violinista en 1670, a la edad de 17 años. Fue reconocido como instrumentista de elite, al tiempo que como uno de los compositores más influyentes de su tiempo. Pasó la mayor parte de su vida en Roma, donde murió en 1713.
El género de los concerti grossi se desarrolló simultáneamente en una diversidad de lugares durante las últimas tres décadas del siglo XVII. La producción de música escénica en aquel tiempo era de gran importancia. Con frecuencia se formaban orquestas de más de cien integrantes, tanto para música de iglesia en Bolonia como para música festiva en Roma. Para paliar la evidente falta de movilidad de un conjunto tan numeroso, los primeros ejecutantes de la sección de cuerda se segregaron, formando un grupo más flexible: el Concertino. El concerto grosso deriva de la alternancia entre ambos tipos de formaciones. Corelli muy bien podría ser definido como el creador de la forma clásica del concerto grosso.
Lo que distingue particularmente estos concerti grossi para orquesta de cuerda es el equilibrio clásico de esta música barroca, la maravillosa claridad y simplicidad de su argumento y estructura y la completa congruencia de forma y contenido.

Compañía Nacional de Danza - Arcangelo

Alone, For A Second. Nacho Duato 1993

ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/10

  • Alone, For A Second. Escena de mujer con cabeza tapada Coreografía: Nacho Duato
  • Música: Erik Satie (Concepción, arreglos y dirección: Thomas Willbrandt)
  • Escenografía y Figurines: Nacho Duato
  • Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
  • Estrenado por el Nederlands Dans Theater en el AT&T Danstheater de La Haya, el 9 de septiembre de 1993. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 16 de diciembre de 1994.

Alone, for a Second tiene como fondo musical composiciones de Erik Satie arregladas por Thomas Willbrandt. En un marcado giro en su estilo personal, el coreógrafo concentra la intensidad emocional de este ballet en los aspectos estáticos del movimiento, en las imágenes, como un poeta que nos hablara tanto en los silencios como en las palabras. Una mujer, personaje central del ballet, nos conduce, en el más introspectivo trabajo de Duato, por esa fina línea que divide la consciencia de la inconsciencia.

Arenal. Nacho Duato 1988

ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/10

  • Actuación en escenaCoreografía: Nacho Duato
  • Música: Mª del Mar Bonet
  • Escenografía: Walter Nobbe
  • Figurines: Nacho Duato
  • Diseño de luces: Edward Effron
  • Estrenado por el Nederlands Dans Theater en Muziektheater de Amsterdam, el 26 de enero de 1988. Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro Romea de Murcia, el 6 de octubre de 1990.

Arenal es una coreografía de Nacho Duato inspirada en canciones de Mª del Mar Bonet. El propósito del coreógrafo con este ballet, es mostrar la desinhibida alegría del carácter mediterráneo en contraposición a la cotidiana lucha de la vida.
Duato hace este contraste muy claro: por un lado, un grupo de hombres y mujeres bailan motivados por la pura alegría de la música. Su júbilo es reflejado con claros movimientos de los bailarines -paso a dos, paso a tres, paso a cuatro- sobre canciones griegas traducidas al catalán y mallorquinas. Por otro lado, una mujer permanece aparte y baila sola cuatro canciones cantadas a capella. Estas canciones, sin acompañamiento musical, con un contenido realista, surgen como un desgarrado grito del corazón. Sus movimientos están más cerca del suelo que los del resto de los bailarines. Ella es la expresión del influjo de la tierra.
Color, coreografía, movimiento, todo es innegablemente mediterráneo.
Nacho Duato había trabajado con Mª del Mar Bonet en un ballet anterior, Jardí Tancat. "Su música es una gran fuente de inspiración para mi trabajo -dice el coreógrafo. Posteriormente escuché Gavines i Dragons e inmediatamente se me ocurrió Arenal. Enseguida pensé en la posibilidad de tener con nosotros a Mª del Mar, cantando en directo sus canciones". Arenal es para Duato una extensión de su primer trabajo, Jardí Tancat, "pero más vital, más alegre, más fiel al ritmo interno de las canciones, sin dejar el mundo popular y del trabajo". 
"Sabía que mis canciones nacen con ritmo, pero cuando lo conocí de verdad fue el día que Nacho Duato las bailó. Cuando ví la primera coreografía, Jardí Tancat, me emocioné: él les había dado otra vida, eran independientes y a la vez ligadas a mí, pero con un nuevo palpitar, un camino diferente.
En Arenal hay una cosa que me tiene realmente fascinada, y es el tratamiento de las canciones de trabajo de Mallorca que yo canto a capella: son cantos que forman parte de nuestra tradición mallorquina más antigua, pero que ya no se cantan allí donde nacieron ni para aquello por lo que nacieron, que es el trabajo en el campo, pues éste ha cambiado mucho. Quedan pocos rincones en el campo de Mallorca donde se conserven las faenas del mundo campesino tal y como eran hace nada más cuarenta o cincuenta años. Pues bien, cuando Nacho las ha coreografiado, les ha devuelto este papel de piezas únicas, como de piedras preciosas.
Si en Jardí Tancat había tanta vida, en Arenal he ido descubriendo una pasión interior cada vez que canto con ellos. Nunca me cansaré de decir que estas coreografías de Nacho Duato han significado uno de los regalos artísticos más importantes que me hayan hecho. Creo que son de aquellas cosas que van de la mano con las emociones más profundas, y que son tan difíciles de explicar con palabras."
Gracias Nacho
María del Mar Bonet

