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PROGRAMA SALON DE PROVENCE (FRANCIA)

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

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COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de España Clásico y tuvo como primer Director a Víctor Ullate.
En febrero de 1983 se hizo cargo de la Dirección de los Ballets Nacionales Español y Clásico María de Avila, quien puso especial énfasis en abrir las puertas a coreografías como las de George Balanchine y Anthony Tudor. Además, María de Avila encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y coreógrafo norteamericano residente en España, ofreciéndole posteriormente el cargo de Director estable que desempeñó hasta diciembre de 1990.
En diciembre de 1987 fue nombrada como Directora Artística del Ballet, Maya Plisétskaya, extraordinaria bailarina rusa. En junio de 1990 Nacho Duato es nombrado Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza, cargo que ejerció durante veinte años, hasta julio de 2010. Su incorporación supuso un cambio innovador en la historia de la formación incluyéndose en el repertorio de la compañía nuevas coreografías originales, junto con otras de contrastada calidad.
En agosto de 2010 Hervé Palito sucede a Duato como Director Artístico durante un año. El 17 de diciembre de 2010 el Ministerio de Cultura anuncia el nombramiento de José Carlos Martínez como nuevo director de la Compañía Nacional de Danza. Martínez toma posesión de su cargo el 1 de septiembre de 2011. El proyecto del bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París para la Compañía Nacional de Danza se basa en el fomento y la difusión del arte de la danza y su extenso repertorio, reservando un amplio espacio a la nueva creación española, sin olvidar a los grandes coreógrafos de hoy. Se trata de favorecer el acercamiento de nuevos públicos a la danza e impulsar la proyección nacional e internacional de la CND, de conferirle una nueva identidad, incluyendo en el repertorio de la CND piezas de otros estilos como el clásico y el neoclásico, siempre sin descuidar la danza contemporánea y de vanguardia.

JOSÉ CARLOS MARTÍNEZ

  • DIRECTOR DE LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA de España
  • BAILARÍN ESTRELLA DE LA ÓPERA de París
  • COMENDADOR DE LA ORDEN DE LAS ARTES Y LAS LETRAS (Francia)
  • PREMIO NACIONAL DE DANZA 1999

José Carlos MartínezInicia sus estudios de ballet en Cartagena con Pilar Molina. Entre 1984 y 1987 estudió en el Centre de Danse International Rosella Hightower. Ganó el Prix de Lausanne e ingresó en la Ópera de París. En 1988 fue elegido personalmente por Rudolf Nureyev para formar parte del “Cuerpo de Baile” del Ballet de la Ópera de París. Tras ganar en 1992 la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Varna, fue nombrado Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París en 1997, la máxima categoría en la jerarquía del Ballet.
A lo largo de su carrera recibió otros premios importantes como el Prix de l ‘Arop, Prix Carpeaux, Premio Danza & Danza, Premio Léonide Massine-Positano, Premio Nacional de Danza, Medalla de Oro de la Ciudad de Cartagena, Premio “Elegance et Talent France/Chine”, Premio de las Artes Escénicas (Valencia), Premio “Benois de la Danza” por su coreografía “Les Enfants du Paradis” o el Premio Danza Valencia. Ha sido receptor de la medalla de honor del Festival Internacional de Granada para la Compañía Nacional de Danza en 2013.
Es Comendador de la Orden de las Artes y las Letras (Francia). Dentro del repertorio de José Carlos bailarín destacan los grandes ballets clásicos y neoclásicos. Ha trabajado además con la mayoría de los grandes coreógrafos del siglo XX, desde Maurice Béjart a Pina Bausch, pasando por Mats Ek o William Forsythe, algunos de los cuales han creado piezas para él.
José Carlos Martínez ha bailado también en prestigiosas compañías de todo el mundo en calidad de artista invitado.
Como coreógrafo ha creado: ”Mi Favorita” (2002), “Delibes-Suite” (2003), “Scaramouche” (para los alumno de la escuela de la Ópera de París), “Parentesis 1'' (2005), “Soli-Ter” y “Mi Favoritita” (2006), “El Olor de la Ausencia” (2007), “Les Enfants du Paradis” para el Ballet de la Ópera de París (2008), “Ouverture en Deu mouvements” y “Scarlatti pas de deux” (2009), “Marco Polo, The Last Mission” para el Ballet de Shanghai (2010) y Resonance para el Boston Ballet (2014).
En 2012 crea Sonatas para la Compañía Nacional de Danza y en 2013 monta para la CND sus versiones de Raymonda Divertimento y Giselle (paso a dos segundo acto). En 2015 monta su versión de Don Quijote Suite anunciando el estreno del ballet completo por la CND para diciembre de este mismo año.
José Carlos Martínez es el Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza (España) desde septiembre de 2011.

SUITE NO.2 OP. 17, III: ROMANCE

  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga

Coreografía: Uwe Scholz
Música: Sergei Rachmaninov
Figurines: Uwe Scholz
Diseño de Luces: Röger Michael Wolfgang
Realización de vestuario: Klaus Schreck
Duración: 9 minutos

Estreno absoluto por el Ballet de Zürich el año 1987 en el Teatro de la Ópera de Zürich, Zürich (Suiza)
Estreno por la Compañía Nacional de Danza el 8 de mayo de 2015 en el Teatro Principal de Valencia.

Lo que distingue las coreografías de Scholz, en general, es su inigualable musicalidad. Paso a paso la música resuena en su trabajo que parece articularse casi a la fuerza en armonía con su arte. Considerando que uno normalmente espera a percibir la coreografía como reflejo de la música y así crear un entorno visual en conjunto. Por el contrario, con la inigualable y artística vuelta de tuerca de Scholz en escena, la música se refleja como un sonido sinfónico de imágenes.
Scholz escribe poesía con el movimiento. Él escribe poesía con la danza. Sus ballets, escritos en gran medida con movimiento clásico, son un discurso silencioso sobre el escenario: trazando enérgicamente las alegrías de cualquier hombre, las penas de cualquier hombre. Eso es lo que afecta a todo el mundo. Puedes oír sus ballets con tus ojos. Puedes verlos con tus oídos.

-Klaus Geitel-

UWE SCHOLZ

Uwe Scholz nació el 31 de diciembre de 1958 en el estado de Hesse, Alemania.
Comenzó sus estudios de ballet a la edad de cuatro años, y siguió luego dos años más tarde en el Landestheater Darmstadt. En 1973, bajo la tutela de John Cranko, pasó el examen de ingreso en la Escuela de Ballet del Teatro Nacional de Stuttgart Wuerttembergische, donde completó su formación en 1979. Al concluir sus estudios, se le dio un contrato como miembro del Stuttgart Ballet, donde Marcia Haydée le encargó una serie de retos coreográficos. Los cuales tuvieron un efecto e influencia duraderos en su desarrollo posterior. En 1980, Uwe Scholz recibió un contrato de coreógrafo ofrecido por Haydée y se retiró como un bailarín de escenario. Dos años más tarde, fue nombrado primer "Coreógrafo Residente" del Ballet de Stuttgart desde la muerte de John Cranko.
Además de coreografiar ballets, adquirió experiencia como asistente de producción y coreógrafo de la ópera (Lovro von Matacic y Hans Neuenfels, "Aida" en Frankfurt am Main), como director de ópera (Festival Testimonium en Israel y "La flauta mágica" en Nuremberg), y como asistente de teatro (con Heyme) y trabajo televisivo. A la edad de sólo veintiséis años, Uwe Scholz se convirtió en el director del ballet y coreógrafo residente de la Ópera de Zúrich, donde dirigió el Ballet de Zurich durante seis años, hasta 1991.
Desde 1991, Uwe Scholz fue el director y coreógrafo residente del Ballet de la Ópera de Leipzig. Aquí, él asumió la dirección artística de una compañía de ballet que fue una de las más grandes de Alemania y ha sido conocida internacionalmente desde 1992 como el Ballet de Leipzig. Durante su larga carrera como coreógrafo, creó un repertorio de más de setenta ballets. Sin omitir tales compositores de renombre como Mozart, Wagner y Stravinsky, su repertorio musical se extendió desde la música del Renacimiento hasta la colaboración con compositores contemporáneos como Udo Zimmermann o Pierre Boulez.
El talento de Uwe Scholz como coreógrafo se ha demandado en todo el mundo. Coreografió ballets para la Ópera Estatal de Viena, la Scala de Milán, en varias ocasiones para el Ballet de Stuttgart, Los Ballets de Monte Carlo, así como para el Nederlands Dans Theater de Kylian, para Jerusalén, Estocolmo y Toronto.
La firma coreográfica de Uwe Scholz se ha hecho un nombre a sí misma en muchos escenarios internacionales (incluyendo Nueva York, París, Moscú, Río de Janeiro, Madrid, Florencia, Tokio, Berlín y Munich). Por sus servicios como coreógrafo, Uwe Scholz fue galardonado con el premio "Ommagio Alla Danza" por la organización "Espressione Europa" en 1987 en Venecia.
En 1996, el presidente alemán de la época, Roman Herzog, le otorgó la Orden de la República Federal de Alemania. En honor a su coreografía de la primera Misa de Mozart en Re menor, que gozó de su estreno en febrero de 1998 con el Ballet de Leipzig, recibió el Premio de Teatro de ese año, desde el Gobierno Nacional Bávaro en la categoría de Danza. También fue galardonado con el Premio Alemán de Danza en Essen en 1999. La visión de Uwe Scholz de la interpretación ideal de la danza no se limita a un mero logro de la perfección en términos de danza. Él estaba interesado en la capacidad del bailarín para transmitir una idea artística a través del lenguaje corporal. Uwe Scholz fue miembro fundador de la Freie Akademie der Kuenste zu Leipzig. En 1993, fue nombrado profesor de Coreografía en el Colegio Felix Mendelssohn Bartholdy de Música y Teatro de Leipzig. Desde septiembre de 1997, fue también el Director de la Escuela de Ballet de la Ópera de Leipzig. Uwe Scholz murió a la edad de 45 años el 21 de noviembre del 2004.

DON QUIJOTE SUITE

  • Foto: Jesús Vallinas. Bailarines: Cristina Casa y Anthony Pina
  • Foto de grupo de toreros: Jesús Vallinas. Bailarina: Aída Badía
  • Foto de grupo: Jesús Vallinas
  • Foto: Jesús Vallinas. Bailarinas: Haruhi Otani y Lucie Barthélémy
  • Foto: Jesús Vallinas. Bailarines: Cristina Casa y Anthony Pina

  • Foto de grupo de toreros: Jesús Vallinas. Bailarina: Aída Badía

  • Foto de grupo: Jesús Vallinas

  • Foto: Jesús Vallinas. Bailarinas: Haruhi Otani y Lucie Barthélémy

Coreografía: José Carlos Martínez (inspirado en las versiones de Marius Petipa y Alexander Gorski)
Música: Ludwig Minkus
Figurines y readaptación de vestuario: Carmen Granell
Duración: 40 min.

Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza, el 14 de febrero de 2015, en el Auditorio Víctor Villegas de Murcia con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. Dirección musical Gonzalo Berná.

El Ballet Don Quijote de Marius Petipa fue, junto con El Lago de los Cisnes, uno de los ballets más populares en Rusia, donde se creó en 1869 sobre una partitura de Ludwig Minkus. Esta obra, llena de color, rompía con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX, para poner en escena a la gente del pueblo.
El libreto se basa en un episodio del segundo volumen de El Quijote de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos…”), y la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho.
El ballet fue transmitido de generación en generación de manera ininterrumpida. En Rusia gracias a la tradición y a sus revisiones sucesivas, siendo la más importante de ellas la de Alexander Gorski en 1900.
Muchos han sido los coreógrafos que han creado sus propias versiones de este gran clásico, como Rudolf Nureyev para la Ópera de Viena, o Mikhail Baryshnikov para el American Ballet Theatre.
En su Suite de Quijote (que recoge varios extractos del primer y del cuarto acto original) José Carlos Martínez centra aún más la acción en los personajes de Quiteria y Basilio, utilizando al cuerpo de baile para dar más dinamismo a la acción de este gran clásico intemporal con sabor español.

Nuestro agradecimiento al BNE, CDN y al CNTC por la cesión del atrezzo y la escenografía.

MINUS 16

  • Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Alessandro Riga
  • Foto de Grupo/Group Dancers: Jacobo Medrano
  • Foto de Grupo/Group Dancers: Jacobo Medrano
  • Foto/Picture: Carlos Quezada - Bailarín/Dancer: Álvaro Madrigal
  • Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Alessandro Riga
  • Foto de Grupo/Group Dancers: Jacobo Medrano
  • Foto de Grupo/Group Dancers: Jacobo Medrano
  • Foto/Picture: Carlos Quezada - Bailarín/Dancer: Álvaro Madrigal

Coreografía: Ohad Naharin
Música: Collage (*)
Figurines: Ohad Naharin
Diseño de iluminación: Avi Yona Bueno (Bambi)
Puesta en escena: Shani Garfinkel y Shahar Biniamini
Duración: 32 minutos

Estreno mundial por la Batsheva Dance Company en el Lucent Dance Theater, La Haya (Países Bajos), en 1999.
Estreno por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela, Madrid (España), el 16 de Noviembre de 2013.

Contando con una ecléctica partitura que va desde Dean Martin al mambo, del tecno a la música tradicional israelí, Minus 16 de Ohad Naharin utiliza la improvisación y el aclamado método Gaga, un lenguaje único de movimiento que rompe con los viejos hábitos, empujando a los bailarines a desafiarse a sí mismos de maneras nuevas y diferentes. La obra es única debido a la ruptura con la barrera entre los intérpretes y los espectadores. Minus 16 no sólo se deleita en su propia excentricidad sino que también celebra el gozo de bailar. La pieza tiene elementos de impredecibilidad y diversión que hace de cada actuación de Minus 16 una experiencia deliciosamente diferente.

  • * Música
  • "It Must Be True” interpretado por The John Buzon Trio. Escrito por Gus Arnheim, Harry Barris y Gordon Clifford. Utilizado con el permiso de EMI Mills Music Inc.
  • “Hava Nagila” ©1963, ren. 1991 Surf Beat Music. Todos los derechos reservados. Escrito y arreglado por Dick Dale bajo licencia de Surf Beat Music (ASCAP).
  • “Echad Mi Yode’a” Letra y música tradicional. Arreglado por The Tractor’s Revenge (Green, Belleli, Leibovitch). Publicado por The Tractor’s Revenge (Green, Belleli, Leibovitch).
  • “Nisi Dominus, R.608 – IV. “Cum dederit” (Andante)” de Antonio Vivaldi interpretado por James Bowman, The Academy of Ancient Music y Christopher Hogwood.
  • “Over The Rainbow” de E.Y. ‘YIP’ Harburg y Harold Arlen Utilizado con el permiso de EMI Feist Catalog Inc. One Hundred Percent (100%) ASCAP.
  • “Hooray For Hollywood” (Richard Whiting y Johnny Mercer) ©1937 (Renovado) WB Music Corp. (ASCAP) Todos los derechos reservados. Utilizado con permiso. Escrito por John Mercer y Richard Whiting. Utilizado con el permiso de Warner/Chappell Music.
  • “Sway” por Pablo Beltran Ruiz, Luis Demetrio, Traconis Molina y Norman Gimbel; Words West LLC d/b/a Butterfield Music (BMI). Todos los derechos reservados.

OHAD NAHARIN

Ohad Naharin es considerado uno de los coreógrafos contemporáneos de mayor relevancia en nuestros días. Como director artístico de la Batsheva Dance Company desde 1990, ha dirigido la compañía con una visión artística arriesgada reforzando su repertorio con sus cautivadoras creaciones. Naharin también es el creador de un innovador lenguaje del movimiento, Gaga, que ha enriquecido su inventiva del movimiento de manera extraordinaria, y que surgió como una fuerza emergente en el campo más amplio de las prácticas de movimiento tanto para bailarines como para no bailarines. Nacido en 1952 en Kibbutz Mizra, Ohad Naharin comenzó su formación en danza en la Batsheva Dance Company en 1974. Durante su primer año en la compañía, Martha Graham, como coreógrafa invitada, señaló a Naharin pro su talento y le invitó a unirse a su propia compañía en Nueva York. Durante su estancia en Nueva York, Naharin estudió en la School of American Ballet, completando más tarde su formación en La Juilliard School. Prosiguió actuando internacionalmente con la Israel’s Bat-Dor Dance Company y el Ballet del Siglo XX de Maurice Béjart en Bruselas. En 1980 Naharin regresa a Nueva York, debutando en el estudio Kazuko Hirabayshi. Ese mismo año forma la Ohad Naharin Dance Company con su mujer, Mari Kajiwara, fallecida en 2001. Desde 1980 hasta 1990, la compañía de Naharin actuó con gran éxito Naharin comenzó a recibir encargos de otras compañías de prestigio internacional incluyendo Batsheva, Kibbutz Contemporary Dance Company, y Nederlands Dans Theater.En 1990 Naharin fue nombrado Director Artístico de la Batsheva Dance Company, cargo que ostenta hasta hoy día, excepto por la temporada 2003-2004 en que fue Coreógrafo de la Casa. Naharin ha coreografiado durante este periodo más de 20 obras para la Bastsheva y su compañía junior, Batsheva Ensemble. Ha remontado otros 10 trabajos suyos para la compañía y ha creado la pieza Deca Dance, que combina extractos de sus obras en un trabajo en evolución constante.

  • Material Gráfico
  • LINKS FOTOS:
  • DON QUIJOTE SUITE
  • MINUS 16
  • RETRATOS JOSÉ CARLOS MARTÍNEZ
  • RETRATOS BAILARINES CND:
  • - Cuerpo de Baile
  • - Solistas
  • - Principales
  • LINKS VÍDEOS:
  • MINUS 16
  • CND, TRES AÑOS CON MARTÍNEZ
  • http://cndanza.mcu.es
  • COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
  • Paseo de la Chopera, 4
  • 28045 Madrid
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PROGRAMA TOLEDO

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

 
In the Middle Somewhat Elevated. Pareja de danza contemporánea

Teatro de Rojas

  • 15 y 16 de mayo, 2015 (20:00 hs.)
  • Programa:
  • DON QUIJOTE SUITE. José Carlos Martínez/Ludwig Minkus 
  • -intermedio-
  • SUITE NO.2 OP. 17, III: ROMANCE. Uwe Scholz/Sergei Rachmaninov
  • IN THE MIDDLE, SOMEWHAT ELEVATED. William Forsythe/Thom Willems  
Enlace Externo. Dossier
Nueva ventana. Programa de mano

DON QUIJOTE SUITE

  • Foto: Jesús Vallinas. Bailarines: Cristina Casa y Anthony Pina
  • Foto de grupo de toreros: Jesús Vallinas. Bailarina: Aída Badía
  • Foto de grupo: Jesús Vallinas
  • Foto: Jesús Vallinas. Bailarinas: Haruhi Otani y Lucie Barthélémy
  • Foto: Jesús Vallinas. Bailarines: Cristina Casa y Anthony Pina

  • Foto de grupo de toreros: Jesús Vallinas. Bailarina: Aída Badía

  • Foto de grupo: Jesús Vallinas

  • Foto: Jesús Vallinas. Bailarinas: Haruhi Otani y Lucie Barthélémy

Coreografía: José Carlos Martínez (inspirado en las versiones de Marius Petipa y  Alexander Gorski)
Música: Ludwig Minkus
Figurines y readaptación de vestuario: Carmen Granell
Duración: 40 min.

Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza, el 14 de febrero de 2015, en el Auditorio Víctor Villegas de Murcia con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. Dirección musical Gonzalo Berná.

El Ballet Don Quijote de Marius Petipa fue, junto con El Lago de los Cisnes, uno de los ballets más populares en Rusia, donde se creó en 1869 sobre una partitura de Ludwig Minkus. Esta obra, llena de color, rompía con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX, para poner en escena a la gente del pueblo.
El libreto se basa en un episodio del segundo volumen de El Quijote de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos…”), y la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho.
El ballet fue transmitido de generación en generación de manera ininterrumpida. En Rusia gracias a la tradición y a sus revisiones sucesivas, siendo la más importante de ellas la de Alexander Gorski en 1900.
Muchos han sido los coreógrafos que han creado sus propias versiones de este gran clásico, como Rudolf Nureyev para la Ópera de Viena, o Mikhail Baryshnikov para el American Ballet Theatre.
En su Suite de Quijote (que recoge varios extractos del primer y del cuarto acto original) José Carlos Martínez centra aún más la acción en los personajes de Quiteria y Basilio, utilizando al cuerpo de baile para dar más dinamismo a la acción de este gran clásico intemporal con sabor español.

SUITE NO.2 OP. 17, III: ROMANCE

  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: José Jordan. Bailarines/Dancers: Seh Yun Kim, Alessandro Riga, Esteban Berlanga

  • Coreografía: Uwe Scholz 
  • Música: Sergei Rachmaninov
  • Figurines: Uwe Scholz
  • Diseño de Luces: Röger Michael Wolfgang
  • Realización de vestuario: Klaus Schreck
  • Duración: 9 minutos
  • Estreno absoluto por el Ballet de Zürich el año 1987 en el Teatro de la Ópera de Zürich, Zürich (Suiza)
  • Estreno por la Compañía Nacional de Danza el 8 de mayo de 2015 en el Teatro Principal  de Valencia.

