Repertorio
Giselle
Ballet en dos actos
Una Giselle vista a través del romanticismo español e inspirada en la poesía de Gustavo Adolfo Bécquer. Coreografía y dirección escénica de Joaquín De Luz.
- Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza: en el Teatro de la Zarzuela, Madrid (España), el 9 de diciembre de 2020
«En 1841, la Ópera de París estrena el ballet Giselle, en el que el poeta Théophile Gautier, inspirándose en leyendas alemanas de Heinrich Heine, crea mitos románticos que marcarán toda la historia de la danza: inocentes campesinas enamoradas, fiestas de la vendimia, apuestos príncipes seductores, fantasmas espectrales de espíritus del bosque…
El año anterior, Gautier había visitado España y con su libro Le voyage en Espagne inaugura la moda romántica de los viajeros europeos que descubren el país, sus tipos populares y sus danzas tradicionales.
En 1863, el poeta español Gustavo Adolfo Bécquer se retira al Monasterio de Veruela, en la Sierra del Moncayo, y allí, rodeado de bosques y naturaleza, escribe sus rimas de amores desgraciados y leyendas de tristes destinos.
Para esta nueva versión que presenta la Compañía Nacional de Danza hemos querido imaginar una Giselle vista a través del romanticismo español: inspirándonos en la poesía de Bécquer, bailaremos la historia de esa muchacha enamorada del apuesto viajero extranjero al que amará más allá de la muerte.
Sin abandonar los elementos que han hecho de esta obra una de las cumbres del ballet clásico, en nuestra Giselle aparecerán también la escuela bolera y las tradiciones españolas y, en el bosque nocturno donde habitan las wilis, esos espíritus de muchachas muertas antes de casarse, las voces del viento susurrarán versos de Bécquer.
Al final de Giselle, la fuerza del amor y la fuerza de la danza vencen a la muerte y la oscuridad. Esa es la esperanza que nos guía en este espectáculo.»
Joaquín De Luz
Borja Ortiz de Gondra
JOAQUÍN DE LUZ
Coreografía y Dirección escénica
Joaquín De Luz (Madrid, 1976) se formó en la escuela de Víctor Ullate y en 1992 ingresó en la compañía de Ullate en la que permaneció tres años. En 1995 fue invitado por Fernando Bujones a bailar con el Ballet Mediterráneo. En septiembre de 1996, el Ballet de Pennsylvania le ofrece formar parte de la compañía como bailarín solista.
En diciembre de 1997, ingresó en el cuerpo de baile del American Ballet Theater en Nueva York, siendo nombrado un año después bailarín solista. En sus siete años de estancia en el ABT interpretó importantes papeles principales como El ídolo de bronce y Solor en La Bayadère (Natalia Makarova después de Marius Petipa), Red Cowboy en Billy The Kid, Champion Roper en Rodeo (A. Demille), Blue boy en Le Patineurs (Ashton), primer marinero en Fancy Free (Jerome Robbins), Birbanto en Le Corsaire (A. M. Holmes), Turning boy en Etudes (H. Lander), Benno en Swan Lake (Kevin McKenzie, después de Marius Petipa and Lev Ivanov), entre muchos otros.
En 2003 se incorporó como bailarín solista al New York City Ballet y fue nombrado bailarín principal dos años después, en 2005. Representando a esta compañía, ha bailado en el Lincoln Center neoyorkino, así como en los más importantes teatros del mundo. Interpretó los más relevantes roles y papeles de la historia de la danza.
Algunos de los roles creados para él incluyen Slice to Sharp de Jorma Elo, Bal de Couture, Romeo & Juliet de Peter Martins, Outlier de Wayne McGregor, Year of the Rabbit de Justin Peck, Concerto DSCH y Odessa de Alexei Ratmansky, DGV: Danse à Grande Vitesse y Shambards de C. Wheeldon.
Joaquín De Luz ha aparecido como artista invitado con numerosas compañías internacionales como la Compañía Nacional de Danza, American Ballet Theater, San Francisco Ballet, Stanivslasky Theater en Moscú, Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires y el Ballet Nacional de Cuba, entre otras.
Entre sus múltiples actuaciones en galas internacionales y celebrados eventos destacan Stars of the 21st Century en París y Nueva York, Intensio, José Carreño and Friends y The World of Diana Vishneva en Tokio, Tributo a Nureyev en Roma, como también los festivales de Ravel, Spoletto, Perelada, Santander, Madrid, Vail, Atenas y Miami.