Castrati. Nacho Duato 2002

ARCHIVO REPERTORIO NACHO DUATO 90/10

Actuación en escena
  • Coreografía: Nacho Duato
  • Música: Antonio Vivaldi (Nisi Dominus RV 608; Stabat Mater RV 621; Salve Regina RV 616; Concerto RV 439 “La notte”), Karl Jenkins (Palladio)
  • Escenografía: Jaffar Chalabi 
  • Figurines: Francis Montesinos
  • Diseño de luces: Brad Fields
  • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Palacio de Festivales de Cantabria de Santander el 5 de abril de 2002.
Hace apenas un par de siglos, los sopranos gozaban de la más alta popularidad. Cantaban ópera por toda Europa, y eran considerados héroes encima de un escenario. Su arte ha sido reconocido en todo el mundo durante cientos de años. 
El último castrato falleció en el siglo XX, sólo hace unas décadas. La costumbre de la castración tiene su origen antes de Cristo y sus motivos eran muy diferentes. Los egipcios aplicaban la castración como método de castigo, los árabes por motivos religiosos y los turcos para conseguir hombres sin estímulo sexual como guardianes de sus harenes. 
Pero en Italia, la castración fue utilizada de un modo completamente distinto. En el siglo I cuando el apóstol San Pablo escribió "Mulier tacet in ecclesia" ("las mujeres permanecerán en silencio cuando se hallen en la Iglesia ") no podía imaginar las consecuencias que provocarían sus palabras siglos más tarde. Los coros sin voces femeninas compuestos de contratenores y niños cantores antes de la pubertad fueron funcionales durante algún tiempo. Sin embargo, según el arte de la composición musical demandaba un rango vocal más extenso, se tornó necesario contar con hombres con voces femeninas, es decir, castrados. De modo que, a mediados del siglo XVI, la práctica de la castración viajó desde Oriente hasta Europa. 
A comienzos del siglo XVII una nueva forma musical, la ópera, eclosionaba en Italia. Para los castrati ofrecía muchas oportunidades por una sencilla razón: las mujeres no podían participar. De modo que, desde que en 1637 se inauguró el primer teatro público en Venecia y hasta mediados del siglo XVIII, los castrati dominaron la ópera y se convirtieron en insustituibles. La castración facilitaba una capacidad vocal extraordinaria y un peculiar color en la voz, lo que se tradujo en una gran demanda de castrati que además estaban muy bien pagados. 
Por toda Italia proliferaban Escuelas de Canto dedicadas a llevar el arte del belcanto a su más alta cota. La educación de un castrato significaba la estancia del orden de seis a ocho años en tales escuelas. A parte de las escuelas también existían los tutores privados. 
Castrati – (Ital. Castrato) Cantantes masculinos castrados antes de la pubertad con el fin de preservar su voz de soprano o contralto. Así, se mantiene el timbre infantil intacto, permitiendo, gracias al desarrollo normal de los pulmones, emitir una voz de soprano de forma inusitada. Eran mucho más comunes dentro de las instituciones eclesiásticas, donde las mujeres tenían prohibido cantar o en los teatros durante los siglos XVI, XVII y XVIII. Gozaban de gran prestigio en su época.

Maria Kochetkova & Alessandro Riga

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