Compañía Nacional de Danza

‘ Z È B R E ‘

Proyecto Residente Compañía Nacional de Danza 2018
Dirección / coreografía: Manuela Barrero
Intérpretes: Manuela Barrero / Davicarome
Fotografía: Jacobo Medrano

MANUELA BARRERO DLCAOS
Licenciada en Hª del Arte (U.C.M) especialista en Arte Contemporáneo, Manuela Barrero estudia danza clásica (Real Conservatorio,Escuela Profesional de Danza de Madrid) siguiendo su formación en Berlin y Paris.
Tras trabajar desde 2007 hasta la actualidad en la compañía LOSDEDAE en el equipo artístico, como intérprete y asistente de dirección, comienza su trayectoria como creadora independiente. Así dirige la compañía dlcAos, un proyecto en el que el encuentro de las artes plásticas, audiovisuales, literatura, danza, pensamiento, caracteriza cada creación. Con dlcAos le gustaría defender la verdad de una danza resucitada y fuerte, creada en un espacio digno que la dignifique y la haga hermosa para el espectador, no sólo en escena,sino hermosa desde su génesis.

QUÉ ES ‘ Z È B R E’

‘ Z È B R E ‘ es el término coloquial francés para ‘bicho raro’. También se asocia, de una manera cariñosa e irónica, con las personas dotadas de una alta capacidad emocional, sensitiva. Yo lo asocio, además, a la incomprensión social que ésto, sorprendentemente, genera. Incomunicación emocional e intelectual que provoca en la zebra un estado de MELANCOLÍA permanente. ‘ z è b r e ‘ está inspirado en genios de la historia del arte universal, cuyas biografías y obras, son para mí síntomas externos de la ‘patología’ que parece que es ‘ser diferente’. Leonardo, Borromini, Anivale Carraci…. Son los antepasados de nuestra zèbra contemporánea, y la propuesta es expresarlo y comunicarlo por medio del lenguaje de la danza. El proyecto es una necesidad profunda de llamada a la inspiración escurridiza. ‘ z è b r e ‘ es soledad común, es reivindicar lo diferente como la esencia desencadenante del acercamiento entre seres humanos diversos, en una cultura que impone la homogeneidad del no criterio. Es provocar un abrazo a lo desconocido. Es una reflexión sobre el concepto de ANAMORFOSIS (proyección de la forma fuera de sí misma) aplicado a la danza.
Utilizando estos efectos en la propia fisicidad de los bailarines, querría expresar la fuerza deformadora de la mirada melancólica, su inestabilidad, e incluso inexactitud, en muchas ocasiones.

Música In Vivo para Cuarteto de Cuerdas, II, de Raphaël Cendo
Serenata Nº 10 en Si bemol mayor KV 361 «Gran Partita» de W.A. Mozart
Duración aprox. 10 minutos
Bailarines 2 mujeres y 2 hombres. El reparto se decidirá más tarde.
Eventuales colaboradores a incluir más adelante
Sinopsis: Contrastando la delicada Serenata Nº 10 en si bemol mayor KV 361 de Mozart con la agitada y tensa In Vivo del compositor francés Raphaël Cendo deseo explorar diferentes aspectos de la relación del cuerpo entre 4 individuos. En este proceso de creación también realizaré algunas investigaciones sobre el trabajo en punta y su rango de posibilidades.