Lo que distingue las coreografías de Scholz, en general, es su inigualable musicalidad. Paso a paso la música resuena en su trabajo que parece articularse casi a la fuerza en armonía con su arte. Considerando que uno normalmente espera a percibir la coreografía como reflejo de la música y así crear un entorno visual en conjunto. Por el contrario, con la inigualable y artística vuelta de tuerca de Scholz en escena, la música se refleja como un sonido sinfónico de imágenes.
Scholz escribe poesía con el movimiento. Él escribe poesía con la danza. Sus ballets, escritos en gran medida con movimiento clásico, son un discurso silencioso sobre el escenario: trazando enérgicamente las alegrías de cualquier hombre, las penas de cualquier hombre. Eso es lo que afecta a todo el mundo. Puedes oír sus ballets con tus ojos. Puedes verlos con tus oídos.

-Klaus Geitel-

UWE SCHULZ

Uwe Scholz nació el 31 de diciembre de 1958 en el estado de Hesse, Alemania.
Comenzó sus estudios de ballet a la edad de cuatro años, y siguió luego dos años más tarde en el Landestheater Darmstadt. En 1973, bajo la tutela de John Cranko, pasó el examen de ingreso en la Escuela de Ballet del Teatro Nacional de Stuttgart Wuerttembergische, donde completó su formación en 1979. Al concluir sus estudios, se le dio un contrato como miembro del Stuttgart Ballet, donde Marcia Haydée le encargó una serie de retos coreográficos. Los cuales tuvieron un efecto e influencia duraderos en su desarrollo posterior. En 1980, Uwe Scholz recibió un contrato de coreógrafo ofrecido por Haydée y se retiró como un bailarín de escenario. Dos años más tarde, fue nombrado primer "Coreógrafo Residente" del Ballet de Stuttgart desde la muerte de John Cranko.
Además de coreografiar ballets, adquirió experiencia como asistente de producción y coreógrafo de la ópera (Lovro von Matacic y Hans Neuenfels, "Aida" en Frankfurt am Main), como director de ópera (Festival Testimonium en Israel y "La flauta mágica" en Nuremberg), y como asistente de teatro (con Heyme) y trabajo televisivo. A la edad de sólo veintiséis años, Uwe Scholz se convirtió en el director del ballet y coreógrafo residente de la Ópera de Zúrich, donde dirigió el Ballet de Zurich durante seis años, hasta 1991.
Desde 1991, Uwe Scholz fue el director y coreógrafo residente del Ballet de la Ópera de Leipzig. Aquí, él asumió la dirección artística de una compañía de ballet que fue una de las más grandes de Alemania y ha sido conocida internacionalmente desde 1992 como el Ballet de Leipzig. Durante su larga carrera como coreógrafo, creó un repertorio de más de setenta ballets. Sin omitir tales compositores de renombre como Mozart, Wagner y Stravinsky, su repertorio musical se extendió desde la música del Renacimiento hasta la colaboración con compositores contemporáneos como Udo Zimmermann o Pierre Boulez.
El talento de Uwe Scholz como coreógrafo se ha demandado en todo el mundo. Coreografió ballets para la Ópera Estatal de Viena, la Scala de Milán, en varias ocasiones para el Ballet de Stuttgart, Los Ballets de Monte Carlo, así como para el Nederlands Dans Theater de Kylian, para Jerusalén, Estocolmo y Toronto.
La firma coreográfica de Uwe Scholz se ha hecho un nombre a sí misma en muchos escenarios internacionales (incluyendo Nueva York, París, Moscú, Río de Janeiro, Madrid, Florencia, Tokio, Berlín y Munich). Por sus servicios como coreógrafo, Uwe Scholz fue galardonado con el premio "Ommagio Alla Danza" por la organización "Espressione Europa" en 1987 en Venecia.
En 1996, el presidente alemán de la época, Roman Herzog, le otorgó la Orden de la República Federal de Alemania. En honor a su coreografía de la primera Misa de Mozart en Re menor, que gozó de su estreno en febrero de 1998 con el Ballet de Leipzig, recibió el Premio de Teatro de ese año, desde el Gobierno Nacional Bávaro en la categoría de Danza. También fue galardonado con el Premio Alemán de Danza en Essen en 1999. La visión de Uwe Scholz de la interpretación ideal de la danza no se limita a un mero logro de la perfección en términos de danza. Él estaba interesado en la capacidad del bailarín para transmitir una idea artística a través del lenguaje corporal. Uwe Scholz fue miembro fundador de la Freie Akademie der Kuenste zu Leipzig. En 1993, fue nombrado profesor de Coreografía en el Colegio Felix Mendelssohn Bartholdy de Música y Teatro de Leipzig. Desde septiembre de 1997, fue también el Director de la Escuela de Ballet de la Ópera de Leipzig. Uwe Scholz murió a la edad de 45 años el 21 de noviembre del 2004.

IN THE MIDDLE, SOMEWHAT ELEVATED

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Grupo CND/CND Group
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Grupo CND/CND Group
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt

  • Coreografía: William Forsythe
  • Música: Thom Willems
  • Escenografía, figurines y diseño de luces: William Forsythe
  • Puesta en escena: Agnès Noltenius
  • Realización de vestuario: Klaus Schreck
  • Duración: 28 minutos
  • Estrenado por el Ballet de la Ópera de París en el Théâtre National de l’Opéra de París, el 29 de mayo de 1987
  • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 11 de diciembre de 1992

La fuerza de este trabajo consiste en su  sencillez; In the Middle, carente de efectos externos, se concentra en la forma tradicional de tema y variaciones: el tema inicial, bailado por la bailarina, va en aumento progresivo en relación al número de bailarines, hasta que el resultado del conjunto se transforma en variaciones y pas de deux de creciente complejidad. El aparente desdén de los bailarines contrasta con las rigurosas demandas técnicas que se les exigen El título del ballet hace referencia a dos cerezas doradas que penden del centro del escenario y que sirven como una minúscula reflexión sobre el vasto interior de la Ópera de París, espacio donde fue creado el ballet.

WILLIAM FORSYTHE

Educado en Nueva York, Forsythe llegó a la escena de danza europea a sus 20 años como bailarín y Coreógrafo Residente del Stuttgart Ballet. Al mismo tiempo también creó nuevos trabajos para compañías de ballet en Munich, La Haya, Londres, Basilea, Berlin, Frankfurt, París, Nueva York y San Francisco. En 1984, comenzó un período de 20 años en el que sería Director del Frankfurt Ballet donde creó algunos de los más celebrados trabajos teatrales de nuestros días, tales como The Loss of Small Detail (1991) en colaboración con el compositor Thom Willems y el diseñador Issey Miyake. Otros trabajos clave para el Frankfurt Ballet incluyen Gänge (1982), Artifact (1984), Impressing the Czar (1988), Limb’s Theorem (1990), A L I E / N A(C)TION (1992), Eidos:Telos (1995), Endless House (1999),  Kammer/Kammer (2000) and Decreation (2003).
Después de la desparición del Frankfurt Ballet en 2004, Forsythe estableció una nueva compañía, más independiente – La Forsythe Company. La compañía fue fundada con el subsidio de los estados de Saxony y Hesse, las ciudades de Dresden y Frankfurt am Main, y sponsors privados. Las creaciones más recientes de Forsythe son desarrolladas y representadas exclusivamente por su nueva compañía, Three Atmospheric Studies (2005), You made me a monster (2005), Human Writes (2005), Heterotopia (2006), The Defenders (2007), Yes wee can’t (2008) and I Don’t Believe in Outer Space (2008), mientras que su trabajo anterior sigue siendo representado por las mejores compañías de danza del mundo incluyendo el Kirov, el New York City Ballet, el San Francisco Ballet, el National Ballet of Canada, el Royal Ballet Covent Garden. el Ballet de la Ópera de París y la Compañía Nacional de Danza entre muchas otras. La Compañía Forsythe, con base en Dresden y Frankfurt am Main, disfruta de una residencia anual en el Schiffbauhalle del Schauspielhaus Zürich y también mantiene una apretada agenda de giras internacionales.
El trabajo coreográfico de Forsythe  y las representaciones de su compañía han conquistado la aclamación del público y los más prestigiosos galardones tales como el Bessie (1988, 1998, 2004 y 2007), el Laurence Olivier (1992, 1999 y 2009), Commandeur des Arts et Lettres (1999), el German Distinguished Service Cross (1997), el Premio Wexner (2002) y el Golden Lion (2010). Ha sido elegido Coreógrafo del Año en varias ocasiones por la crítica internacional.
El pensamiento coreográfico de Forsythe ha contribuido a las corrientes artísticas internacionales más significativas  de nuestros días: desde artes escénicas,  artes visuales a arquitectura y multimedia interactiva. Ha creado instalaciones de arquitectura/representación escénica encargadas por Daniel Libeskind en Alemania, Artangel en Londres, Creative Time en Nueva York, y la Ciudad de París. Su corto, «Solo», fue presentado en 1997 en la Bienal de Whitney. En 2006, una exhibición de su trabajo teatral, de cine e instalaciones fue presentado en la Pinacoteca de arte Moderno de Munich. En 1994, Forsythe reinventó virtualmente la enseñanza de la danza con su aplicación informática pionera y ganadora de varios premios «Tecnologías de Improvisación: Una Herramienta para el Ojo de Danza Analítico» que es utilizada por compañías profesionales, conservatorios de danza, universidades, programas de posgrado en arquitectura y escuelas secundarias. Como educador, Forsythe es invitado con regularidad a dar charlas y talleres en las universidades más importantes e instituciones culturales a nivel internacional. Fue Mentor de Danza en el ciclo inaugural del  Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative y actualmente codirige y enseña en el programa Dance Apprentice Network aCross Europe (D.A.N.C.E.). Es miembro honorario del Laban Centre for Movement and Dance en Londres y doctor honorario de la Juilliard School en Nueva York.

PROGRAMA VALLADOLID

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

In the Middle, Somewhat Elevated. William Forsythe

Nueva ventana. Dossier Teatro Calderón de Valladolid, 2015

VALLADOLID. Teatro Calderón

29 - 31 de Mayo, 2015
29 y 30 (20:30 hs.)
31 (19:30 hs.)

PROGRAMA: 
Allegro Brillante. George Balanchine/ Piotr Ilich Chaikovski (Concierto de piano nº 3, op. 75)
Delibes Suite. José Carlos Martínez/ Leo Delibes
Raymonda Divertimento. José Carlos Martínez/ Alexander Gluzanov
In the Middle, Somewhat Elevated. William Forsythe / Thom Willems

La Compañía Nacional de Danza actúa en Valladolid del 29 al 31 de mayo, en el magnífico marco del Teatro Calderón. El público vallisoletano podrá disfrutar en esta ocasión de un repertorio que abarca algunas de las piezas más representativas de la danza clásica y neoclásica del siglo XX. La noche dará comienzo con Allegro Brillante de George Balanchine, uno de los fundadores del estilo neoclásico, creador del puente entre el ballet clásico y el ballet moderno. A continuación la formación interpretará dos obras de su director artístico, José Carlos Martínez: Delibes Suite y Raymonda Divertimento, que harán las delicias de los más románticos. Y para terminar un subidón de adrenalina con la pieza más emblemática de uno de los coreógrafos imprescindibles de este siglo: In The Middle, Somewhat Elevated, de William Forsythe. Para la ocasión, la CND contará como bailarina invitada con la vallisoletana Clara Blanco, perteneciente en la actualidad al San Francisco Ballet.

