Compañía Nacional de Danza

Coreografía: Vitali Safronkine
Música: F. Chopin
Bailarines: Christina Casa e Iker Murillo

Sinopsis: Después de 6 años creando para Covent Garden Dance Company, Vitali llevará una pieza única, inspirada en la belleza de los jardines Ingleses. En la creación de este año, la brisa que fluye a través de las rosas y las notas de Nocturne de Chopin, guiarán los cuerpos en movimiento hacia el anochecer.

Iker Murillo

Bailarín y Director Artístico de la Compañía de Danza Uniqart.
Iker Murillo nació en San Sebastián, España y a los quince años se trasladó a Madrid en busca de una formación competitiva en danza ansioso de evolucionar y crecer en su repertorio neoclásico, se unió al «Richard Wherlock’s Basel Ballet» en 2011.
Ingresó en la distinguida «John Cranko Ballet School» en Stuttgart, Alemania, de la que se graduó más tarde.
Su carrera profesional de danza se inició en 1997 como solista con el «Saarländischen Staatstheater», y en un intento de ampliar su repertorio se une más tarde al «Heinz Spöerli’s Zürich Ballet» en 2001, donde interpretó varios papeles impresionantes junto a coreógrafos de renombre mundial.
Su viaje le llevó al «Richard Wherlock’s Basel Ballet de Basilea» hasta 2012. Desde entonces, ha realizado giras y actuaciones en escenarios de renombre mundial con «El Ballet Béjart Lausana».
La trayectoria única de Iker Murillo durante 17 años le ha merecido varias menciones en la aclamada «Ballettanz Magazine»: 2002 «Young Dancer to watch», 2008 «Outstanding Dancer», y «Dancer of the Year» en 2010.
Recibió el premio «Revelación de la Danza» en 2008 por la Asociación Profesional de Danza de Gipuzkoa.
En 2012 actuó para el presidente del País Vasco.

Vitali Safronkine

Coreógrafo residente en la compañía de danza Uniqart.
Vitali Safronkine nació en Samara, Rusia, y comenzó su formación de danza en la «Rudolf Nureyev Ballet School» y a la edad de 15 años dejó su país natal para avanzar su formación en la «Swiss Professional Ballet School» (SBBS) en Zurich.
Recibió una beca de la «Nureyev Foundation» y en el año 2002 fue finalista en el certamen de ballet «Prix de Lausanne».
Ese mismo año ganó el «Concurso Internacional de Ballet de Kiev» en Ucrania.
Su carrera profesional se inicia en 2004 con el Ballet Zürich de Heinz Spoerli, donde alcanza el grado de «Solista» hasta 2010.
En 2012 prosigue su carrera en el «Béjart Ballet Lausanne», donde no sólo amplía su repertorio con diversos y desafiantes papeles, sino que también se estrena como coreógrafo escenificando su intemporal ballet «Reflejos» en junio de 2013.
Desde 2008, Vitali ha producido más de 14 coreografías originales para compañías de ballet establecidas, cumpliendo con sus obligaciones como bailarín.
Sus impresionantes trabajos han sido interpretados en Galas Internacionales de Ballet así como en competiciones profesionales de ballet. Además, ha compartido su pasión por la creación de ballets con varias escuelas de ballet en Europa.
Como nominado en 2013 a «A New Name to Watch» por la revista Dance Europe Magazine, este empresario único busca continuamente ampliar sus horizontes como bailarín y coreógrafo.
En 2016 Finalista del Concurso Coreográfico Emergente de Biarritz, organizado por el Ballet Malandain y la Ópera Nacional de Burdeos.