BIOGRAFÍA

Martin Chaix nació en 1980 en Albi (Francia), donde comenzó su formación de ballet clásico en 1986.
En 1993 fue admitido en la École de Danse de l’Opéra National de París donde estudió hasta 1999 y se incorporó directamente al Ballet de la Ópera de París (dir. Brigitte Lefèvre). En 2006 se le ofreció un puesto de solista en el Leipzig Ballet (dir. Paul Chalmer) experimentando todo un nuevo repertorio y participando en nuevas creaciones.
Finalmente, en 2009 se convirtió en miembro del Ballett am Rhein Düsseldorf Duisburg (dir. Martin Schläpfer).
Su repertorio como bailarín incluyó coreografías de Rudolf Nureyev, Pina Bausch, Marco Goecke, Uwe Scholz, Édouard Lock, Mats Ek, Hans van Manen, Jiří Kylián y Martin Schläpfer entre otros.
Desde 2015 trabaja como coreógrafo freelance.
Martin Chaix comenzó a coreografiar en 2006 para la velada «Danseurs Chorégraphes» en el Ballet de la Ópera de París y más tarde prosiguió con diferentes proyectos independientes y veladas «Young Choreographers», especialmente para la renombrada velada Noverre-Geselschaft con el Ballet de Stuttgart.
Muy pronto recibió numerosas invitaciones para trabajar con diferentes compañías como el Leipzig Ballet, el Saarland State Theatre Ballet, el Ballet Nacional Croata en Split y el Ballet am Rhein Düsseldorf Duisburg, entre otros.
Junto a diferentes proyectos coreográficos también está realizando cortometrajes y fotografías. Una de sus obras ha sido seleccionada para el One Minute Film Festival de Ámsterdam en 2013.

Coreografía y Dirección: Carla Diego Luque
Intérpretes: Claudia Boch Fernández, Maddi Ruiz de Loizaga Goikoetxea y Carla Diego.
Fotografías y Vídeos: Teaser – Marta Diego L
Fotografías – Elías Aguirre
Vestuario: Gemma Espinosa.
Contacto: Carla Diego Luque +34 607 63 24 63 Carla.Diegolu@Gmail.Com
Estreno Formato Corto: Cuerporomo 2017

Este proyecto nace de un interés en la investigación del cuerpo y del movimiento así como de su expresión conjunta. Desarrollado principalmente a partir del estudio de diferentes imágenes y de una investigación teórica, busca hacer a través de la danza y su manifestación física un discurso dramático y poético del ritual del duelo centrándose en la figura de las plañideras.
Partiendo de distintas referencias “p l a n g ĕ r e” inicia un proceso de búsqueda para definir una fisicalidad, expresividad y estética marcada por este ritual del duelo dejando que la danza ejerza un poder transformador para que el cuerpo y la mente viajen a través de ella y hacer visible y física la manifestación de la pena.
“Atended, llamad a las plañideras, que vengan; buscad a las más hábiles en su oficio; que se apresuren, que vengan y hagan sobre vosotros sus lamentaciones; caiga de vuestros ojos el llanto y manen lágrimas vuestros párpados”
“La comedia salvaje”, José Ovejero.

Sinopsis: La noche más larga surge como un vómito meditado pues necesitábamos investigar la interacción de nuestros cuerpos en movimientode una manera dramática e inevitablemente urgió el conflicto. Un conflicto físico, agresivo y sin embargo ahogado de fragilidad.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA:
Intérpretes: Carlos Beluga y Elisa Forcano
Creación original: Carlos Beluga y Elisa Forcano
Música: Serch Geval
Iluminación: José Ramírez
Fotografía: Álvaro Serrano Sierra
Vídeo: Álvaro Serrano Sierra
Producción: Le Doute
Dirección Artística:
Carlos Beluga y Elisa Forcano

Coreografía: Miguel Ballabriga, Carmen Fumero con la colaboración de Indalecio Seura.
Intérpretes: Indalecio Seura, Miguel Ballabriga y Carmen Fumero
Música: Iván Cebrián
Sinopsis: Un poco de nadie cuenta la historia de alguno de nosotros. Habla de intentarlo y no lograrlo. De lo anónimo y de no ser nadie, porque un alguien era una vez un don nadie que quiso y lo hizo.
DOSSIER ESPECTÁCULO
Un poco de nadie es una propuesta que nació con la motivación de darle importancia al hecho de no ser nadie.
Se trata de un punto de encuentro entre tres personajes anónimos, un paréntesis en el camino de cualquiera de nosotros, donde la búsqueda de una identidad propia y el encuentro con el fracaso, son los protagonistas.

La Compañía Marcos Y Marco es un ensemble de artistas que encuentra en la danza contemporánea una de sus múltiples maneras de expresión. Fue formada en 2010 y con base en Marsella (Francia). Su director y coreógrafo es el artista Marcos Marco (Santander), sus coreografías han participado en numerosos festivales y escenarios internacionales como Francia, España, Alemania, Italia, China, Marruecos, Australia, Suiza, Brasil. En la actualidad su investigación artística está vertebrada por varios elementos fundamentales: el riesgo, la naturalidad, el humor, la poesía, y el absurdo.
En los detalles toma su mayor inspiración, utilizando éstos como denominador común en sus obras, siendo a menudo su nexo. El movimiento natural es la materia prima de la composición, se encuentra en ese movimiento sin artificio y honesto el lenguaje característico del artista.