“Para mí, bailar en Valladolid es una de mis mayores alegrías y deseos. Es cierto, que tras mi larga carrera con San Francisco Ballet, he bailado en muchísimos escenarios maravillosos del mundo entero, pero no hay nada como bailar en mi ciudad natal. Me hace especialmente ilusión hacerlo con la CND, a la que tantas veces he admirado y me he sentido orgullosa por representar mi país. Poder bailar en el Teatro Calderón rodeada de mi familia y todos aquellos amigos que un día conocieron la ilusión y el deseo de una pequeña niña por llegar a alcanzar el sueño de bailar en los grandes escenarios del mundo como bailarina profesional, es algo muy especial y emotivo para mí.” -Clara Blanco-

ALLEGRO BRILLANTE

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas.  Bailarines/Dancers: Noëllie Conjeaud, Esteban Berlanga, Erez Ilan, Eugenia Brezzi, Alvaro Madrigal, Natalia Muñoz
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas.  Bailarines/Dancers: Alvaro Madrigal, Toby William Mallitt, Eugenia Brezzi, Lucie Barthélémy, Esteban Berlanga, Nandita Shankardass, Natalia Muñoz, Erez Ilan, Jacopo Giarda
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Noëllie Conjeaud, Esteban Berlanga, Erez Ilan, Eugenia Brezzi, Alvaro Madrigal, Natalia Muñoz
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Alvaro Madrigal, Toby William Mallitt, Eugenia Brezzi, Lucie Barthélémy, Esteban Berlanga, Nandita Shankardass, Natalia Muñoz, Erez Ilan, Jacopo Giarda

Coreografía: George Balanchine (© The George Balanchine Trust)
Música: Piotr Ilich Chaikovski (Concierto de piano nº 3, op. 75)
Figurines: Nanette Glushak y Miguel Crespi
Puesta en escena: Nanette Glushak
Adaptación de diseño de iluminación: Nicolás Fischtel
Realización de vestuario: Miguel Crespi
Duración: 17 minutos

Estrenada por el New York City Ballet el 1 de marzo de 1956 en el City Center of Music and Drama de Nueva York.
Estrenada por la Compañía Nacional de Danza el 24 de mayo de 2014 en el Teatro Real.

Allegro Brillante se caracteriza por lo que Maria Tallchief (la bailarina para la que fue creado el papel principal) llama “un romanticismo ruso expansivo”. El vigoroso ritmo de la música hace que los pasos parezcan incluso más difíciles, pero el ballet descansa sobre una técnica fuerte, un timing preciso y una respiración del gesto. Balanchine dijo: “contiene todo lo que sé acerca del ballet clásico en trece minutos”.
El concierto de piano nº 3 de Chaikovski (1840-1893) fue originalmente escrito como una sinfonía. Pero cuando estaba casi completa, el compositor, no del todo satisfecho, convirtió el primer movimiento en una pieza de concierto para piano y orquesta, para más tarde también alterar el andante y finale que había compuesto. Chaikovski es uno de los más populares e influyentes compositores románticos. Su música es expresiva, melódica y grande en escala, con ricas orquestaciones. Sus creaciones para ballet, compuestas en estrecha relación con Marius Petipa, incluyen El lago de los cisnes, El cascanueces y La bella durmiente.

* La representación de Allegro Brillante, un Ballet Ballanchine®, se presenta gracias al acuerdo con La Fundación George Balanchine y ha sido montada de acuerdo a los Servicios de Balanchine Style® y de Balanchine Technique® establecidos y producidos por la Fundación.

GEORGE BALANCHINE

A partir de la técnica clásica académica y apoyándose en la frescura de la danza abstracta, Balanchine tendió el puente que abrió paso al ballet como parte de la explosión creativa del siglo XX. Nacido en Rusia en 1904 pero afincado en los Estados Unidos, propició una nueva estética del ballet que buscaba bailarines más rápidos, estilizados y versátiles. Inspirándose en la mujer y los grandes compositores, Balanchine creó más de 400 ballets que hoy se representan en todo el mundo. De su paso por el Ballet Mariinsky, los Ballets Russes de Diaghilev o el Ballet de la Ópera de París capturó la diversidad y riqueza del ballet y en 1948 fundó, junto a Lincoln Kirstein, el New York City Ballet, compañía para la que siguió coreografiando hasta su muerte en 1983. Además de Allegro Brillante (1956), la Compañía Nacional de Danza ha tenido en su repertorio Concerto Barocco (1941), Los cuatro temperamentos (1946), Serenade (1934), Chaikovski Pas de Deux (1960), Tema y variaciones (1947) y Who Cares? (1970) 

DELIBES SUITE

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: YaeGee Park
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Aitor Arrieta, YaeGee Park
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Aitor Arrieta
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: YaeGee Park
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Aitor Arrieta, YaeGee Park
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Aitor Arrieta

Coreografía: José Carlos Martínez
Música: Leo Delibes,
Extractos de “La Source” (escena y “Pas d’Action” del II Acto, Suite No 3) y de “Coppelia” (El Trabajo y el “Galop final” del II Acto)
Figurines: Agnés Letestu
Diseño de Luces: José Carlos Martínez    
Realización de vestuario: Carmen Granell y Taller de la CND
Duración: 13 minutos

Estreno absoluto por Incidence choregraphique el 16 de Marzo de 2003  en L’Orangerie de Roissy en France.
Estrenado por la  Compañía Nacional de Danza el 18 de octubre de 2013 en el Teatro Guerra de Lorca.

Sobre la música del compositor francés Leo Delibes (varios extractos de “La Source” y “Coppelia”), José Martínez ha coreografiado un Paso a Dos dentro de la tradición clásica –adagio, variación del bailarín, variación de la bailarina, coda, en el que se divierte citando el arsenal coreográfico de las piezas más complejas, aportando, eso sí, una cierta y sutil ligereza que entremezcla con la vitalidad que le caracteriza. 

RAYMONDA DIVERTIMENTO 

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Giulia Paris, Erez Ilan
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: CND
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: CND
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: Lucie Barthélémy
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Giulia Paris, Erez Ilan
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: CND
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: CND
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: Lucie Barthélémy

Coreografía: José Carlos Martínez (sobre la original de Marius Petipa y la versión de Rudolf
Nureyev)
Música: Alexander Glazunov
Figurines: Jordi Roig y Carmen Granell
Duración: 28 minutos

El ballet Raymonda -una de las últimas grandes obras de Marius Petipa- despliega sus tres actos en una Edad Media convencional, con héroes que parten a las cruzadas. En la batalla, el caballero Jean de Brienne deberá salvar a su prometida Raymonda de las garras de los sarracenos. La última escena, al fin, les reunirá. Este paso clásico húngaro es un extracto del gran divertimento final: el matrimonio de Raymonda y de Jean de Brienne, celebrado en presencia del rey de Hungría. Del mismo modo que la música toma sus tonalidades exóticas de temas magiares, los pasos clásicos se adornan también de sabores húngaros. Si las piernas bailan en un puro estilo clásico, el busto y los brazos adoptan una gestualidad de danza de carácter.

"Dedicado a Maya Plisétskaya"
José Carlos Martínez
Nuestro agradecimiento al Patronato Municipal de las Artes Escénicas y de la Imagen del Excmo. Ayuntamiento de Zaragoza por la cesión del vestuario de Raymonda.

IN THE MIDDLE, SOMEWHAT ELEVATED

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Grupo CND/CND Group
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Grupo CND/CND Group
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt

Coreografía: William Forsythe
Música: Thom Willems
Escenografía, figurines y diseño de luces: William Forsythe
Puesta en escena: Agnès Noltenius
Realización de vestuario: Klaus Schreck
Duración: 28 minutos

Estrenado por el Ballet de la Ópera de París en el Théâtre National de l’Opéra de París, el 29 de mayo de 1987.
Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 11 de diciembre de 1992.

La fuerza de este trabajo consiste en su  sencillez; In the Middle, carente de efectos externos, se concentra en la forma tradicional de tema y variaciones: el tema inicial, bailado por la bailarina, va en aumento progresivo en relación al número de bailarines, hasta que el resultado del conjunto se transforma en variaciones y pas de deux de creciente complejidad. El aparente desdén de los bailarines contrasta con las rigurosas demandas técnicas que se les exigen El título del ballet hace referencia a dos cerezas doradas que penden del centro del escenario y que sirven como una minúscula reflexión sobre el vasto interior de la Ópera de París, espacio donde fue creado el ballet.