Iker Murillo Director Artístico Uniqart Dance Company

Coreografía: Lucio Baglivo con el aporte de Candelaria Antelo y Maximiliano Sanford
Intérpretes: Candelaria Antelo, Anuska Alonso, Maximiliano Sanford, Lucio Baglivo
Vestuario: Lucio Baglivo
Colaboración: Soledad Oviedo

LUCIO BAGLIVO
Actor, bailarín, profesor de danza y director artístico, el objetivo de las obras de Lucio Baglivo es lograr un trabajo escénico que, a través de la danza, la acrobacia y el teatro, transmita emociones y conecte con el espectador, potenciando todos los sentidos en escena. Cada proyecto busca un lenguaje de movimiento propio y una poética escénica particular.

Coreógrafo y Bailarín: Alejandro Moya
Asistente de Coreografia: Miguel Ballabriga
Fotografia: Miguel Ballabriga
Montaje Musical: Juan Crespo
Video: Victor Pajares
Diseño de Luces: Beatriz Francos

INTRODUCCIÓN
Solo de danza que tiene influencias de la copla y la tauromaquia, siendo un homenaje para Antonio Molina y para los toreros.
El intérprete desarrolla su expresión sentimental a través de la dramaturgia musical, combinando con silencios donde el lenguaje sufre modificaciones para pasear por distintos estados físicos que complementen y den distancia a la idea fundamental de expresión. Se trabaja sobre letras de Poesía de la copla, enfatizando en sensaciones concretas que se trasmiten en ellas.

DESARROLLO
La obra es una ceremonia, donde el interprete se encomienda al “Lucero de la mañana”( Lucero al que tradicionalmente se encomiendan los toreros) para que le alumbre en su suerte.
Entrando en el escenario, frágil pero protegido por su capa, consigue preparar el terreno para la primera escena: Un sueño, una fantasía. El sueño es “La Rosa del Penal” Milonga de 1957 escrita por Arroyo Benito y cantada por Antonio Molina.
Al despertar se encuentra desorientado, quiere encontrar su lucero para poder encomendarse a él, pero otras luces lo confunden y entra en espirales que lo van meciendo por el espacio hasta que su capa consigue pararle los pies. Entonces una dualidad interna hace que lentamente trate de huir, incapacitado y triste, pero en esos momentos el lucero comienza alumbrarle y puede finalizar su ceremonia.
Esta ultima escena se desarrolla con la letra “Lucero de la Mañana”-­‐ Tientos de Perelló y Montorio.

REFERENCIAS
INTRODUCCIÓN
Solo de danza que tiene influencias de la copla y la tauromaquia, siendo un homenaje para Antonio Molina y para los toreros.
El intérprete desarrolla su expresión sentimental a través de la dramaturgia musical, combinando con silencios donde el lenguaje sufre modificaciones para pasear por distintos estados físicos que complementen y den distancia a la idea fundamental de expresión. Se trabaja sobre letras de Poesía de la copla, enfatizando en sensaciones concretas que se trasmiten en ellas.
DESARROLLO
La obra es una ceremonia, donde el interprete se encomienda al “Lucero de la mañana”( Lucero al que tradicionalmente se encomiendan los toreros) para que le alumbre en su suerte.
Entrando en el escenario, frágil pero protegido por su capa, consigue preparar el terreno para la primera escena: Un sueño, una fantasía. El sueño es “La Rosa del Penal” Milonga de 1957 escrita por Arroyo Benito y cantada por Antonio Molina.
Al despertar se encuentra desorientado, quiere encontrar su lucero para poder encomendarse a él, pero otras luces lo confunden y entra en espirales que lo van meciendo por el espacio hasta que su capa consigue pararle los pies. Entonces una dualidad interna hace que lentamente trate de huir, incapacitado y triste, pero en esos momentos el lucero comienza alumbrarle y puede finalizar su ceremonia.
Esta ultima escena se desarrolla con la letra “Lucero de la Mañana”-­‐ Tientos de Perelló y Montorio.
REFERENCIAS

Como una de las inspiraciones de la pieza se han utilizado las palabras de Ángela Molina.
Fragmento de una entrevista en el programa Cantares. Hablando de la canción española:
Es una de las formas mas autenticas que tenemos de expresión, es una canción que nos acompaña en nuestras penas, en nuestras alegrías, siempre a formado parte de nosotros, de nuestro origen.
Es una canción que es arma y recompensa a la vez, con la que pedimos justicia, con la que nos damos un amor, con la que nos aproximamos unos a otros, es una parte de nosotros.
Creo que nos merecemos el tener conciencia continuamente de nuestras raíces, darles un valor y mimarlas, sentirnos en relación a ellas, tiene su sitio, tiene un por que y una razón de ser.