La Compañía Marcos Y Marco presenta su nuevo proyecto: El Parque

Los parques son lugares donde se entrecruzan ideas, se intercambian las situaciones, donde las miradas pesan y la critica a lo desconocido se torna absurda, sitios donde el azar recrea e inventa el mundo.
En este proyecto pretendemos exponer EL PARQUE como un espacio de encuentro donde poder indagar en los comportamientos de sus adeptos mediante un viaje a la memoria.
Encontrar un refugio en el anonimato, escapar de la monotonía, reducir las costumbres de los paseantes a simple divertimento efímero, buscar conexiones en el silencio para encontrar un lenguaje común donde los intérpretes se desplazan entre emociones y energías de ensemble. Una búsqueda de grupo donde encontrar un mensaje propio, singular y definido.

Sinopsis: Imagino un cuerpo sujeto a la duda y la indecisión, que convive con la prisa del que quiere llegar y con la calma de quien sabe esperar. Un ser inconformista, valiente, que enfrenta miedos, acierta, encuentra y también se equivoca. Libre en la búsqueda de límites en su propia danza, sin ataduras, llena de matices, estilos y formas. Ser imaginario, ser que celebra la vida a través de la danza.
FICHA ARTÍSTICA:
Original Idea, Choreography and Performance: Cristian Martín
Artistic Direction and Choreographic orientation: Daniel Doña
Lighting Design: Álvaro Estrada
Original Music: Pablo Martin Jones
Preexistent Musics: Sonada De Adios (Hommage a Paul Dukas)/ Joaquín Rodrigo, El Chuli y el Dr. Kelly / Tino di Geraldo, The Here and After/ Jun Miyake y Lisa Papineau, Árbakkinn/ Ólafur Arnalds y Einar Georg Einarsson, Fandangos de Atapuerca/ Fetén Fetén, Study for Player Piano(II) / Ólafur Arnalds.
Video and Photography: Beatrix Molnar
Wardrobe: Gabriel Besa
Set Design: Daniel Doña

Un equipo Joven, pero con gran trayectoria por separado, se une en esta ocasión para conformar la partitura de este espectáculo. No obstante, son varias las críticas tanto de público como de prensa, las que avalan el buen resultado del trabajo de esta joven pero talentosa compañía.
Dirigida por Alejandro Molinero, ex bailarín del Ballet Nacional de España, Molinero en Compañía en su corta pero intensa trayectoria ha pisado ya los escenarios de teatros tan ilustres como el Campoamor de Oviedo y participado en festivales tan importantes como el de Jerez o el Festival Flamenco Madrid.

Alejandro Molinero & la CND. Proyecto ADM

The Marriage of Heaven and Hell (El matrimonio del cielo y el infierno), es un trabajo coreográfico basado en la obra homónima de William Blake que combina danza, composición electroacústica, tecnología interactiva y ciencias cognitivas en un formato escénico.