WILLIAM FORSYTHE

Educado en Nueva York, Forsythe llegó a la escena de danza europea a sus 20 años como bailarín y Coreógrafo Residente del Stuttgart Ballet. Al mismo tiempo también creó nuevos trabajos para compañías de ballet en Munich, La Haya, Londres, Basilea, Berlin, Frankfurt, París, Nueva York y San Francisco. En 1984, comenzó un período de 20 años en el que sería Director del Frankfurt Ballet donde creó algunos de los más celebrados trabajos teatrales de nuestros días, tales como The Loss of Small Detail (1991) en colaboración con el compositor Thom Willems y el diseñador Issey Miyake. Otros trabajos clave para el Frankfurt Ballet incluyen Gänge (1982), Artifact (1984), Impressing the Czar (1988), Limb’s Theorem (1990), A L I E / N A(C)TION (1992), Eidos:Telos (1995), Endless House (1999),  Kammer/Kammer (2000) and Decreation (2003).
Después de la desaparición del Frankfurt Ballet en 2004, Forsythe estableció una nueva compañía, más independiente – La Forsythe Company. La compañía fue fundada con el subsidio de los estados de Saxony y Hesse, las ciudades de Dresden y Frankfurt am Main, y sponsors privados. Las creaciones más recientes de Forsythe son desarrolladas y representadas exclusivamente por su nueva compañía, Three Atmospheric Studies (2005), You made me a monster (2005), Human Writes (2005), Heterotopia (2006), The Defenders (2007), Yes wee can’t (2008) and I Don’t Believe in Outer Space (2008), mientras que su trabajo anterior sigue siendo representado por las mejores compañías de danza del mundo incluyendo el Kirov, el New York City Ballet, el San Francisco Ballet, el National Ballet of Canada, el Royal Ballet Covent Garden. el Ballet de la Ópera de París y la Compañía Nacional de Danza entre muchas otras. La Compañía Forsythe, con base en Dresden y Frankfurt am Main, disfruta de una residencia anual en el Schiffbauhalle del Schauspielhaus Zürich y también mantiene una apretada agenda de giras internacionales.
El trabajo coreográfico de Forsythe  y las representaciones de su compañía han conquistado la aclamación del público y los más prestigiosos galardones tales como el Bessie (1988, 1998, 2004 y 2007), el Laurence Olivier (1992, 1999 y 2009), Commandeur des Arts et Lettres (1999), el German Distinguished Service Cross (1997), el Premio Wexner (2002) y el Golden Lion (2010). Ha sido elegido Coreógrafo del Año en varias ocasiones por la crítica internacional.
El pensamiento coreográfico de Forsythe ha contribuido a las corrientes artísticas internacionales más significativas  de nuestros días: desde artes escénicas,  artes visuales a arquitectura y multimedia interactiva. Ha creado instalaciones de arquitectura/representación escénica encargadas por Daniel Libeskind en Alemania, Artangel en Londres, Creative Time en Nueva York, y la Ciudad de París. Su corto, «Solo», fue presentado en 1997 en la Bienal de Whitney. En 2006, una exhibición de su trabajo teatral, de cine e instalaciones fue presentado en la Pinacoteca de arte Moderno de Munich. En 1994, Forsythe reinventó virtualmente la enseñanza de la danza con su aplicación informática pionera y ganadora de varios premios «Tecnologías de Improvisación: Una Herramienta para el Ojo de Danza Analítico» que es utilizada por compañías profesionales, conservatorios de danza, universidades, programas de posgrado en arquitectura y escuelas secundarias. Como educador, Forsythe es invitado con regularidad a dar charlas y talleres en las universidades más importantes e instituciones culturales a nivel internacional. Fue Mentor de Danza en el ciclo inaugural del  Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative y actualmente codirige y enseña en el programa Dance Apprentice Network aCross Europe (D.A.N.C.E.). Es miembro honorario del Laban Centre for Movement and Dance en Londres y doctor honorario de la Juilliard School en Nueva York.

CLARA BLANCO -BAILARINA INVITADA-

“Para mí, bailar en Valladolid es una de mis mayores alegrías y deseos. Es cierto, que tras mi larga carrera con San Francisco Ballet, he bailando en muchísimos escenarios maravillosos del mundo entero, pero no hay nada como bailar en mi ciudad natal. Me hace especialmente ilusión hacerlo con la CND, a la que tantas veces he admirado y me he sentido orgullosa por representar mi país. Poder bailar en el teatro Calderón rodeada de mi familia y todos aquellos amigos que un día conocieron la ilusión y el deseo de una pequeña niña por llegar a alcanzar el sueño de bailar en los grandes escenarios del mundo como bailarina profesional, es algo muy especial y emotivo para mí.” -Clara Blanco-

Clara Blanco nació en Valladolid, y es bailarina solista del San Francisco Ballet. Su interés por la danza comenzó a los 6 años de edad con la bailarina y maestra Beatriz Martin con la que se formó en Valladolid hasta los 12 años. Se traslada entonces a Zaragoza a la prestigiosa Escuela de Danza de María de Ávila. Durante su estancia de 4 años, participa  y es galardonada con los primeros premios del Ballet Contest Bayonne (1997, Francia) del Concurso de Danza Zaragoza (1997), del Concurso de Eurovisión (1999, Lyon) y del Prix de Lausanne (1999), concurso que le otorgó una beca de estudios en la mundialmente reconocida escuela de danza de San Francisco en EEUU. Es allí donde finaliza su formación artística, hasta que dos años más tarde ingresa como bailarina profesional en el San francisco Ballet a los 17 años de edad. Estudió con los mejores profesores y bailarines, nacionales e internacionales, Beatriz Martin, María de Ávila, Virginia Valero, Víctor Ullate,  Natalia Makarova, Lola de Ávila, e Irina Jacobson. Clara Blanco ha bailado y ha servido como inspiración a coreógrafos de renombre como John Neumeier, William Forsythe, Christopher Wheeldon, James Kudelka, Val Caniparoli, Yuri Possohkov, Balanchine, McMillan John Cranko, Jerome Robbins, y Ashley Page entre otros. La fuerte formación tanto artística como técnica ha hecho de Clara Blanco una bailarina versátil, y es por ello que cabe destacar su extensa participación como protagonista en gran número de obras clásicas, neoclásicas, y puramente modernas. Entre ellas destacan: la Bailarina en Petrouchka (Fokine), Paquita (Makarova), Olga en Onegin (John Cranko), la Princesa en Cascanueces, Giselle, el Lago de los Cisnes (Tomasson), Cupido y Kitri en Don Quijote, Fusion (Possohkov), y Number Nine (Wheeldon).

A parte de su intensa y dedicada vida  a la danza, Clara Blanco continúa su formación académica tras haberse graduado y haber completado su Bachelor’s Degree en St. Mary’s College en California, y certificarse como instructora de la técnica Power Pilates.

PROGRAMA JEREZ DE LA FRONTERA 2015

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

Allegro Brillante. George Balanchine. 3 Parejas de danza

Nueva ventana. Dossier
Nueva ventana. Programa de mano
 
  • JEREZ DE LA FRONTERA.Teatro Villamarta  
  • 23 de Mayo, 2015 (20:30 hs.)
  • CLÁSICOS DE HOY (…de Petipa a Forsythe)
  • Programa:
  • Allegro Brillante. George Balanchine/ Piotr Ilich Chaikovski (Concierto de piano nº 3, op. 75)
  • Delibes Suite. José Carlos Martínez/ Leo Delibes
  • Raymonda Divertimento. José Carlos Martínez/ Alexander Gluzanov
  • In the Middle, Somewhat Elevated. William Forsythe / Thom Willems 

La Compañía Nacional de Danza actúa en Jerez de la Frontera el próximo 23 de mayo, en el magnífico marco del Teatro Villamarta. El público jerezano podrá disfrutar en esta ocasión de un repertorio que abarca algunas de las piezas más representativas de la danza clásica y neoclásica del siglo XX. La noche dará comienzo con Allegro Brillante de George Balanchine, uno de los fundadores del estilo neoclásico, creador del puente entre el ballet clásico y el ballet moderno. A continuación la formación interpretará dos obras de su director artístico, José Carlos Martínez: Delibes Suite y Raymonda Divertimento, que harán las delicias de los más románticos. Y para terminar un subidón de adrenalina con la pieza más emblemática de uno de los coreógrafos imprescindibles de este siglo: In The Middle, Somewhat Elevated, de William Forsythe. Para la ocasión, la CND contará como bailarina invitada con la vallisoletana Clara Blanco, perteneciente en la actualidad al San Francisco Ballet.

Allegro Brillante

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas.  Bailarines/Dancers: Noëllie Conjeaud, Esteban Berlanga, Erez Ilan, Eugenia Brezzi, Alvaro Madrigal, Natalia Muñoz
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas.  Bailarines/Dancers: Alvaro Madrigal, Toby William Mallitt, Eugenia Brezzi, Lucie Barthélémy, Esteban Berlanga, Nandita Shankardass, Natalia Muñoz, Erez Ilan, Jacopo Giarda
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Noëllie Conjeaud, Esteban Berlanga, Erez Ilan, Eugenia Brezzi, Alvaro Madrigal, Natalia Muñoz
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Alvaro Madrigal, Toby William Mallitt, Eugenia Brezzi, Lucie Barthélémy, Esteban Berlanga, Nandita Shankardass, Natalia Muñoz, Erez Ilan, Jacopo Giarda

Coreografía: George Balanchine (© The George Balanchine Trust)
Música: Piotr Ilich Chaikovski (Concierto de piano nº 3, op. 75)
Figurines: Nanette Glushak y Miguel Crespi
Puesta en escena: Nanette Glushak
Adaptación de diseño de iluminación: Nicolás Fischtel
Realización de vestuario: Miguel Crespi
Duración: 17 minutos

Estrenada por el New York City Ballet el 1 de marzo de 1956 en el City Center of Music and Drama de Nueva York
Estrenada por la Compañía Nacional de Danza el 24 de mayo de 2014 en el Teatro Real

Allegro Brillante se caracteriza por lo que Maria Tallchief (la bailarina para la que fue creado el papel principal) llama “un romanticismo ruso expansivo”. El vigoroso ritmo de la música hace que los pasos parezcan incluso más difíciles, pero el ballet descansa sobre una técnica fuerte, un timing preciso y una respiración del gesto. Balanchine dijo: “contiene todo lo que sé acerca del ballet clásico en trece minutos”.
El concierto de piano nº 3 de Chaikovski (1840-1893) fue originalmente escrito como una sinfonía. Pero cuando estaba casi completa, el compositor, no del todo satisfecho, convirtió el primer movimiento en una pieza de concierto para piano y orquesta, para más tarde también alterar el andante y finale que había compuesto. Chaikovski es uno de los más populares e influyentes compositores románticos. Su música es expresiva, melódica y grande en escala, con ricas orquestaciones. Sus creaciones para ballet, compuestas en estrecha relación con Marius Petipa, incluyen El lago de los cisnes, El cascanueces y La bella durmiente.

* La representación de Allegro Brillante, un Ballet Ballanchine®, se presenta gracias al acuerdo con La Fundación George Balanchine y ha sido montada de acuerdo a los Servicios de Balanchine Style® y de Balanchine Technique® establecidos y producidos por la Fundación.

George Balanchine

A partir de la técnica clásica académica y apoyándose en la frescura de la danza abstracta, Balanchine tendió el puente que abrió paso al ballet como parte de la explosión creativa del siglo XX. Nacido en Rusia en 1904 pero afincado en los Estados Unidos, propició una nueva estética del ballet que buscaba bailarines más rápidos, estilizados y versátiles. Inspirándose en la mujer y los grandes compositores, Balanchine creó más de 400 ballets que hoy se representan en todo el mundo. De su paso por el Ballet Mariinsky, los Ballets Russes de Diaghilev o el Ballet de la Ópera de París capturó la diversidad y riqueza del ballet y en 1948 fundó, junto a Lincoln Kirstein, el New York City Ballet, compañía para la que siguió coreografiando hasta su muerte en 1983. Además de Allegro Brillante (1956), la Compañía Nacional de Danza ha tenido en su repertorio Concerto Barocco (1941), Los cuatro temperamentos (1946), Serenade (1934), Chaikovski Pas de Deux (1960), Tema y variaciones (1947) y Who Cares? (1970) 

Delibes Suite

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: YaeGee Park
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Aitor Arrieta, YaeGee Park
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Aitor Arrieta
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: YaeGee Park
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Aitor Arrieta, YaeGee Park
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Aitor Arrieta

Coreografía: José Carlos Martínez
Música: Leo Delibes,
Extractos de “La Source” (escena y “Pas d’Action” del II Acto, Suite No 3) y de “Coppelia” (El Trabajo y el “Galop final” del II Acto)
Figurines: Agnés Letestu
Diseño de Luces: José Carlos Martínez    
Realización de vestuario: Carmen Granell y Taller de la CND
Duración: 13 minutos

Estreno absoluto por Incidence choregraphique el 16 de Marzo de 2003  en L’Orangerie de Roissy en France.
Estrenado por la  Compañía Nacional de Danza el 18 de octubre de 2013 en el Teatro Guerra de Lorca.