Pélvico es una pieza de danza contemporánea que lejos de eludir lo obvio lo subraya: una obra pensada, coreografiada e interpretada por mujeres. No sobre la mujer, si no desde la mujer. Con el cuerpo, su construcción y su movimiento como premisa. Un cuerpo propio a razón del sexo que indaga sobre su propiedad a razón del género.

Dirección artística y coreográfica: Asun Noales
Intérpretes: Saray Huertas, Diana Huertas, Carmela García, Asun Noales
Diseño de iluminación: Asun Noales / Richard Cano
Documentalista: Francisco Sarabia Marchirán
Diseño de vestuario: OD
Música: Varios Autores
Fotografía y vídeo: Germán Antón
Diseño gráfico: Los Machos
Asesoría Músical: Germán Antón y Francisco Sarabia Marchirán
Sonido: Eurotrack Estudio
Dirección técnica: Richard Cano
Comunicación: Francisco Sarabia Marchirán
Producción ejecutiva y distribución: Amadeo Vañó – Cámara Blanca
Residencia: CCCE L’Escorxador

Idea, coreografía e Interpretación: Jesús Benzal y Ole Kristian Tangen
Fecha y lugar de estreno: 28 abril 2017 en Dansens Hus, Oslo – Teatro Nacional de Danza Contemporánea de Noruega
Vestuario: Trude Amalie Leirpoll
Colaboración: Camille Balcaen, Clàudia Bosch, Irene Rubio
Duración: 15-25 min.

SINOPSIS: La acción tiene lugar en un solitario bar de una vieja carretera apartada de la circulación. Su sedentaria y peculiar clientela forma parte esencial de la Venta, ellos son los que mantienen el pulso de un paraje que exhala de manera constante. Cada personaje nos acerca a una realidad sujeta al borde de un abismo en el que nada es para siempre. Todo es efímero, incluso historias planas relatadas en repetidas ocasiones. Se puede tener todo y perderlo al instante. En esta pequeña comunidad, la soledad rutinaria de cada individuo se enfrenta a la llegada indeseada de lo predecible: este es el punto donde la creación tiene lugar.

Es una plataforma coreográfica creada por dos bailarines: Joana Brito y Wody
Dirección artística: Wody Santana
Coreografía: Wody Santana / Joana Brito / Valentina Pedica
Interpretes: Wody Santana / Valentina Pedica / Joana Brito
Diseño de Luz: Israel G. López –Torrecilla

Santana. Displaced nació de manera casi espontánea fruto de una fuerte conexión artística y personal entre sus creadores, dos individuos desplazados de su país de origen por las circuntancias, con la necesidad urgente de transmitir un lenguaje propio e compartir sus inquietudes a traves del mismo. Sus origenes luso-brasileñas son uno de los motores para el proceso creativo. Especial atención a la sofisticacion de movimiento, que se contagia a todo equipo dando atención a los más minimos detalles. Su manera de trabajo es, en gran medida, a partir de colaboraciones con artistas nacionales e internacionales de diferentes ramas artisticas, que permiten a DISPLACED generar obras de arte versatiles, potentes y de gran plástica. (ver PDF)
En el ámbito de la residencia en la CND, DISPLACED seguirá trabajando la pieza «Nuvem Congelada», con la que ha participado en distintos eventos, festivales y certámenes, y con la que ya tiene una agenda para 2017. Paralelamente, la plataforma iniciará el proceso creativo de su nuevo proyecto «Rapsodia», con el que tiene actuaciones agendadas y que será parte de un posible proyecto entre Portugal y España.

