Compañía Nacional de Danza

La Compañía de danza La Colé es un proyecto de investigación artística de carácter formativo-recreativo, bajo la coordinación de Laura Kumin de Paso a 2 y Juan Manuel Ramírez de Territorio Social. Funciona como una plataforma de creación escénica que conecta a jóvenes de entre 16 y 25 años, con curiosidad por lo escénico, con coreógrafas/os emergentes del panorama nacional y con la propia escena teatral madrileña.

Tiene como precedente más que positivo y satisfactorio el proyecto artístico-pedagógico Esto no es un Selfie!, que introduce la creación escénica y la danza a la educación formal. ENEUS ya por su 5ª edición, y ambas asociaciones vuelven a unir esfuerzos en esta nueva aventura que también se enmarca bajo el binomio danza-educación, o más bien, danza-aprendizaje.

Partimos de:

La intención de Territorio Social de participar en la introducción del proceso creativo desde la danza y el movimiento como herramienta de crecimiento personal tanto en la educación formal como informal, como ocio de calidad, y como artefacto de cohesión social, con especial interés en la adolescencia y la juventud y de la intención de Pasoa2 de servir como agente de dinamización cultural en el apoyo a artistas emergentes y en consolidación y la formación de nuevos públicos y por la propia intención de los jóvenes que han ido participando en nuestros proyectos, que nos muestran como hay mucho talento que desea descubrirse, entrenarse, conducirse, encontrarse, probarse, y que al final no llega a ser desarrollado por causas tan cotidianas como la falta de mirada, la falta de oportunidades y medios, prejuicios sociales y de género, la falta de apertura a nuevas experiencias, entre otras no menos importantes.

Acaso ¿el tener un cuerpo que se mueve no debería ser razón suficiente para danzar? ¿Acaso las y los jóvenes no están llenas/os de energía, de ganas de hacer, a la espera de una oportunidad que les permita probarse?

En este sentido, nos vemos con la oportunidad de impulsar una joven compañía de danza que colabore en la difusión y democratización de las artes. Buscamos una danza por y para adolescentes, que consiga expresar los intereses de las y los jóvenes, que se arme de contenido y use el cuerpo como principal medio de representación, reflexión y comunicación. Se trata de una propuesta de ocio participativo y formativo.

Nuestra intención es proponer desde nuestro campo de acción, la danza y la creación escénica activa un espacio de crecimiento no sólo a nivel a nivel artístico, sino que también sintonice con una práctica artística para el desarrollo de las personas. Que sirva de entrenamiento en capacidades y habilidades intrínsecas, la danza y la creación escena, cada vez más necesarias en los procesos que van surgiendo a lo largo de la vida: la aceptación de nuevos retos, la pertenencia, el trabajo colectivo, el compromiso, el esfuerzo, la diversión, el pensamiento crítico, entre muchos otros.

¿Qué podría hacer la danza con/por las/os jóvenes? y ¿Qué podrían hacer las/os jóvenes con/por la danza?

“No time to rage” expone símbolos de distintos arquetipos que interactúan entre ellos de una manera destructiva. Ilustra una sociedad fagocitaria donde el diferente es automáticamente castigado. Una obra compleja y profunda que muestra la soledad de aquellos capaces de ver la realidad con más dimensiones que el resto de las personas.

Situado en un espacio y tiempo pseudo futurista, los personajes conviven indistintamente, combinando su tiempo presente y su pasado, para mostrar cómo han llegado a convertirse en verdugos cuando una vez fueron víctimas, repitiendo patrones tóxicos .El arco de acción comprende desde la violencia moral hasta los cambios que puede sufrir la naturaleza de un individuo enfrentado a su entorno, pasando de la condena de unos al arrepentimiento de otros, representando entre medias como cada uno de los personajes de la obra ha llegado a ser quien  es.

Esta narrativa pretende llevar al espectador la idea de que la identidad debe ser completamente liberada de juicios morales impulsados por la sociedad, sobre cualquier condición del individuo, retomando la idea filosófica del libre albedrío en contraposición a la convivencia a la que un ser social debe someterse.