Sobre la música del compositor francés Leo Delibes (varios extractos de “La Source” y “Coppelia”), José Martínez ha coreografiado un Paso a Dos dentro de la tradición clásica –adagio, variación del bailarín, variación de la bailarina, coda, en el que se divierte citando el arsenal coreográfico de las piezas más complejas, aportando, eso sí, una cierta y sutil ligereza que entremezcla con la vitalidad que le caracteriza.

Raymonda Divertimento 

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Giulia Paris, Erez Ilan
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: CND
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: CND
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: Lucie Barthélémy
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Giulia Paris, Erez Ilan
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: CND
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: CND
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: Lucie Barthélémy

Coreografía: José Carlos Martínez (sobre la original de Marius Petipa y la versión de Rudolf
Nureyev)
Música: Alexander Glazunov
Figurines: Jordi Roig y Carmen Granell
Duración: 28 minutos

Estreno absoluto por el Ballet Imperial en Teatro Mariinski, San Petersburgo (Rusia), el 19 de enero de 1898.
Estreno por la Compañía Nacional de Danza en Teatro Guerra, Lorca (España), el 18 de octubre de 2013.

El ballet Raymonda -una de las últimas grandes obras de Marius Petipa- despliega sus tres actos en una Edad Media convencional, con héroes que parten a las cruzadas. En la batalla, el caballero Jean de Brienne deberá salvar a su prometida Raymonda de las garras de los sarracenos. La última escena, al fin, les reunirá. Este paso clásico húngaro es un extracto del gran divertimento final: el matrimonio de Raymonda y de Jean de Brienne, celebrado en presencia del rey de Hungría. Del mismo modo que la música toma sus tonalidades exóticas de temas magiares, los pasos clásicos se adornan también de sabores húngaros. Si las piernas bailan en un puro estilo clásico, el busto y los brazos adoptan una gestualidad de danza de carácter.

"Dedicado a Maya Plisétskaya"
José Carlos Martínez
Nuestro agradecimiento al Patronato Municipal de las Artes Escénicas y de la Imagen del Excmo. Ayuntamiento de Zaragoza por la cesión del vestuario de Raymonda.

In the Middle, Somewhat Elevated

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Grupo CND/CND Group
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Grupo CND/CND Group
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Aurélia Bellet, Esteban Berlanga
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: YaeGee Park, Toby William Mallitt

Coreografía: William Forsythe
Música: Thom Willems
Escenografía, figurines y diseño de luces: William Forsythe
Puesta en escena: Agnès Noltenius
Realización de vestuario: Klaus Schreck
Duración: 28 minutos

  • Estrenado por el Ballet de la Ópera de París en el Théâtre National de l’Opéra de París, el 29 de mayo de 1987
  • Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 11 de diciembre de 1992

La fuerza de este trabajo consiste en su  sencillez; In the Middle, carente de efectos externos, se concentra en la forma tradicional de tema y variaciones: el tema inicial, bailado por la bailarina, va en aumento progresivo en relación al número de bailarines, hasta que el resultado del conjunto se transforma en variaciones y pas de deux de creciente complejidad. El aparente desdén de los bailarines contrasta con las rigurosas demandas técnicas que se les exigen El título del ballet hace referencia a dos cerezas doradas que penden del centro del escenario y que sirven como una minúscula reflexión sobre el vasto interior de la Ópera de París, espacio donde fue creado el ballet.

William Forsythe

Educado en Nueva York, Forsythe llegó a la escena de danza europea a sus 20 años como bailarín y Coreógrafo Residente del Stuttgart Ballet. Al mismo tiempo también creó nuevos trabajos para compañías de ballet en Munich, La Haya, Londres, Basilea, Berlin, Frankfurt, París, Nueva York y San Francisco. En 1984, comenzó un período de 20 años en el que sería Director del Frankfurt Ballet donde creó algunos de los más celebrados trabajos teatrales de nuestros días, tales como The Loss of Small Detail (1991) en colaboración con el compositor Thom Willems y el diseñador Issey Miyake. Otros trabajos clave para el Frankfurt Ballet incluyen Gänge (1982), Artifact (1984), Impressing the Czar (1988), Limb’s Theorem (1990), A L I E / N A(C)TION (1992), Eidos:Telos (1995), Endless House (1999),  Kammer/Kammer (2000) and Decreation (2003).
Después de la desaparición del Frankfurt Ballet en 2004, Forsythe estableció una nueva compañía, más independiente – La Forsythe Company. La compañía fue fundada con el subsidio de los estados de Saxony y Hesse, las ciudades de Dresden y Frankfurt am Main, y sponsors privados. Las creaciones más recientes de Forsythe son desarrolladas y representadas exclusivamente por su nueva compañía, Three Atmospheric Studies (2005), You made me a monster (2005), Human Writes (2005), Heterotopia (2006), The Defenders (2007), Yes wee can’t (2008) and I Don’t Believe in Outer Space (2008), mientras que su trabajo anterior sigue siendo representado por las mejores compañías de danza del mundo incluyendo el Kirov, el New York City Ballet, el San Francisco Ballet, el National Ballet of Canada, el Royal Ballet Covent Garden. el Ballet de la Ópera de París y la Compañía Nacional de Danza entre muchas otras. La Compañía Forsythe, con base en Dresden y Frankfurt am Main, disfruta de una residencia anual en el Schiffbauhalle del Schauspielhaus Zürich y también mantiene una apretada agenda de giras internacionales.
El trabajo coreográfico de Forsythe  y las representaciones de su compañía han conquistado la aclamación del público y los más prestigiosos galardones tales como el Bessie (1988, 1998, 2004 y 2007), el Laurence Olivier (1992, 1999 y 2009), Commandeur des Arts et Lettres (1999), el German Distinguished Service Cross (1997), el Premio Wexner (2002) y el Golden Lion (2010). Ha sido elegido Coreógrafo del Año en varias ocasiones por la crítica internacional.
El pensamiento coreográfico de Forsythe ha contribuido a las corrientes artísticas internacionales más significativas  de nuestros días: desde artes escénicas,  artes visuales a arquitectura y multimedia interactiva. Ha creado instalaciones de arquitectura/representación escénica encargadas por Daniel Libeskind en Alemania, Artangel en Londres, Creative Time en Nueva York, y la Ciudad de París. Su corto, «Solo», fue presentado en 1997 en la Bienal de Whitney. En 2006, una exhibición de su trabajo teatral, de cine e instalaciones fue presentado en la Pinacoteca de arte Moderno de Munich. En 1994, Forsythe reinventó virtualmente la enseñanza de la danza con su aplicación informática pionera y ganadora de varios premios «Tecnologías de Improvisación: Una Herramienta para el Ojo de Danza Analítico» que es utilizada por compañías profesionales, conservatorios de danza, universidades, programas de posgrado en arquitectura y escuelas secundarias. Como educador, Forsythe es invitado con regularidad a dar charlas y talleres en las universidades más importantes e instituciones culturales a nivel internacional. Fue Mentor de Danza en el ciclo inaugural del  Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative y actualmente codirige y enseña en el programa Dance Apprentice Network aCross Europe (D.A.N.C.E.). Es miembro honorario del Laban Centre for Movement and Dance en Londres y doctor honorario de la Juilliard School en Nueva York. 

Clara Blanco-Bailarina Invitada-

Clara Blanco nació en Valladolid, y es bailarina solista del San Francisco Ballet. Su interés por la danza comenzó a los 6 años de edad con la bailarina y maestra Beatriz Martin con la que se formó en Valladolid hasta los 12 años. Se traslada entonces a Zaragoza a la prestigiosa Escuela de Danza de María de Ávila. Durante su estancia de 4 años, participa  y es galardonada con los primeros premios del Ballet Contest Bayonne (1997, Francia) del Concurso de Danza Zaragoza (1997), del Concurso de Eurovisión (1999, Lyon) y del Prix de Lausanne (1999), concurso que le otorgó una beca de estudios en la mundialmente reconocida escuela de danza de San Francisco en EEUU. Es allí donde finaliza su formación artística, hasta que dos años más tarde ingresa como bailarina profesional en el San francisco Ballet a los 17 años de edad. Estudió con los mejores profesores y bailarines, nacionales e internacionales, Beatriz Martin, María de Ávila, Virginia Valero, Víctor Ullate,  Natalia Makarova, Lola de Ávila, e Irina Jacobson. Clara Blanco ha bailado y ha servido como inspiración a coreógrafos de renombre como John Neumeier, William Forsythe, Christopher Wheeldon, James Kudelka, Val Caniparoli, Yuri Possohkov, Balanchine, McMillan John Cranko, Jerome Robbins, y Ashley Page entre otros. La fuerte formación tanto artística como técnica ha hecho de Clara Blanco una bailarina versátil, y es por ello que cabe destacar su extensa participación como protagonista en gran número de obras clásicas, neoclásicas, y puramente modernas. Entre ellas destacan: la Bailarina en Petrouchka (Fokine), Paquita (Makarova), Olga en Onegin (John Cranko), la Princesa en Cascanueces, Giselle, el Lago de los Cisnes (Tomasson), Cupido y Kitri en Don Quijote, Fusion (Possohkov), y Number Nine (Wheeldon).

A parte de su intensa y dedicada vida  a la danza, Clara Blanco continúa su formación académica tras haberse graduado y haber completado su Bachelor’s Degree en St. Mary’s College en California, y certificarse como instructora de la técnica Power Pilates.