Representó a España en la Expo de Lisboa 1998 y fue parte de la gira Kings of Dance 2007-2011, girando por toda Rusia y Estados Unidos, recibiendo muy buenas críticas.
Entre los numerosos reconocimientos recibidos destacan la Medalla de Oro en el concurso internacional de Nureyev (Bucarest 2006), Premio Benois de la Danse al mejor bailarín masculino (Moscú 2009), Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2010) y el Premio Nacional de Danza a la Interpretación (2016).
Ha compaginado su faceta de coreógrafo y director artístico, con la de docente en el School of American Ballet en Nueva York, en la escuela JKO y en el Studio Company del ABT, la Escuela de Danza de Marat Daukayev en Los Ángeles y en la Rock School de Philadelphia.
El 28 de marzo de 2019 el INAEM, dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte del Gobierno de España, anuncia su nombramiento como director de la Compañía Nacional de Danza (CND), sucediendo a José Carlos Martínez, cargo que pasó a ocupar el 1 de septiembre de 2019.
Borja Ortiz de Gondra
(Bilbao, 1965)
Tras estudiar dirección escénica en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (Madrid) se trasladó a París, donde trabajó como ayudante de dirección en grandes teatros públicos franceses. Años después, de regreso en España, se consagra como dramaturgo al ganar, entre otros, los premios Marqués de Bradomín, Calderón de la Barca o Lope de Vega.
El estreno de su primera obra se produce en 1999 en el Centro Dramático Nacional. Desde entonces, no ha dejado de presentar sus obras regularmente en teatros de España y América Latina; algunas de ellas han sido traducidas al alemán, checo, finés, francés, inglés, italiano, portugués o rumano: Duda razonable, Memento mori, El barbero de Picasso o Dedos (vodevil negro).
Se ha convertido además en un reputado adaptador de clásicos españoles (El burlador de Sevilla, para la Compañía Nacional de Teatro Clásico) y traductor de autores anglosajones y francófonos (Eugene O’Neill, Joe Orton, Martin Crimp, Michel Azama o Fabrice Murgia).
También cabe destacar su labor de enseñanza de la escritura teatral en la Sala Cuarta Pared de Madrid, donde se han formado muchos de los autores de las nuevas generaciones
Sus últimas obras se inscriben en el campo de la autoficción teatral, con una trilogía sobre su propia familia: Los Gondra (una historia vasca), Premio Max a Mejor Autoría Teatral 2018, Los otros Gondra (relato vasco), Premio Lope de Vega 2017, y Los últimos Gondra (memorias vascas). Las tres obras fueron presentadas conjuntamente en el Centro Dramático Nacional en otoño de 2021.
En la actualidad vive a caballo entre Madrid y Nueva York. En 2021 publicó también su primera novela: Nunca serás un verdadero Gondra.
Óliver Díaz
Tras cursar sus estudios de piano en el Peabody Conservatory of the John Hopkins University, fue premiado con la prestigiosa beca «Bruno Walter» de dirección de orquesta para estudiar en la Juilliard School of Music con maestros de la talla de Otto Werner Mueller, Charles Dutoit o Yuri Temirkanov.
A su regreso de los Estados Unidos fundó la Orquesta Sinfónica Ciudad de Gijón y la Barbieri Symphony Orchestra, ocupando en ambos casos el puesto de director artístico y titular.
Su carrera le ha llevado a dirigir la mayoría de las orquestas españolas de primera línea como la Orquesta de Radio Televisión Española, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro del Liceu, la Orquesta de la Comunidad Valenciana o la Orquesta Sinfónica de Madrid, la Real Filharmonía de Galicia, la Orquesta de Euskadi, la Oviedo Filarmonía, la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Orquesta Sinfónica de Bilbao o la Orquesta del Principado de Asturias, por mencionar algunas. Fuera de nuestras fronteras ha trabajado con formaciones como la Orquesta de Montecarlo, la Orquesta Filarmónica de Belgrado, New Amsterdam Symphony, Cluj Philharmonic Orchestra, con la que ha realizado una frecuente colaboración, la Orquesta Filarmónica Rusa o la Orquesta Nacional de Perú.
También ha trabajado en importantes teatros de ópera españoles como el Palau de Les Arts, el Teatro Campoamor, el Teatro de la Zarzuela, el Teatro Real, el Gran Teatro del Liceu o el Teatro de la Maestranza, y fuera de nuestras fronteras, en el Teatro a La Scala de Milan, en el Teatro Romano de Orange, en la Royal Opera House de Muscat (Oman), siendo el primer director de orquesta español en debutar en el foso del prestigioso Teatro Helikon de Moscú.