Descripción: La visionaria obra de Blake anticipó ideas propias de la neurociencia cognitiva moderna rompiendo las barreras entre cuerpo y psique, imaginación artística y pensamiento racional, metáfora y concepto. Mostró el restablecimiento de la unión de pares opuestos aparentemente irreconciliables. Por una lado, la virtuosa claridad del pensamiento analítico tecnocientífico (la razón, el logos, metafóricamente el cielo) y, por otro, las arrolladoras fuerzas creativas de la imaginación que emergen de la energía corporal (la intuición, el mythos, metafóricamente el infierno).
En la visión escénica de la obra creada por Instituto Stocos la unión de estas polaridades antagónicas se encarnan a través de la relación entre cuerpo y tecnología interactiva. Por eso han desarrollado específicamente un conjunto de tecnologías (sonoras, visuales y coreográficas) para amplificar la presencia corporal de los bailarines y establecer una conexión fluida entre ésta, las atmósferas y el mundo textual de Blake.
La música de la pieza se construye a partir de sonidos sintéticos y transformaciones de voz humana (fundamentalmente de los bailarines). En el ámbito de los sonidos sintéticos, destaca un modelo de síntesis vocal (voces humanas generadas íntegramente a partir del computador) que en varios momentos de la obra se conecta a la expresividad de los bailarines mediante sensores localizados en sus cuerpos. Esta es la voz del diablo, pues Blake afirma que “el hombre no posee un cuerpo distinto de su alma, y que la energía es la única vida y procede del cuerpo”. Además, la tecnología interactiva permite a los bailarines leer con su cuerpo y dotar de vida algunos de los famosos Proverbios del Infierno como The Road of Excess Leads to the Palace of Wisdom (El camino del exceso conduce al palacio de la sabiduría), One Thought Fills Immensity (Un pensamiento llena la inmensidad), Expect Poisson from Standing Water (Espera veneno del agua estancada) o He Who Has Suffered You to Impose on Him Knows You (Aquel que sufre tus imposiciones te conoce).
La imaginería visual se compone de dos universos diferenciados: rayos láser interactivos y Simulaciones de Comportamiento Enjambre (Swarm Simulations). Los láseres están adheridos a las extremidades de los bailarines que van creando las geometrías espaciales del escenario. La simulación permite que los visuales (y la música sincronizada con estos) se comporten como un organismo semi-autónomo que transforma el escenario en un entorno sensible al movimiento de los bailarines. Esta simulación genera contornos que envuelven los cuerpos de los bailarines haciéndolos mutar en palabras clave, un procedimiento que plasma una de las frases más sorprendentes y complejas de Blake: La razón es el límite o la circunferencia exterior de la energía corporal.
Este proyecto utiliza tecnología diseñada para el desarrollo de la danza en el Proyecto Europeo WhoLoDancE, del programa de Industria Comunicación y Tecnología (ICT) Horizonte 2020 (H2020), del que Instituto Stocos es socio beneficiario.

SOBRE INSTITUTO STOCOS
La inteligencia artificial, la biología, las matemáticas y la psicología experimental se pueden bailar. La expansión de la energía corporal de la danza a otras modalidades sensoriales, gracias a la tecnología, es el campo de investigación de la coreógrafa y bailarina Muriel Romero y el compositor Pablo Palacio. Romero, que comenzó su trayectoria con coreógrafos como Forsythe o Jiří Kylián, se unió a Pablo Palacio para fundar el Instituto Stocos, desde el que analizan y desarrollan la interacción entre gestos, sonidos e imaginería visual. Se sirven de la tecnología para evolucionar la danza. Investigan el movimiento en una escena tridimensional donde los cuerpos interactúan con entes sonoros y visuales. Fruto de su imaginario, el Instituto Stocos ha producido una serie de trabajos escénicos que funcionan como una diseminación artística de su investigación. Piezas suyas como Acusmatrix, Catexis, Stocos, Double Bind, Neural Narratives1: Phantom Limb, Neural Narratives2: Polytopya o Piano & Dancer hablan este nuevo idioma inventado por ellos.
El cuerpo teórico que generan Muriel Romero y Pablo Palacio es objeto de estudio en conservatorios y Universidades de todo el mundo. Han participado en proyectos europeos pioneros de investigación como WhoLoDancE, Metabody y D.A.N.C.E. Y, desde 2010, colaboran en el desarrollo del Motion Composer, una tecnología orientada a la interacción entre cuerpo y sonido para personas con discapacidad.
FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Pablo Palacio y Muriel Romero
Coreografía: Muriel Romero
Composición de música: Pablo Palacio
Simulación visual interactiva: Daniel Bisig
Sonificación interactiva: Pablo Palacio
Diseño de sistemas láser interactivos: Daniel Bisig y Pablo Palacio
Interpretación y colaboración coreográfica: Fabrice Edelmann, Clyde Emmanuel Archer, Katerina Humenyuk, Arnau Pérez, Lucía Estévez Almenzar, Gabriella de Alteriis, Teresa Garzón y Aina Canela
Software y tecnología interactiva: Daniel Bisig, Pablo Palacio e Infomus Casa Paganini
Iluminación: Juan Carlos Gallardo
Vestuario: Instituto Stocos
Producción: Instituto Stocos
Coproducción: Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, Teatro Museo Universidad de Navarra
Apoyos: Comunidad de Madrid, EU ICT H2020, Compañía Nacional de Danza, Teatros del Canal, Infomus-Casa Paganini- University de Genova (Génova, Italia) e Institute for Computer Music and Sound Technology of Zurich