Rapsodia

(Las rapsodias existían en la Grecia de la antigüedad cuando un rapsoda tomaba un trozo de un poema de Homero y se encargaba de recitarlo, dejando de lado el resto de los versos. En el ámbito de la música se conoce como rapsodia al tema que se compone a partir de la unión libre de diversas unidades rítmicas y temáticas, que no tienen vínculo entre sí).
Rapsodia es la unión de fragmentos de varias ideas diferentes. Nos proponemos a afrontar un proceso creativo que tiene como idea base la falta de la “inspiración”/”motivación” a que el artista está sujeto cuando se decide o se plantea crear, traspasándolo a lo que eso podría significar en nuestras vidas cotidianas ¿Qué seria esta búsqueda de la motivación, motivación para qué? ¿A que esperamos? ¿Qué nos inspira? ¿Por qué necesitamos inspiración? Como referencia nos surgen las obras “Esperando a Godot” de Samuel Beckett, “El Exilio de Garden” de Carlos Saura y “Seis personajes en busca de un autor” de Luigi Pirandello. Todas las obras representan este lugar “absurdo” del vacío. Planteamos la creación para 3/4 bailarines, ubicados en un hotel durante las vísperas de noche vieja; prevalece un espíritu de fiesta forzado, no espontaneo, porque la época les obliga; y mientras la noche transcurre repasan en sus cabezas el año que está a punto de culminar, prospectando con ilusión el año que vendrá. Con una estética minimalista y embebidos en el teatro del absurdo, los bailarines desarrollan y corporifican esta discusión existencialista y patética de sus miedos y frustraciones, su “falta de vida”, su deseo de aventuras algún día soñadas.

Dirección artística: Luz Arcas
Distribución y producción: Julia Sueiro
Desde su nacimiento, en el año 2009, La Phármaco se propone recuperar el concepto clásico de ceremonia escénica, en la que los elementos expresivos se reúnen y se afinan en una misma tonalidad, comprometida con un mensaje, cuyo eje es el ser humano. La Phármaco cree que la danza no se limita a una cuestión de géneros ni de estilos, sino que su labor es tratar de hacer visible lo que estaba oscuro y reivindica la ceremonia escénica como un mecanismo necesario, social y humanista, capaz de dialogar con las voces fundamentales de nuestra cultura, demuestra Historia.

Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán con ella es una obra para cinco bailarinas con música en directo interpretada por piano, vientos y voz y con una propuesta innovadora de espacio escénico y vídeo.
Coreografía: Luz Arcas
Dramaturgia: Abraham Gragera
Dirección artística: Luz Arcas
Distribución y Producción: Julia Sueiro, Sofía Manrique, La phármaco
Baile: Raquel Sánchez, Begoña Quiñones, Ana Catalina Román, Nadia Vigueras, Elena González-Aurioles
Composición musical, piano y órgano positivo: Carlos González
Voz: Laura Fernández
Vientos: Cristian Buades
Fotografía y Vídeo: Virginia Rota
Diseño Gráfico: María Peinado Florido
Diseño de Vestuario: Heridadegato
Iluminación: Jorge Colomer

SINOPSIS: PUJANZA es un proyecto de danza española donde se muestra, sin adornos ni pretensiones, la danza española por derecho: con sus acentos, movimientos briosos y calidad artística.
Con este proyecto se pretende reivindicar las pocas oportunidades que los jóvenes bailarines formados en danza española tienen para mostrar sus facultades técnicas y artísticas.
Fecha de estreno.
La creación´PUJANZA´completa se estrenará el sábado 27 de mayo de 2017.
Agradecimientos.
A cada uno der los bailarines y bailarinas que forman parte de este proyecto.
A la Compañía Nacional de Danza, Real Conservatorio Profesional de Danza `Mariemma´ y Ballet Teatro de Rafael Aguilar.

