Compañía Nacional de Danza

La motivación para crear esta pieza vive lejos de estas letras, aunque se resiste a abandonar el corazón de a quién echa de menos cada día desde la primera vez que le vio los ojos.
No es la historia de ninguna mujer en concreto, pero lleva la sombra de la más especial. Es un intento de acercamiento a “ella” y a esa capacidad innata de lucha, entrega, misteriosa, rebelde y brava.

De cada una de las mujeres que habitan mi mundo guardo un aroma, una palabra, un gesto, un suspiro, una sonrisa, una historia contada en forma de secreto, un abrazo de regreso a casa, un silencio de aceptación, una receta ancestral, la marca de un dibujo a rotulador, el sonido de un llanto en la cuna, una despedida alegre, una canción desafinada.. No todas son iguales, pero son la misma semilla increíblemente fuerte y resiliente.

Reparto:
Dirección y coreografía: ALESSIO NATALE
Producción: THE PLACE DANCE WORK SL.
Asistente coreógrafo: REBECA FALCÓN
Intérpretes: LUCIA SANTIAGO, CELIA MARTINEZ, PAULA RIPOLL
Texto y voz: ELVIRA SASTRE
Gráfica: ALESSIO NATALE
Fotografía: ALBA MURIEL
Iluminación: PALOMA PARRA
Propuesta musical: SHARON LYNN MAKARENKO

SOMA es el nombre de la pieza creada por Eva Martz tras un proceso seguido en directo por más de un centenar de profesionales de la danza de todo el mundo. Un proyecto de danza pionero desarrollado con base en conocimiento emergente de neurociencia cognitiva que ha conectado a bailarines, coreógrafos y maestros de 39 nacionalidades diferentes durante cinco días. Interesada en cómo opera la mente del bailarín, en su autenticidad interpretativa, en el ¨porqué¨ y el ¨cómo¨ sucede el movimiento, Eva Martz, coreógrafa y neurocientífica, pone a disposición de la danza conocimientos, técnicas e innovación propias de la ciencia.

La destreza de un bailarín supone no solo habilidades físicas, sino también el desarrollo de un amplio rango de habilidades cognitivas con las que alcanzar el control del movimiento y rendir este a una dramaturgia determinada. Coreógrafos y bailarines se apoyan en estas habilidades para crear y desarrollar escenas, transmitir mensajes, intenciones e historias que quieren ser contadas, y para despertar reacciones emocionales y reflexivas en la audiencia. Cómo el movimiento emerge, cómo es percibido, mentalmente representado y planeado, son cuestiones esenciales para la creación y la enseñanza de la danza. Eva Martz a través de esta pieza fórmula preguntas acerca de la mente humana y los muchos modos en los que se relaciona con el cuerpo.

¨Profundizo en cómo la decisión de moverse es tomada por parte del bailarín cuando ha de enfrentarse a diferentes conflictos. Investigo los mecanismos neurales y la cognición relacionada con la danza para el desarrollo de métodos de creación de movimiento, coreografía y pedagogía innovadores.¨ Eva Martz

Los bailarines involucrados en este proyecto son Sara Colomino, Alberto Serrano y Mikel Larrabeiti. Junto a ellos y a través de un proceso co-participativo, Eva Martz da forma a SOMA, un ejemplo de cómo la coreografía experimental nos acerca al entendimiento del ser humano, su mente, espiritualidad y comportamiento en busca de lo desconocido.

Dos cuerpos reconociéndose y explorando su entorno. Buscando deshacerse del ego como serpientes mudando su piel. Esta puesta en escena intenta transportar al espectador, de manera amable y pacífica, a un lugar desalentador o quizá oscuro.

La coreografía parte de la idea del ego y de todos los conceptos derivados. Un viaje en el que buscamos la transición entre nuestro ego y el del otro.

Jugar con la cinestesia, moverse desde la energía, oír con los pelos, ver con los poros, fundirse con el tiempo, todo ello para ser ligeros y frágiles.

Inspirada en la idea de la conciencia y sus cuestiones, con referencias como los monjes Shaolin con su estilo de la serpiente o Nietzsche y sus reflexiones sobre el ego y el estado pasivo para poder entender la naturaleza de la existencia. La seda como vestuario representa lo viscoso de la piel de una serpiente y la ligereza del alma.

Sumergida en esta realidad cambiante, nuestra generación se ve supeditada al cambio continuo de espacios y a la adaptación que esto supone. Por eso, queremos definirnos como «personas en mudanza constante» y no solo a nivel espacial, sino a nivel personal, expuestas a la incertidumbre. MudarseInstalarse nace tras reflexionar sobre los escritos de George Perec en su obra Especies de espacios (1974).