Ha sido invitado a dirigir en prestigiosos festivales como el Festival Internacional de Santander o Les Chorégies d’Orange.
Futuros compromisos incluyen su vuelta al Teatro de la Zarzuela, o coliseos como el Teatro de la Maestranza, el Teatro Campoamor de Oviedo o el Gran Teatro del Liceo, además de conciertos en Madrid, Tenerife y su debut en la temporada de la ABAO.
Entre el año 2015 y 2019 ocupa el cargo de Director Musical del Teatro de la Zarzuela de Madrid, y es miembro fundador y vicepresidente de la Asociación Española de Directores de Orquesta (AESDO).
En los últimos años, ha desarrollado su doble faceta de compositor y arreglista en producciones, tanto del Teatro de la Zarzuela como en un especial proyecto de la Orquesta de Radio Televisión Española.
A día de hoy tiene en su haber más de una docena de grabaciones realizadas para los sellos discográficos NAXOS o Warner Music Spain, entre otros.
Ana Garay
Nacida en Bilbao. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, en las especialidades de Diseño y Escultura y Titulada en Escenografía por la Escuela de Arte Dramático de Barcelona. Su primer contacto con el mundo del teatro fue a través de la danza, disciplina que cultivó durante años y le llevó a conocer el proceso de creación de una puesta en escena.
La escenografía se presenta como un oficio multidisciplinar que le permite aplicar todo lo estudiado hasta el momento. Durante cinco años vive en Barcelona compaginando sus estudios de escenografía con colaboraciones en espectáculos de Fabia Puigserver, José Sanchís Sinisterra, Sergi Belbel, John Strasberg, Joan Olle y el colectivo Els Comediants. En el año 91 conoce a José Luis Gómez, quien le invita a viajar a Madrid para colaborar en la obra Amor de Don Perlimplin y Belisa en su jardín de Federico García Lorca.
A partir del 92, instalada en Madrid, comienza una intensa trayectoria profesional. Entra a formar parte de la Compañía Nacional de Teatro Clásico donde permanecerá cómo ayudante durante tres años. En 1994 de la mano de Adolfo Marsillach viaja como invitada al Gran Teatro de Ginebra (Suiza) realizando su primera ópera, Carmen, de Bizet. Al volver a España comienza una nueva trayectoria colaborando en el Teatro de la Zarzuela en numerosas producciones.
Durante el periodo 97–02 desempeña el cargo de Coordinadora Artística en el Teatro Real de Madrid como responsable de más de setenta producciones de ópera y danza compaginando su labor en la Fundación Teatro Lírico.
Ha estado nominada en varias ocasiones a los Premios Max de las Artes Escénicas, Premios Adriá Gual y Gaudí de la ADE y ha sido ganadora del Premio Ercilla de Teatro – Premio Revelación por la labor Escenográfica realizada en la temporada 96 / 97, Premio Gran Vía de Teatro musical en el 2010 por 40 El musical y Premio el Público 2013 Brodway World Spain, Premio Feten 2017, entre otros.
Rosa García Andújar
Diseñadora de vestuario escénico desde 1989, es Licenciada en Arte Dramático (RESAD 1988- profesor de Escenografía y Figurinismo Francisco Nieva). Formación pedagógica (Diplomada en Magisterio, 1985) y artística (danza, dibujo, pintura, dirección de cine). Cuenta con varias becas de estudio del Ministerio de Cultura (Titulada en Confection de Costumes de Théâtre por GRETA des Arts Appliquées – Ministère de la Culture, Paris) y de investigación del Ministerio de Asuntos Exteriores/Academia de San Fernando (Historia del Vestuario Teatral, Roma).
Colaborando con grandes profesionales, entre quienes destaca F. Nieva del que era figurinista desde 1992, sus vestuarios para ópera, danza, musical o teatro han participado en producciones del Teatro Español, Teatro Nacional de Cataluña, Teatro Real (entre ellas el vestuario de la ópera para su reapertura, La Vida Breve), Teatro de la Zarzuela, Ballet Nacional de España, Compañía Nacional de Teatro Clásico, Centro Dramático Nacional, Centro Andaluz de Teatro, Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas, Expo Sevilla 92, Expo Zaragoza 08, Staatstheater Darmstad, Staatstheater Braunchsweig, Staatstheater Koblenz…
Su trabajo ha sido galardonado con varios premios, tanto de Figurinismo como de Dibujo o Dirección cinematográfica.