WANDERLUST es la tercera pieza de la trilogía KALA (sánscrito para «tiempo»), con la cual la compañía de danza SZENE 2WEI concluye su ciclo de piezas de danza contemporánea sobre varios aspectos del término «tiempo». Los nombres de las dos primeras piezas son TARUN (sánscrito para «intemporal») y #ATME.
WANDERLUST presenta el encuentro del cuerpo humano con la naturaleza como una posibilidad: a partir de un presente, al que se asocian el ritmo acelerado, la artificialidad y la alienación, este encuentro abre el camino hacia un futuro prometedor.
Futuro y naturaleza: ¿cómo encajan los dos juntos? La pieza de danza contemporánea WANDERLUST? plantea exactamente esta pregunta. ¿Cómo se ve el futuro de la naturaleza y la naturaleza del futuro? La tercera y última parte de la trilogía KALA, intenta tejer un puente entre pasado, presente y futuro.
Ya sea el calentamiento global, los desastres naturales o la problemática de los desechos nucleares – el deseo de superar los propios límites ha llevado a la humanidad a crear monstruos que solo ahora se vuelven visibles y palpables. Los elementos han perdido su equilibrio. Pero, ¿cómo lidiar con esto? ¿Cómo volver a ser uno con una naturaleza la cual ya parece nos hemos distanciado en gran medida? WANDERLUST? juega con las predicciones futuras y produce visiones. Hace preguntas y busca respuestas. Esta pieza es una invitación tanto como una incitación. Para enfrentar a los monstruos, desarrollar ideas y, ante todo, nunca perder la pasión por el wanderlust.

Director Artístico & Pedagógico: Timo Gmeiner
Coreógrafo & Director Artístico: William Sánchez H.
Danza: Anne-Hélène Kotoujansky, Eiji Takeda, Fuuko Shimazaki, Jörg Beese, Matthieu Bergmiller, Mukdanin Phongpachith Ricarda Noetzel
Música & Composición: Tim Bücher
Figurinismo, Escenografía & Light: Clément Debras
Workshops: Anne-Hélène Kotoujansky, Jörg Beese, Mukdanin Phongpachith
Trabajo Editorial: Kristina van Kempen
Vídeo & Foto: Paul Meuth
Diseño Gráfico: Pavlina Boneva
Asistente: Didier Vergel
Director de Escena: Mercè Mayor
Fotos: Paul Meuth

Dirección y coreografía: Fabián Thomé
Música original: Park Woojae
Idea original: Fabián Thomé % Ignacio Urrutia
Danza: Pau Aran, Carlos Fernández, Fabián Thomé
Dramaturgia, Fotografía, Vídeo: Ignacio Urrutia
Vestuario: Germán Cabrera
Luces: Víctor Colmenero
Producción: Alexei Issacovitch
Duración: 20 min.
Estreno absoluto el 15 de noviembre de 2018, en el Teatro De Warande, en Turnhout (Bélgica).

Tres criaturas interrelacionadas entre sí habitan un espacio común donde la vibración y el sonido transforman el paisaje. Explorando las conexiones con la naturaleza, el misticismo de un árbol interroga al hombre en su propio camino hacia adelante. En idioma amazónico, “YöY” hace referencia al bosque donde tienen lugar lo sueños.
Creación para 3 bailarines y 1 músico, YöY se encuadra en una trilogía con “umbra” y “entre sombras”, en la que Fabián Thomé explora las relaciones contradictorias entre el ser humano y la madre tierra.

Colaboran: De Warande Theater, Turnhout (Bélgica); Fundición, Bilbao; Compañía Nacional de Danza, Madrid.
FABIÁN THOMÉ DUTEN
CARLOS FERNÁNDEZ
PARK WOOJAE
IGNACIO URRUTIA
PAU ARAN