Concepto: Nuestro punto de partida será puramente la fisicalidad y el material coreográfico que hemos desarrollado durante el último año viajando por 10 países alrededor del mundo y colaborando con muchos bailarines y artistas. Queremos mantenernos abiertos y ver donde nuestra creatividad nos lleve, sin limitaciones y sin barreras.

Estrenado en Valencia el 24-25-29-30 junio y 1-2 de julio

“Anatomía y Estrategia” es el título del solo de Natalia Fernándes premiado en la categoría Me, Myself and I, en el 29º Certamen Coreográfico de Madrid. El solo propone una mirada atenta y vehemente en la relación del ser humano con su entorno, reflexionando de manera no obvia acerca de las estrategias que crean nuestros cuerpos a la hora de enfrentarse a las líneas fronterizas de la realidad y racionalidad humana.
¿Cuál es la relación de los cuerpos con las líneas de la razón de nuestro siglo? ¿Dónde empieza y donde finaliza su naturaleza? ¿Cómo las dominamos? ¿Cuándo no las dominamos?

Estudios para Anatomía – La Mujer
Como resultado de una colaboración artística de Natalia Fernándes con dos artistas residentes en Madrid – Isabela Rossi y Dakota Comín – el proyecto “Estudios para la Anatomía – La Mujer” marca el primer paso que pretende acceder al pensamiento contemporáneo, con nuestros principales cuestionamientos y comportamientos, a través de los músculos, huesos y órganos.
“El cuerpo es pensamiento, así, el movimiento del cuerpo es, en consecuencia, el movimiento del pensamiento”. Este razonamiento es la base inicial y motor del trabajo físico de Natalia para esta investigación, siendo el pensamiento y el movimiento una fuente de acción recíproca.
En este primer estudio, enfocado en la cuestión de la mujer y su anatomía, las intérpretes investigan el pensamiento femenino, sus cuestiones y deseos vía las posibilidades y limitaciones de la anatomía.

Creación de Natalia Fernándes
Bailarinas: Dakota Comin e Isabela Rossi (Estudios para Anatomía – La Mujer), Natalia Fernándes (Anatomía y Estrategia)
Música: Rodrigo Ramos
Iluminación: Pablo Seoane
Imágenes y Video: Agustina Arán
Texto Proyectado: poema del ´Livro da Dança´, de Gonçalo M Tavares
Teaser: Marlene González, Jonatan Doblado, Yaina Llano
Colaboradores: Jerónimo Bittencourt, Clarissa Sachelli, Barbara Faustino, Gonçalo M Tavares, Isabela Rossi, Dakota Comin, Natalia Mendonça, Goncalo Marcelo
Consultoría de Investigación: Bruno Dahia, doctor de Derecho Internacional
Agradecimientos: Certamen Coreográfico de Madrid, Pasoa2, Musibéria, Rua das Gaivotas, Teatros Canal/Centro de Danza Canal, Compañía Nacional de Danza, Coreógrafos en Comunidad-Conde Duque e Valdo.

Biografía
Natalia Fernándes es una intérprete y coreógrafa brasileña que vive entre Madrid y Nueva Iorque desde 2015. Estudió danza en la Universidad Estatal de Campinas, Brasil. Su trayectoria incluye, principalmente, trabajos como intérprete para diversas compañías y coreógrafos de Brasil, Europa y EE.UU.
Como coreógrafa, ella ha estado trabajando desde 2014 en diferentes países e investigando diferentes culturas entre Alemania, Brasil, Jordania, España, Portugal y Marruecos. Su proyecto ‘The Oldest Thing in the World´contó con el apoyo del American Language Center de Tánger, y del Museo de la Legación Americana de Tánger.
Este proyecto tiene como un fragmento el solo ´This is Not Mine´. Este solo se ha realizado en varios festivales y teatros en Europa, África y Américas desde 2015.
Natalia fue invitada como coreógrafa de la compañía Laboratorio 180, en Madrid, con el proyecto ‘Anatomía y Estrategia I ´.
En el año de 2016 es la ganadora del 29a Certamen Coreográfico de Madrid, en la convocatoria ´Me, Myself and I´, con la versión solo de ‘Anatomía Y Estrategia ‘, y cuenta con el apoyo de la equipo Pasoa2 para llevar a cabo el proceso creativo de este solo.
Además, es la directora del proyecto ´Estudios para Anatomía – La Mujer´, que sigue en creación con artistas madrileñas. Es profesora de danza contemporánea en la Escuela Carmen Senra, BambuDanza. Y lleva a cabo un proyecto de consciencia corporal y danza contemporánea para refugiados junto al CEAR de Madrid.