PROGRAMA CARMEN

COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Daan Vervoort
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Daan Vervoort
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Isaac Montllor
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Daan Vervoort
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: Kayoko Everhart
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Daan Vervoort
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Daan Vervoort
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Isaac Montllor
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarines/Dancers: Kayoko Everhart & Daan Vervoort
  • Foto/Picture: Jesús Vallinas. Bailarina/Dancer: Kayoko Everhart

  • Dirección y coreografía : Johan Inger
  • Música: Rodion Shchedrin y Georges Bizet
  • Música original adicional: Marc Álvarez
  • Editor original de la obra musical Carmen Suite, Bizet-Shchedrin: Musikverlag Hans Sikorski, Hamburgo
  • Dramaturgia: Gregor Acuña-Pohl
  • Escenografía: Curt Allen Wilmer (AAPEE)
  • Ayudante de Escenografía: Isabel Ferrández Barrios
  • Iluminación: Tom Visser
  • Vestuario: David Delfín
  • Asistente del coreógrafo: Urtzi Aranburu
  • Duración: 1 h. 30 min. (Ballet en dos actos)
  • Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza, el 9 de abril de 2015, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Cuando Johan Inger recibió el encargo de la CND, de montar una nueva versión de Carmen, siendo él sueco y ‘Carmen’ una obra con un marcado carácter español, se encontró ante un enorme reto, pero también una gran oportunidad. Su aproximación a este mito universal tendría que aportar algo nuevo. Para ello, Inger decidió centrarse en el tema de la violencia, aproximándose a ella a través de una mirada pura y no contaminada… la de un niño. Partiendo de este enfoque, Inger crea un personaje, que propicia que seamos testigos de todo lo que pasa, a través de sus ojos inocentes, a la vez que contemplamos su propia transformación.

“Hay en este personaje un cierto misterio, podría ser un niño cualquiera, podría ser el Don José de niño, podría ser la joven Michaela, o el hijo nonato de Carmen y José. Incluso podríamos ser nosotros, con nuestra primitiva bondad herida por una experiencia con la violencia que, aunque breve, hubiera influido negativamente en nuestras vidas y en nuestra capacidad de relacionarnos con los demás para siempre.”

  • Alternativa accesible al video
  • 0:00:00.000,0:00:04.000
  • Logo CND. 35 aniversario. Compañía Nacional de Danza. José Carlos Martínez
  • 0:00:04.000,0:00:09.000
  • presenta
  • 0:00:09.000,0:00:16.000
  • Fundido de negro a imagen de una bailarina con pantalones cortos (que representa a una niña) con un balón que cruza la escena de derecha a izquierda en plano medio abierto, lleva un balón bajo el brazo. Título de la coreografía en rojo: Carmen
  • 0:00:16.000,0:00:20.200
  • Plano general, la bailarina se gira de espaldas y se va hacia el fondo. Aparecen nuevos créditos: Dirección y Coreografía Johan Inger. La bailarina continúa avanzando hacia un muro con un espacio abierto y puertas a las bandas donde arroja el balón.
  • 0:00:20.200,0:00:23.100
  • Corte a un plano general en el que un hombre vestido de traje gris con una media en la cabeza avanza de izquierda a derecha sobre la parte del muro con todas las puertas cerradas.
  • 0:00:23.100,0:00:25.100
  • Otra vez vemos a la bailarina con la pelota frente al muro, ligeramente girada y parece mirar hacia el hombre que se acerca.
  • 0:00:25.100,0:00:27.000
  • por sorpresa desde la banda derecha y con la bailarina mirando hacia la derecha, el personaje, que parece simbolizar una asechanza, para una mano extendida y el brazo sobre la cabeza de la bailarina y la obliga a inclinarse hacia atrás hasta que se cae
  • 0:00:27.000,0:00:28.100
  • La coge de los pies y la gira 180º
  • 0:00:28.100,0:00:29.400
  • Otra vez la niña estática de pies y de espaldas al espectador sobre un fondo negro
  • 0:00:29.400,0:00:36.000
  • Correrías de un grupo de muchachos vestidos con pantalones cortos y de pronto todos miran hacia la puerta abierta de donde sale una bailarina, Carmen y otro grupo de bailarinas tras de ella.
  • 0:00:36.000,0:00:55.000
  • Vemos a Carmen vestida con un traje corto rojo de volantes acercarse hacia el espectador con movimientos ondulantes de cadera muy insinuantes. Los chicos juegan con ella cruzándose a su paso con deseos de seducirla.
  • 0:00:55.000,0:00:57.000
  • Todos los personajes de agrupan en la parte izquierda del escenario y en un plano general muy abierto, se ven a lo lejos, en la puerta abierta a Carmen con un hombre trajeado de gris, Don José.
  • 0:00:57.000,0:01:00.000
  • La escena se aproxima y muestra a Don José de pies, mirando a lo alto, de donde caen flores amarilla, luego se le ve sentado entre las flores con las piernas levantadas. Luego de pies, con una flor amarilla sujeta junto a cuello haciendo movimientos convulsos.
  • 0:01:00.000,0:01:01.300
  • La niña de espaldas y él detenido frente a ella con las flores en las manos
  • 0:01:01.300,0:01:02.100
  • La niña de espaldas empuja el muro alejándolo hacia el fondo, pero en el siguiente plano el muro continúa y parece moverse solo mientras ella mira extrañada desde la banda derecha de la escena.
  • 0:01:02.100,0:01:11.200
  • Aparece una escena del grupo de bailarinas con faldas cortas de volantes de oscuras y sujetador visto, están peleando entre ellas. Tras varios juegos compositivos una es empujada por Carmen hasta caer al suelo y la música se detiene.
  • 0:01:11.200,0:01:32.000
  • Se levanta y la pelea continua con movimientos muy originales por parte del grupo y las dos bailarinas enfrentadas hasta que carmen la arroja al suelo por segunda vez con un corte sangrante en la cara.
  • 0:01:32.000,0:01:41.300
  • Aparecen Carmen y Don José en un forcejeo, ella se insinúa sexualmente abriendo las piernas, más tarde contorsionándose hacia atrás entre un juego de espejos que la refleja varias veces.
  • 0:01:41.300,0:01:59.300
  • El juego de espejos aporta dramatismo a la escena en que ambos se relacionan con varios pasos y juegos visuales y una música que parece presagiar que algo malo va a suceder. La expresión de Don José denota cierta desesperación unida a su fuerte deseo por esta mujer.
  • 0:01:59.300,0:02:03.300
  • Don José, de uniforme, está sujeto por los brazos por dos personajes vestidos con camisas blancas y otro oficial vestido de gris que parece arrancarle galones u otros objetos no expresos en la escena.
  • 0:02:03.300,0:02:06.100
  • El grupo de bailarines y bailarinas can cruzando la escena, parecen querer avisar a Carmen de algún peligro.
  • 0:02:06.100,0:02:08.100
  • Don José muestra un impulso incontenible de avance mientras dos personajes le detienen sujetándole por los brazos y haciéndole girar.
  • 0:02:08.100,0:02:14.100
  • Sobre un escenario oscurecido y con el reflejo del juego de espejos, corren todos los personajes, parecen desconcertados. Se ve a Carmen del brazo de otro hombre y a Don José agarrándola por el brazo para separarla de él y lanzando al hombre al suelo
  • 0:02:14.100,0:02:16.100
  • Don José solo desde la banda derecha apunta con una pistola y el brazo muy estirado y dispara.
  • 0:02:16.100,0:02:20.100
  • Una música tétrica y un grupo de bailarines con medias en la cabeza, que parecen emisarios de la muerte recogen al hombre muerto ante el estupor de carmen que mira atónita la escena.
  • 0:02:20.100,0:02:23.300
  • La niña en el margen izquierdo se echa las manos a la cabeza, dos José en la banda derecha simula que corre, se enfoca de nuevo a la niña en un plano más detallado.
  • 0:02:23.300,0:03:01.300
  • Ahora, plano a plano, con espectacular expresividad y un dramatismo creciente, se intercalan escenas que muestran la zozobra emocional de Don José, está bailando con los personajes de la media en la cabeza, ahora parecen los remordimientos. Mientras tanto, Carmen se divierte con un torero vestido con traje de luces negro y su grupo de amistades con escenas impregnadas de sexualidad entre el juego de reflejos de los espejos.
  • 0:03:01.300,0:03:13.200
  • Se ve a Don José alzando a la bailarina en el mismo escenario, al fondo la niña mira vestida de negro, se ve un fuerte forcejeo lleno de violencia por parte de Don José hacia Carmen.
  • 0:03:13.200,0:03:20.100
  • Corren los personajes grises con al media en la cabeza, puertas iluminadas giran en el escenario haciendo un círculo, se ven personajes en tierra, Don José y Carmen se acercan desde el fondo cogidos de la mano.
  • 0:03:20.100,0:03:23.300
  • Los personajes grises se apuñalan entre ellos anticipando un desenlace fatal.
  • 0:03:23.300,0:03:29.000
  • De nuevo Carmen y Don José, esta vez él la abraza y besa en el cuello contra el deseo de ella hasta que finalmente la apuñala y se corta la escena y la música de un gran dramatismo.
  • 0:03:29.000,0:03:34.000
  • Pantalla a negro y luego, con música de campanas, se ven los iconos de las redes sociales de la CND, facebook, twitter, vimeo y twitter y la url de la página web, cndanza.mcu.es.
  • 0:03:34.000,0:03:50.000
  • Larga secuencia de créditos con bailarines y equipo de realización.
  • 0:03:50.000,0:03:52.000
  • Logo Loewe Foundation, Gobierno de España, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte e Inaem.

-Johan Inger-

Coreógrafo

Espacio escénico

El espacio escénico para esta nueva propuesta de ‘’Carmen’’ se basa conceptualmente en la creación de una escenografía muy clara y limpia, definida por la sencillez y rotundidad de las formas, y por la honestidad visual de los materiales elegidos. Se busca la asociación de atmósferas mediante la reinterpretación de la novela original, evitándose cualquier tipo de estética costumbrista. Sevilla es un lugar cualquiera, la fábrica de tabacos es cualquier industria y los montes de Ronda representan un estado de ánimo al límite, que traducido al espacio se refleja como suburbios, ámbitos oscuros, escondidos o inseguros. Para crear estas atmósferas la escenografía recoge tres materiales, el hormigón, el espejo y un onduline negro, y surge de una forma, el triángulo equilátero que representa de manera instintiva y por asociación al universo de la obra. Tres es el número que rompe la baraja, tres el que provoca los celos, tres el que finalmente desemboca en la violencia.

Tres por tres igual a nueve prismas.
La escenografía se sintetiza en 9 prismas móviles con tres caras diferentes cada uno, conducidos por los bailarines a través de la coreografía, y con los que se va articulando los diferentes espacios. Espacios limpios que no obstaculizan la lectura del discurso danzado, y que acentúan posibles lugares y posibles estados de ánimo sólo a través de la forma y del material.
El suelo cambia a lo largo de la obra de claro a oscuro, y unas lámparas acompañan tres momentos diferentes: la fábrica, la fiesta y las montañas, y serán, aparte del vestuario, el único toque de color en la escenografía.
La escenografía se quiere mostrar dinámica y funcional, al servicio de una propuesta que nos va a hablar, desde la perspectiva de un niño, sobre las múltiples facetas de esta obra universal, entre ellas la violencia y sus consecuencias.