Pedro CHamizo
Licenciado en Arte Dramático por la University of Kent at Canterbury en la especialidad de interpretación y dirección. Trabaja como vídeo creador, director de escena, diseñador de iluminación, diseñador gráfico y productor.
Por su capacidad emprendedora fue galardonado con el Premio Ceres de la Juventud del Festival de Mérida.
Como vídeo creador ha colaborado en las óperas: La Traviata, Sanson et Dalila, Maruxa, María Moliner, de A. Parera Fons, Don Giovanni, Otello, La voix humaine y Salomé, dirigidas por Paco Azorín y Fuenteovejuna de J. Muñiz y bajo la dirección de Miguel del Arco.
En teatro destacaron sus vídeo creaciones en las producciones: De Federico hacia Lorca dirigida por Miguel del Arco, La autora de Las Meninas, de Ernesto Caballero. Escuadra hacia la muerte y Julio César dirigidas por Paco Azorín. Nadie verá este vídeo, con dirección de Carme Portaceli.
Es el director de escena de Diana Navarro en sus últimos trabajos: Inesperado y Resiliencia. En los últimos años diseña las puestas en escena de la OCNE junto al maestro David Afkham, en el Auditorio Nacional.
La crítica ha destacado su capacidad dramatúrgica, estética y creadora.
“En las largas noches
del helado invierno,
cuando las maderas
crujir hace el viento
y azota los vidrios
el fuerte aguacero,
de la pobre niña
a veces me acuerdo.
Allí cae la lluvia
con un son eterno:
allí la combate
el soplo del cierzo.
Del húmedo muro
tendida en el hueco,
¡acaso de frío
se hielan sus huesos!”
Extracto Rima LXXIII, Gustavo Adolfo Bécquer
“Allí donde el murmullo de la vida,
temblando a morir va,
como la ola que a la playa viene,
silenciosa a expirar;
allí donde el sepulcro que se cierra
abre una eternidad,
todo cuanto los dos hemos callado
allí lo hemos de hablar.
Extracto, Rima XXXVII, Gustavo Adolfo Bécquer
¡Yo, que a tus ojos en mi agonía
los ojos vuelvo noche y día;
yo, que incansable corro y demente
tras una sombra, tras la hija ardiente
de una visión!
Extracto, Rima XV, Gustavo Adolfo Bécquer
Dime, ¿es que el viento en sus giros
se queja, o que tus suspiros
me hablan de amor al pasar?
Dime, ¿es que ciego deliro,
o que un beso en un suspiro
me envía tu corazón?”
Extractos, Rima XXVIII, Gustavo Adolfo Bécquer
“Si al resonar confuso a tus espaldas vago rumor,
crees que por tu nombre te ha llamado lejana voz,
sabe que entre las sombras que te cercan te llamo yo.
Si se turba medroso en la alta noche tu corazón,
al sentir en tus labios un aliento abrasador,
sabe que, aunque invisible, al lado tuyo respiro yo.”
Extracto, Rima XVI, Gustavo Adolfo Bécquer
SINOPSIS
Primer acto
En una aldea cercana al Moncayo vive Giselle, una bellísima campesina. Un día de otoño, cuando baila a solas, es descubierta por un grupo de viajeros; uno de ellos, Albrecht, decide internarse en la aldea y cortejarla haciéndose pasar por un lugareño. Rendida por los encantos del nuevo pretendiente, Giselle ignora a Hilarión, su enamorado, quien sospecha del engaño del forastero.
Giselle y Albrecht bailan juntos, cada vez más atraídos, y a ellos se une toda la aldea. Pronto la madre de Giselle la reprende, asustadísima: la salud de su hija es frágil y puede terminar convirtiéndose en una wili, uno de esos espíritus de vírgenes que rondan por el bosque después de la media noche.
Llega a la aldea el resto de los viajeros y, mientras los lugareños los agasajan, Giselle entabla amistad con Bathilde, la prometida de Albrecht, sin saber ninguna de las dos que aman al mismo hombre. Comienza la fiesta de la vendimia y las jóvenes eligen reina de la fiesta a Giselle. Hilarión, furioso por el coqueteo de Giselle y Albrecht, descubre la verdadera identidad de este, y lo desenmascara.