Director: Eduardo Vallejo Pinto.
Producción: Batbox Productions.
Productor ejecutivo: Diego Cavia
Productor: Coqui Nieto
Coreógrafo: Eduardo Vallejo Pinto
Intérpretes: Yaiza Caro, Delaney Conwey, Michela Lanteri, Mai Matsuki, Javier Monzón, Valentina Pedica, Eduardo Vallejo Pinto.
Coaching: Fran Arraez.
Diseño de sonido: Ivan Solano.
Diseño de luces: Kira Argounova.
Fotografía: Alba Muriel.
Dirección de film: Belén Herrera de la Osa.
Diseño Gráfico: Lorena Domínguez

Teatro del Bosque,  31 de octubre, 2019.

En un Estado controlado por el poder, el dinero y el miedo, los ciudadanos creen disfrutar de una libertad que en realidad no poseen. La forma en que se mueven, lloran, sonríen y esperan ya no les pertenece. La emoción no existe, no hay lugar para ella. Dos personas realizan su espectáculo, dos veces al día, siete días por semana, 365 días al año. Sus movimientos son robóticos, mecánicos, no hay nada ya que puedan controlar porque no controlan nada: se han convertido en autómatas. Lo único que parece poder liberarlos son los recuerdos en los que la emoción humana parece descubrirse a través de la danza tradicional de generaciones anteriores que ya se fueron.

• Música: Motoc by Loscil, Hubble by Actress
• Bailarines: Daniel Navarro Lorenzo y Laura García Aguilera.
• Coreografía: Daniel Navarro Lorenzo

Biografía Dan Lourenço
Daniel Navarro Lorenzo nació en Barcelona. Tras licenciarse en el Conservatorio Profesional de Danza de Barcelona, Institut del Teatre en 2010, ha bailado con compañías como Frontier Danceland (Singapur), Y-Space (Hong Kong), Nunzio Impellizzeri Dance Company (Suiza), Simba Dance Ensamble (Noruega), Phoenix Dance Theatre (Reino Unido), White & Givan (Reino Unido), Polish Dance Theatre (Polonia), Dantzaz Konpainia (España), Compagnie Ballet Júnior Epsedanse (Francia) entre otras.

Daniel ha trabajado con coreógrafos como Ohad Naharin, Itzik Galili, Jo Strømgren, Lukáš Timulak, Eric Gauthier, Claude Brumachon, Gustavo Ramirez, Shahar Binyamini, Thierry Malandine, Patricia Lent, Errol White, Gabrielle Nankivell, Luke Smiles y otros.

Premios Coreográficos
-2011, premio L’Estruch, premio LAVA y finalista del X Certamen Coreográfico de Burgos-Nueva York.
-2010, 1er premio en el I Premio Coreográfico Delmar de María Carbonell en Valencia, España.

Concepto y coreografía: Arnau Pérez de la Fuente
Interpretación: Maddi Ruiz De Loizaga, Adrián Manzano y Arnau Pérez
Iluminación: Álvaro Estrada
Vestuario: Gemma Espinosa
Fotografía y vídeo: Diego Pérez
Apoyo de: Compañía nacional de Danza, Centro de Danza Canal, Centro de Danza Zaragoza, Estruch Fábrica de Creación y Pasoa2
Sinopsis:
Propuesta dancística desarrollada e interpretada por tres bailarines. La propuesta se basa en el término Young Blood y mediante la generación cinética de los cuerpos en escena se desarrolla el concepto con cierto aire innovador a favor de las nuevas generaciones. Usando como pilar la danza contemporánea, se disponen en escena dinámicas y estructuras espaciales en relación a las danzas urbanas debido al símil reivindicativo con la cultura hip hop.
Fecha y lugar de estreno
23 de Noviembre, 2019 Teatro del Estruch Fábrica de Creació (Sabadell)