Diego Pazó y Lucía Burguete comenzaron a bailar por caminos muy distintos -breakdance y gimnasia rítmica, respectivamente- antes de llegar a la danza contemporánea. Se conocen estudiando en el Centro Coreográfico La Faktoría en 2019 -donde aprenden de maestros como Laura Aris, Marta Coronado, German Jáuregi, Thomas Hauert, Mark Tompkins y Thi-Mai Nguyen, entre otros- y desde entonces empiezan a trabajar juntos. Colaboran en proyectos cortos para otros coreógrafos como Laida Aldaz, Isael Mata o Judith Sánchez, mientras desarrollan su carrera individual como intérpretes en otras compañías como Jesús Rubio Gamo, Vicky P. Miranda o Proyecto Larrua, entre otras. En 2020 constituyen su proyecto colectivo y comienzan su propio trabajo personal, creando y actuando en España, mientras enseñan y realizan proyectos para acercar a la ciudadanía a la danza contemporánea.

Sinopsis: La medida que nos ha de dividir se trata de un dúo de danza contemporánea que surge como deseo al calor del confinamiento como ejercicio frente al reto de imaginar el futuro. Es una reflexión sobre las cosas que nos inquietan, que nos perturban o nos ilusionan, nos provocan deseo, urgencia o duda al plantear el futuro, la vida que nos espera. El proyecto surgió con el apoyo del Festival DNA 2022 y, como versión corta, ha recibido el 1º Premio del VIII Certamen Coreográfico DanzaXtrema. En esta residencia planteamos continuar con el proyecto de investigación y creación de material coreográfico, para poder indagar en este.

Coreografía: Cristina Cazorla
Asesor de folklore y musical: Santi Galguera
Cantadoras: Mariluz Cristóbal Caunedo y Alicia Villanueva
Fotografía y Vídeo: Alex García

Muller Nova parte del folclore astur-gallego y reflexiona sobre la tradición y la actualidad, estableciendo un diálogo de contraste entre la estética folclórica más tradicional y la cultura actual, dando voz a la fuerza y determinación de la mujer libre.
Como si de una fiesta electrónica se tratara, esta mujer baila sola rompiendo con el canon tradicional de la mujer en los bailes de raíz. Un canto a la libertad, un grito de ruptura hacia cánones establecidos.
Muller Nova es la traducción de Mujer joven en gallego. Juventud, determinación, independencia, decisión, definen a esta mujer actual, que vive su presente sin negar su pasado.

A partir de la novela de Gončarov «Oblomov» e inspirándose en la vida real vivida durante la pandemia de Covid-19, nace este proyecto coreográfico que pretende abordar la no percepción de la apatía.

Esta no percepción del mundo exterior, debida a la reducción o a la falta de acción y motivación del mismo, condujo a una inesperada calma durante los meses de encierro.

Una vida de meros pensamientos, ociosa y sin acción; una fractura entre los sueños personales y la energía para convertirlos en acción, hasta el punto de sentir «una indiferencia hacia la propia indiferencia».

BLAH es la traducción de esta experiencia a la danza, en un intento de representar cómo la anestesia de los sentidos puede remodelar la percepción de la realidad hasta el punto de desencadenar una lucha interior entre el nihilismo y la libertad.

Coreografía: Rebecca Moriondo
Música: Marco Menditto
Bailarines: Victoria Robinson, Elena Grimaldi, Simone Orlandi, Claudia Sportelli, Mónica Arroyo Escribano, Chloé Sénéjoux y Luce Bron.
Vestuario: Arianna Ferragut
Asistente: Stefano Moriondo

Gracias a EBB Madrid, Alessandro Avataneo, Operazione Miro, Giangiacomo Della Porta

Arraigada en el pensamiento oriental primigenio (principalmente chino y japonés), la pieza se propone vaciar el vaso de lo que no nos pertenece como seres humanos hermosos, poner en duda eso de lo que parece estamos llenos. Dice Zhuangzi: ‘Antes que defender el punto de vista que uno rechaza o que el otro defiende, mejor sería ver claro’. En momentos de vertiginosa confusión global, ir al pensamiento originario, puede ser una valiosa brújula.

Acercándonos a emociones primarias puramente humanas, e intentando mirarlas sin juicios predeterminados e impuestos de positividad o negatividad, la pieza va apareciendo mágicamente, como escribiría Gerardo Jorge sobre J. Cage en ‘Escribir en el agua’, gracias a una actitud meditativa, receptiva con el caos, la anarquia y la continuidad.

Así, impregnada del concepto ancestral de vacío oriental, ‘… el continuo interminable amor que tengo por ti’ quiere ser la brocha seca en el arte de la caligrafía japonesa, la caricia del pincel sobre el papel, el final y rastro del gesto en un solo trazo, el significado
profundo de lo que se mueve de dentro a afuera. Difuminar límites entre genéros escénicos, dar una posición central a la poesía de lo pequeño y la composición musical como ejes generadores de danza e investigación coreográfica, está en el trabajo diario. El no aislamiento del lenguaje coreográfico del resto de las artes, es sello imprescindible de creación dlcAos.