-Curt Allen-
Escenográfo

Figurines

Carmen, boceto de vestuario Las pautas marcadas por el director de la pieza han sido sobriedad, atemporalidad, contemporaneidad y un sutil acercamiento a la década de los 60’s. Todo ello visto desde la simbología y la metáfora. Los caracteres y personalidad de los personajes se verán tocados por estos conceptos. Su idea es crear una nueva Carmen, huyendo de los estereotipos estéticos de la obra y de la época, desdoblando y trasladando sus personajes a una especie de equivalente contemporáneo.
De esta forma, los militares se acercan a otra forma estética de poder, como podrían ser los ejecutivos. El torero, la estrella de la obra, estaría más cercana a una estrella de cine o de rock…
Este simbolismo se ve reforzado por personajes metafóricos. Los gitanos, seducidos por los encantos de las cigarreras que despiertan sus instintos animales, se transforman casi en perros. La ingenuidad, la pureza, la bondad y el misterio humano lo representa un niño, una presencia andrógina que se va oscureciendo durante el transcurso de la obra. La violencia y la frustración se traducirá en “sombras”, personajes que irán tomando más presencia y protagonismo en la segunda parte de la obra. Sofisticación en los personajes durante la fiesta del primer acto, cotidianidad en un personaje de limpiadora…
Y Carmen. Algunas anotaciones del análisis de Johan: Ser libre, valiente, contemporánea, quizá una personalidad apocalíptica. Un vestuario que transmita fuerza e identidad, quizá tocada por cierta ambigüedad estética.
La primera parte será más luminosa y colorida. La segunda más oscura, inundada de grises y negro. Los tejidos se elegirán contando con su mantenimiento y conservación, materiales que faciliten el lavado y planchado. Sobre todo mezcla de algodones y poliéster con un pequeño porcentaje de elastán.
Este punto de partida para la creación del vestuario de esta obra, como todo proceso creativo, se dejará tocar y transformar por el avance y las necesidades de la construcción de Carmen. 

-David Delfín-
Diseñador del vestuario

Johan Inger

Nace en Estocolmo, Suecia (1967). Completa su formación de danza en la Royal Swedish Ballet School y la National Ballet School (Canadá). Desde 1985 hasta 1990 baila en el Royal Swedish Ballet, el último año como Solista. Fascinado por el trabajo de Kylián, Inger tuvo claro que el siguiente paso en su carrera de bailarín tendría que ser hacia el Nederland Dans Theater. En 1990 ingresa en el NDT y pronto se convierte en uno de los bailarines con más carácter y carisma de la Compañía.
Cuando Inger prueba suerte en el NDT’s Annual Choreography Workshop, Kylián ve un gran talento para la coreografía. Después de cuatro piezas para los talleres del NDT, Inger es invitado en 1995 a crear su primer trabajo para el NDTII. Mellantid supone su debut oficial como coreógrafo. Su estreno, en el marco del Holland Dance Festival, fue un éxito rotundo y en 1996 obtiene el Philip Morris Finest Selection Award en la categoría de Mejor Producción Nueva de Danza.
Desde su debut, Inger ha creado varios trabajos para el NDT (Sammanfal, Couple of Moments, Round Corners, Out of breath). Por sus ballets Dream Play y Walking Mad, recibe el Lucas Hoving Production Award en octubre de 2001. Walking Mad (bailada posteriormente por el Cullberg Ballet) fue galardonada con el Danza & Danza Award 2005. Inger fue nominado en distintos Premios holandeses como el Golden Theatre Dance Prize 2000, el VSCD Dance Panel y el Merit Award 2002 del Stichting Dansersfounds’79. En 2013 Inger recibe el prestigioso premio Carina Ari en Estocolmo por la difusión internacional del arte y la danza suecas.
Inger abandona el NDT en 2003 para hacerse cargo, como director artístico, del Cullberg Ballet. En los seis años siguientes crea varias coreografías para esta compañía: Home and Home, Phases, In Two, Within Now, As if, Negro con flores y Blanco, entre otras. Para celebrar el 40 Aniversario del Cullberg Ballet crea Point of eclipse (2007). En el verano de 2008 deja la dirección artística de la Compañía y se dedica por completo a la coreografía. En febrero de 2009 produce un nuevo trabajo para el Cullberg Ballet, Position of Elsewhere. En octubre de 2009 crea Dissolve in this para el NDTI y II en la Apertura de su 50 Jubilee Season. Desde 2009 Johan Inger es Coreógrafo Asociado en el NDT. En mayo de 2010, el Goteborg Ballet de Suecia estrena su nueva obra Falter y en septiembre de ese mismo año el NDT Tone Bone Kone.  En septiembre de 2011 crea Rain Dogs, basada en la música de Tom Waits, para el Basler Ballet de Suiza. En 2012, Inger crea Inger made, I New Then, para el Nederlands Dans Theater 2 y en  2013, Sunset Logic, para el Nederlands Dans Theater 1 en La Haya, Holanda En septiembre de 2013 creó Tempus Fugit para el Ballet de Basel en Suiza.  Su última creación, antes de Carmen para la CND, ha sido B.R.I.S.A., 2014 para el Nederlands Dans Theater 2 y The Rite of Spring para el Royal Swedish Ballet en Estocolmo.

Johan Inger ha sido galardonado con el Benois de la Danse 2016 por su coreografía Carmen, originalmente creada par la CND.

  • Vídeo
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      Cascanueces de José Carlos Martínez. Fotos: Carlos Quezada

    • SOLICITA INFORMACIÓN PARA PRESENTARTE A LAS AUDICIONES CND
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  • Confirme Fechas

    Las fechas y programaciones que aparecen en esta web son orientativas y están sujetas a posibles cambios. Por favor, confirme siempre las fechas, programas y horarios en los teatros correspondientes.

     

    Mujer con sombrero de Minus 16. Ohad Naharin
  • Aviso Legal

    En cumplimiento de la normativa vigente en materia de protección de datos personales, le informamos que los datos personales recabados en este formulario forman parte de ficheros responsabilidad del INAEM Compañía Nacional de Danza y son tratados por ésta con la finalidad de gestionar las comunicaciones entre la COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA y usted. Puede ejercer sus derechos de Acceso, Rectificación, Cancelación y Oposición a través de la siguiente dirección Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. (Ley Orgánica 15/1999, de 13 de diciembre, de Protección de Datos de Carácter Personal).

     

    Aviso Legal. Picture Don Quixote. Seh Yun Kim performs Dulcinea del Toboso

  • Accesibilidad

    El web de la Compañía Nacional de Danza se está construyendo para facilitar el acceso universal y se adapta a las recomendaciones del Consorcio World Wide Web – W3C,  para conseguir la calificación de AA, lo que permitirá mejorar el acceso y la experiencia en la navegación del colectivo de personas con discapacidad y del resto de usuarios que accedan al sitio Web.

    Pautas de accesibilidad seguidas en este web:

    Se han tomado en consideración las Pautas de Accesibilidad para el Contenido Web” (WCAG), en su versión 2.0 de diciembre de 2008, publicadas por la WAI (Web Accessibility Initiative), iniciativa  perteneciente  al  W3C (World  Wide  Web  Consortium).  Dichas  recomendaciones  tienen  un reconocimiento universal en cuanto a la consecución de una Web accesible. 

    Se ha instalado la herramienta de accesibilidad  Screen Reader situada en la parte inferior de cada páginas que permite:

      • Descripción oral del texto seleccionado para discapacitados. La activación del mecanismo de vocalización permite escuchar la información seleccionada en los distintos idiomas en los que se traduzca la página.
      • Contrastar la pantalla y acentuar el contraste del texto.
      • Cambiar la medida de la letra,  también puede alterarse esta medida mediante la rueda central del ratón tras presionar las teclas Crt+Alt o desde el navegador. 

    Aumentar o reducir tamaño del texto desde el navegador

    Se ha conseguido que las fuentes utilizadas tengan dimensiones relativas, permitiendo de esta forma controlar y dimensionar el tamaño desde el propio navegador. La forma de acceder a esta personalización varía en función de cada navegador y plataforma, estando dicha opción en diferentes ubicaciones del menú. En las siguientes listas mostramos la ruta que hay que seguir en los navegadores más extendidos que permiten esta funcionalidad: Puede utilizar las siguientes combinaciones de teclas en todos los navegadores:

    • En Linux y en Windows - Acercar: pulse CTRL "+"
    • Alejar: pulse CTRL "-"
    • Restablecer o Tamaño original: pulse CTRL "0" (excepto en Internet Explorer)
    • En Mac:Acercar: pulse COMANDO "+"
    • Alejar: pulse COMANDO "-"
    • Restablecer o Tamaño original: pulse COMANDO "0"
    • Para cambiar el tamaño del texto, utilice los controles del navegador:
    • Internet Explorer: En la barra de menú, seleccione Ver > Zoom > Acercar o Alejar, o bien seleccione un porcentaje.
    • Firefox: En la barra de menú, seleccione Ver > Solamente zoom en el texto, y seleccione Aumentar o Disminuir en el mismo menú. Solamente cambia el tamaño del texto, mientras los demás elementos de la página permanecen iguales. Si desea cambiar todos los elementos de la página, anule la selección de Solamente zoom en el texto y seleccione Ver > Aumentar o Disminuir. Seleccione Restablecer para que la vista regrese al tamaño original.
    • Safari: En la barra de menú, seleccione Visualización > Acercar/Alejar sólo el texto, y seleccione Acercar o Alejar en el mismo menú. Solamente cambia el tamaño del texto, mientras los demás elementos de la página permanecen iguales. Si desea cambiar todos los elementos de la página, anule la selección de Acercar/Alejar sólo el texto y seleccione Visualización > Acercar o Alejar. Seleccione Tamaño real para que la vista regrese al tamaño original.
    • Google Chrome: En la barra de menú, seleccione Ver > Acercar o Alejar. Seleccione Tamaño real para que la vista regrese al tamaño original.
    • Opera: Sobre el icono del navegador despliegue el menú y seleccione la opción Menú/Escala 

    Por otra parte: 

    • El posicionamiento de los contenidos se realiza mediante la utilización de hojas de estilo en cascada CSS.
    • Se utiliza código (X)HTML estándar. El contenido se encuentra marcado con etiquetas, dotando de información de contexto y permitiendo al usuario poder diferenciar encabezamientos, secciones, párrafos, listas, etiquetas. 
      Se han añadido descripciones alternativas de las imágenes e indicado las opciones que enlazan con páginas externas.
    • Se ha verificado la visualización en diferentes navegadores y dispositivos móviles
    • Se ha creado un menú desplegado a pie de página para los dispositivos que no puedan navegar por el menú principal y acceso mediante botones adicionales a las distintas subsecciones de cada sección (visibles en ordenadores de mesa, laptop e ipad).
    • Los iframes tienen contenido alternativo con el uso de etiquetas title y enlaces textuales a youtube o vimeo. 
  • Créditos

    ©COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

    • Reservados todos los derechos. Prohibida la reproducción total o parcial sin la debida autorización.
    • Coordinación de Proyecto: Maite Villanueva (CND)