Se plantea como un nuevo proyecto de creación de danza contemporánea de carácter multidisciplinar, en el que se conjuga el lenguaje de la fotografía junto con el de la danza. En un primer lugar el proyecto de danza tiene cuatro vertientes posibles que se complementan posteriormente con el proyecto fotográfico, por lo que en este dossier se desarrollará primero la línea de danza.
La Idea de –Tacto parte del contacto entre seres humanos. En él se realizará un estudio del contacto físico entre personas, de cómo funciona este y de qué significado tiene. Desde diferentes pautas se desarrollará un material coreográfico que finalmente será cerrado y estructurado generando una pieza que plasme como las diferentes formas de contacto entre el ser humano aportan una información u otra, se estudiará cómo cada emoción se dibuja en el movimiento y se realizará un viaje desde el amor más profundo hasta el odio más extremo, pasando por todos los puntos intermedios, tanto a nivel emocional como de movimiento.

Creepy Crawly esboza perfiles de personajes que aparecen y caducan; algunos mienten, mientras que otros revelan sus confesiones sin decir palabra alguna. Conscientemente encubren aspectos propios a los que les rodean, guardan secretos de lo que son,de sus orígenes o de donde vienen o a quién aman.
El control en la expresión de las emociones es una de las primeras lecciones que el niño debe aprender. El hombre debe reprimir el llanto, no puede dar excesivas muestras de cariño en público, tiene que ser dominante y en ocasiones, incluso despectivo. En definitiva, ha de ser fuerte para no parecerse al otro, al que se supone frágil y que es objeto de burla y menosprecio.
Así, surge una masculinidad alternativa, que en esta ocasión se muestra no solo en los cuerpos de los personajes retratados, que miran al espectador a los ojos sin imposturas, sino también en el punto de vista como espectador que, sin limitarse a ser una mero voyeur, aparece como participante de este intimo viaje hacia la aceptación de uno mismo a pesar de que lo común en nuestra sociedad es el cambio para formar parte de un grupo.
Fecha de estreno; 24 de marzo 2018 en el Centro Cultural Eduardo Urculo de Madrid.

Coreografía y dirección del proyecto: Jon López
Colaboración en la dirección: Martxel Rodriguez
Intérpretes: Martxel Rodriguez, Eduardo Ramirez y Marcos Martincano
Espacio sonoro: Anne James Chaton, Mica Levy, M. Ostermeier, Jon López
Iluminación: David Naranjo
Vestuario: Lola García «Lalola» / Iñaki Cobos

Orimel es una pieza de danza española en la que se quiere mostrar y transmitir, principalmente, la belleza, estética y carácter de la Escuela Bolera a través de diferentes imágenes que crean Debussy y Chapí con sus músicas. Será la figura de: presentadora, la que dará vida a estas imágenes, ofreciendolas al público mientras forma parte de ellas.
Con esta pieza, se pretende revitalizar el lenguaje de la Escuela Bolera coreográfica e interpretativamente. Mientras recuerda su lado más tradicional nos mantiene en la actualidad.
Orimel es una apuesta para exprimir y seguir dejando crecer este lenguaje tan característico, pero olvidado, de la danza española.

FICHA ARTÍSTICA
Título: Orimel
Coreografía: Cristina Cazorla
Estreno: 30 Marzo de 2019, Certamen Coreográfico Distrito de Tetuán 2019 celebrado en Centro Cultural Eduardo Úrculo de Madrid
Intérpretes: Cristina Cazorla, Elena Ciruelos, Paula García, Mario García y Sergio Valverde
Duración: 13’ 30’’
Música: Claude Debussy y Ruperto Chapí
Edición Musical: Cristina Cazorla
Iluminación: David Naranjo
Figurines: José Rabasco
Realización de Vestuario: Carmen Sánchez “La Gerana”