‘…el continuo interminable amor que tengo por ti’ es estar y ser en el camino. Y verlo. Es tener como certezas únicas el valor incalculable de vivir ya, y que el Amor es el motor del Todo del que somos parte. Esa es la defensa. Nada mas. Eso, y la calma de saber
que con mucha probabilidad: ‘la Belleza permanece en las imposibilidades del cuerpo’.

En este camino estoy hoy, curiosa por ver qué hay al tomar la curva, si es que hay
algo…

Les Passants es un dúo de danza contemporánea y teatro físico con un formato de estilo cinematográfico donde se encadenan escenas con juegos visuales y corporales. Cada una tiene su propio carácter con sus personajes, detalles y relaciones. Todo transcurre en un espacio aparentemente mundano donde los cuerpos se transforman, los tamaños se dilatan y el tiempo se manipula, creando así un espacio onírico.

Salir a pasear es ir al encuentro de las cosas, hacer que estas sucedan. Les Passants son aquellos cuyas vidas imaginamos al verlos a lo lejos. Van y vienen como si sólo existiesen mientras caminan y el resto fuese producto de nuestra imaginación. Juntos se desplazan a través del otro sin ir a ninguna parte. Les Passants quiere rendir homenaje a aquellos que viven de paseo, es una oda a la contemplación, a las horas y a los años que pasan. Para ellos ningún sitio es mejor que otro, las imágenes y los movimientos se suceden en un constante decir adiós.

¿Qué pasa cuando el foco se pone en cada una de las personas que pasan por este espacio, cuando se hace zoom? Las vidas de los demás se nos presentan como auténticos misterios, rompecabezas donde nos faltan muchas piezas que ni siquiera podemos tener. Pero a lo mejor podemos descubrir algo si prestamos atención. Quizás una conversación, un gesto, una forma de andar o un momento de intimidad nos revelen algo más sobre la gente que vemos y que a veces no hace más que eso: pasar por nuestras vidas.

Ellos son Les Passants, son sus vidas las que imaginamos y a las que queremos dar forma destapando la poesía que hay en ellas. Parándonos en momentos que parecen mundanos o incluso banales pero que están cargados de sensibilidad y belleza.

‘Terrario [La tierna indiferencia del mundo’] es una pieza con una textura de papel de lija. Áspera, cruda y salvaje, la pieza indaga en el encuentro con la otredad, en el gregarismo y en la indiferencia que mostramos frente al contexto social que nos rodea.

Seis extraños, apátridas, se encuentran en un espacio desconocido sin puerta de entrada ni de salida. No saben cuánto tiempo llevan allí. No saben de dónde vienen ni a dónde van. Y sobre todo, carecen de normas o pautas para juzgar a los otros. Se ven obligados a convivir con su desorientación y desconcierto. Su única referencia es un muro que se eleva al fondo del espacio tras el cual creen intuir la existencia de alguien o algo que les ha abandonado.

‘Terrario [La tierna indiferencia del mundo]’ es una mirada microscópica sobre nuestra sociedad, donde los seis individuos que habitan el terrario, como gladiadores lanzados a la arena, tejen sus relaciones frente a la otredad. Indómitos y asilvestrados, ajenos a la compostura social, su principal arma es la locura.

Ficha artística
Dirección, Coreografía y Dramaturgia:  Mercedes Pedroche

Asistente de Dirección: María López

Intérpretes:  María Fagúndez, Milagros Galiano, Lionel Giacomelli, David Grimaldi, Juana Jodar, María LópezMúsica original y Diseño de Sonido: Borja Ramos

Músicos:
Clarinete, clarinete bajo, clarinete contrabajo: Eduardo Raimundo
Violín, viola: Mario Pérez
Guitarras, ukeleles: Arturo Blasco
Guitarras, bajo, piano, electrónica: Borja Ramos

Masterización: Juanan Ros – El Cantón de la Soledad

Iluminación y Coordinación técnica: Inés de la Iglesia

Video: Juan Carlos Toledo, Eva Viera, Urbanfakirfilms, María Artiaga

Fotografía: Juan Carlos Arévalo, Ana Erdozain, Mercedes Pedroche

Ayudante de Producción: Mariano Repollés

Agradecimientos
Agustín Bellusci,  Sergio Algora, Danza 180,  Ana Erdozain, Verónica Garzón. Begoña Quiñones

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Estreno: 24 y 25 de Septiembre en Los Teatros del Canal
Duración pieza completa: 1 hora 15 minutos aprox.