Dirección y Coreografía: Miguel Ballabriga y Carmen Fumero
Intérpretes: Miguel Ballabriga y Carmen Fumero
Diseño de iluminación: Sergio García
Técnico de luces: Beatriz Francos
Música: This Day In

SINOPSIS: Una mujer, con prisa, que vuelve de un lugar del que no puede hablar, y que se dirige a un sitio donde alguien la espera. Trae consigo una sensación, lo que acaba de ocurrir. Su camino es largo, casi interminable, como un profundo pasillo iluminado por viejas lámparas.
“Si la memoria pudiera ser enlatada, me gustaría que no tuviera fecha de caducidad”
“Chungking Express” de Wong Kar-Wai
Fecha estreno: Festival Cuadernos Escénicos, Garachico-Tenerife, Julio 2017.

SINOPSIS:The Marriage of Heaven and Hell, es un trabajo coreográfico basado en la obra homónima de William Blake, que combina danza, composición electroacústica, tecnología interactiva y ciencias cognitivas.
El núcleo central de la obra original de Blake es el restablecimiento de la unión de pares opuestos aparentemente irreconciliables, por una lado la virtuosa claridad del pensamiento racional tecnocientífico (el cielo, el logos) y por otro las endemoniadas y arrolladoras fuerzas creativas de la imaginación y el instinto que emergen de la energía corporal (el infierno, el mythos).
La unión de estas polaridades en principio antagónicas se encarnan en el ámbito escénico a través del acoplamiento entre actividad corporal y abstracción tecnológica como dos aspectos complementarios de una misma realidad multidimensional interactiva. En este sentido la pieza explora y propone un análisis de diferentes aspectos cualitativos propios del movimiento corporal como la energía, fluidez, la simetría o la impulsividad. Estas cualidades son traducidas en tiempo real a abstracciones digitales sonoras y visuales que se constituyen en una realidad aumentada de la danza, transformando así el espacio escénico en un entorno reactivo que emana de la actividad corporal de los bailarines.
Uno de los objetivos de esta investigación es el uso de tecnología interactiva como un medio para amplificar la consciencia corporal y una renegociación de los límites de la propia fisicidad, entendiendo la actividad del bailarín y el coreógrafo como una forma de cognición que utiliza tanto la metáfora como la imaginería visual, somato-sensorial, táctil y motórica para generar nuevos conceptos de movimiento. Este modelo de cognición corporeizada conecta directamente con el Matrimonio del Cielo y el Infierno de Blake, una obra visionaria que rompe las barreras entre imaginación artística y pensamiento racional, cuerpo y psique, metáfora y concepto.
Coreografía: Muriel Romero.
Música: Pablo Palacio.
Interpretación: 5 bailarines. Casting aún por definir.
Software y tecnología interactiva: Daniel Bisig, Pablo Palacio e Infomus Casa Paganini.
Iluminación: Juan Antonio Casado.
Vestuario: Nicholás & Atienza.
Producción: Instituto Stocos.
Apoyos: Universidad de Navarra, Compañía Nacional de Danza, Teatros del Canal, EU ICT H2020 , Hebel Halle (Heidelberg, Alemania), Infomus-Casa Paganini- University de Genova (Génova,Italia) e Institute for Computer Music and Sound Technology of Zurich (Zurich,Switzerland).