INVISIBLE BEAUTY

PROYECTO SOCIAL DIRIGIDO A PERSONAS CON ALZHEIMER
Taller de Movimiento (Dantza eta Mugimendua) en AFEGI impartido por la Compañía de Danza Ai Do Project – Iker Arrue. Muestra y acercamiento al proyecto creativo Schubert, con la participación de estudiantes de música MUSIKENE y la pianista Mari Tere Balerdi.
El proyecto está compuesto por un EJE CENTRAL y un EJE CULTURAL de actividades:- El primero está constituido por una serie de talleres que AI DŌ PROJECT realiza a lo largo del año en tornoa la música y el movimiento, más el programa pedagógico dirigido a estudiantes de música y danza.- El segundo lo componen las actividades que tiene como objetivo la concienciación, normalización y dar visibilidad tanto a la enfermedad como al propio proyecto, y que están dirigidas a público general.
En los talleres, AI DŌ PROJECT integra la muestra de piezas cortas de danza, especialmente adaptadas a las capacidades de los asistentes. Durante la residencia de creación en la CND, AI DŌ PROJECT ha desarrollado algunas de las piezas que a lo largo del año se han representado en los talleres.El 24 de mayo, AI DŌ PROJECT estrenará en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián su nueva producción SCHUBERT. Las piezas creadas “en residencia” en la CND han sido integradas en la misma.

Basado en la obra dramática Julio César de William Shakespeare
Dirección y coreografía: Marina Miguélez
Interpretación: Raquel Salamanca Santaella, Marina Miguélez
Música y sonido: Selenite
SINOPSIS: VERSUS desmenuza cuidadosamente el texto dramático de Shakespeare Julio César extrayendo la esencia de sus dos personajes principales: solamente observando los rasgos de Bruto y Marco Antonio y entendiendo sus mecanismos emocionales y mentales, podemos narrar la conspiración contra el emperador romano. La pieza de danza contemporánea, interpretada por dos mujeres, persigue observar y homenajear algunas de las características culturales de la Roma clásica, trasladando hasta nuestros días la antigua visión de valores perennes en el tiempo como la amistad, el amor a la patria, la ambición, o la lealtad. La obra, exhaustivo trabajo de adaptación dramatúrgica y de investigación, parte desde la perspectiva del teatro físico y la danza mezclando texto, expresión, y movimiento. Bruto: “Os preguntaréis entonces por qué Bruto se alzó contra César (…): no fue porque amara menos a César, sino porque amaba más a Roma.”

FECHA Y LUGAR DE EXHIBICIÓN DEL PROCESO DE TRABAJO:
El 6 de abril, en pleno proceso creativo (la residencia acaba el 12 de abril) se hará una pequeña exhibición con comentario del proyecto en el Bastardo Hostel (Madrid).

– Próximas funciones –
6 abril MADRID – Bastardo Hostel: Versus (Trabajo en proyecto)
20 abril ALMERÍA – Carboneras: Within + No se baila en la cocina
6 mayo SEVILLA – Mairena del Alcor: No se baila en la cocina (children)
8 mayo ALMERÍA – El Ejido: No se baila en la cocina (children)
9 mayo ALMERÍA – Adra: No se baila en la cocina (children)
15 mayo MÁLAGA – Marbella: Packed with love… o lo de Escarlata and Vito (estreno)
16 noviembre HUELVA – Cortegana: Within + No se baila en la cocina
21 noviembre GRANADA – Albolote: No se baila en la cocina (children)

Eva Alonso pertenece a la Compañía Tercer Piso Danza, aquella donde desarrolla su labor como co-creadora e intérprete. Al mismo tiempo también participa en otros proyectos artísticos, siendo muy habitual su trabajo como intérprete-bailarina en las piezas del coreógrafo Jesús Rubio Gamo. No obstante, a continuación se aclara la primera, ya que es La Compañía Tercer Piso Danza es una joven compañía con base en Madrid formada por Eva Alonso, Adán Coronado y Leonardo Robayo.
El trabajo coreográfico del colectivo parte del encuentro de posibilidades, de formas de ver e interpretar la danza y el arte escénico en general, en donde priman las búsquedas particulares de cada coreógrafo en cada pieza. En este sentido, el trabajo se alterna entre el rol de bailarín y coreógrafo-director. De esta manera, los resultados de las piezas de danza son fruto de diferentes perspectivas, ideas personales y formas particulares de entender el arte, pero guardan en común que todas provienen del cuestionamiento de la realidad y el intercambio de saberes, precursores de mundos posibles que nacen de vivencias e imaginarios.