Bathilde pide cuentas a Albrecht, quien niega el amor que ha surgido en su pecho. Ante la traición de Albrecht, Giselle enloquece hasta caer muerta mientras los campesinos expulsan a Albrecht de la aldea.
Segundo acto
En el bosque, ante la tumba de Giselle, un cortejo da el último adiós a la joven. Cae la noche y entra Hilarión, que deposita un ramo de flores. Allí es sorprendido por Myrtha, la reina de las wilis, que ordena a estas su cruel venganza: le harán bailar hasta que caiga muerto de extenuación.
Poco después aparece Albrecht, profundamente desolado por no haber comprendido a quién amaba realmente. Conmovida, Giselle se hace visible y trata de salvar a Albrecht: baila sin descanso infundiéndole su aliento y haciéndole resistir vivo hasta que amanezca.
Con la llegada del alba, las wilis vuelven a las sombras y Giselle se retira sabiendo que su amor ha creado un lazo eterno con Albrecht. Año tras año, hasta convertirse en un anciano, Albrecht seguirá acudiendo a la tumba de Giselle y escuchando las hermosas palabras de la muchacha que lo amó más allá de la muerte.
La Compañía Nacional de Danza presenta el estreno del Ballet Giselle de Joaquín De Luz, acogiendo el primer ballet de repertorio clásico audiodescrito.
Este ballet supone una firme intención de hacer accesible la danza a través de recursos como un paseo escénico dirigido a personas con diversidad funcional, la audiodescripción dirigida a personas con discapacidad visual, así como el servicio de bucle magnético y sonido amplificado dirigido a personas con discapacidad auditiva.
Guion: David Ojeda
Colaboran: Fundación Signe y Palmira Teatro
Información
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Coreografía:Joaquín De Luz (a partir de la original de Jules Perrot y Jean Coralli)
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Música:Adolphe-Charles Adam (versión musical: Joaquín De Luz y Oliver Díaz)
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Dirección Musical:Óliver Díaz
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Libreto:Borja Ortiz de Gondra y Joaquín De Luz (a partir del original de Jules Henry Vernoy y Theóphile Gautier)
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Dramaturgia:Borja Ortiz de Gondra
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Escenografía:Ana Garay
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Diseño de vestuario:Rosa García Andújar
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Diseño de iluminación y creación de vídeo:Pedro Chamizo
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Espacio sonoro:Víctor Tomé
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Voces en off:Pedro Alonso y Ángela Cremonte
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Asistentes de coreografía:Pino Alosa, Joan Boada, Yoko Taira
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Ayudante de escenografía:Isi López-Puget
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Ayudante de vestuario:Lucía Celis
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Peluquería:Mª Jesús Reina
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Realización de escenografía:Proescen
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Realización de vestuario:D´Inzillo Sweet Mode
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Taller de utilería:Carlos del Tronco y Palomia Bravo
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Producción de la grabación fonográfica:Fernando Arias (Aria Classica)
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Espectáculo con opción de audiodescripción:guión de David Ojeda
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Duración:2 horas 30 minutos
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Elenco estreno:Giada Rossi (Giselle), Alessandro Riga (Albrecht), Isaac Montllor (Hilarion), Joan Boada (Wilfred), Eva Pérez (Berthe), Elisabet Biosca (Bathilde), Toby William Mallitt (Courland), Haruhi Otani, Yanier Gómez (Pas de Paysans), Laura Pérez Hierro, Daniella Oropesa, Pauline Perraut, Natalia Muñoz (Amigas), Natalia Butragueño, Tamara Juárez, Martina Giuffrida, Helena Balla, Sara Khatiboun, Celia Dávila (Campesinas), Erez Ilan, Íker Rodríguez, Álvaro Madrigal, Shlomi Shlomo Miara, Marcos Montes, Miquel Lozano (Campesinos), Irene Ureña, Mar Aguiló, Sara Fernández (Corte chicas), Rodrigo Sanz, José Alberto Becerra, Cristian Lardiez (Corte chicos), Kayoko Everhart (Myrtha), Ana María Calderón (Moina), Haruhi Otani (Zulma), Helena Balla, Celia Dávila, Elena Diéguez, Tamara Juárez, Sara Khatiboun, María Muñoz, Clara Maroto, Daniella Oropesa, Natalia Butragueño, Laura Pérez Hierro, Pauline Perraut, Ana Ramos, Irene Ureña, Martina Giuffrida (Wilis), José Antonio Beguiristain (Albrecht II Acto)
